Por Paulo Campos
La que sí me gustó más ver premiada fue Gaza mon amour, que se hizo con la Espiga de plata, vamos, la segunda mejor película, y mejor guión. El premio a mejor dirección también lo compro, porque Aurel y su Josep merecían estar en el palmarés, e Iván Ostrochovsky por Servants era uno de los mejores en la sección oficial. Ambos compartieron ex-aequo el premio a mejor dirección.
Por Paulo Campos
El viernes cerró las proyecciones en el Calderón la eslovaca Servants de Iván Ostrochovsky, otra maravillosa foto en blanco y negro (no sé si esta convenció más a Pumares) para tratar a modo de película de terror (y qué terror) el conflicto que se vivió dentro de la Iglesia Católica en la Checoslovaquia de finales de los 70, cuando la facción de la curia que apoyaba al gobierno comunista se enfrentaba a los que no admitían la inclusión gubernamental en sus decisiones y enseñanzas. Un conflicto político que incluye asesinato, represión, delación, … Una muy buena película para cerrar los visionados, que es sin duda una de las grandes europeas del año; y por segundo año una película eslovaca me deja las mejores sensaciones del certamen (el pasado año Let there be light me pareció de largo la mejor película que se pasó en la Seminci junto con Honeyland, claro). He visto en mi vida dos película eslovacas, voy a tener que ponerme en serio con ese país. La última peli a competición era la china The cloud in her room de Zheng Lu Xinyuan; y vale que es verdad que ya llegas un poco exhausto a su visionado, pero es que no entendí absolutamente nada. Me confundía los personajes y no sabía qué coño me querían contar y la verdad me resulta muy incómodo. Es como ver un programa de Iker Jiménez, que tú ves que el tío habla muy seguro de cosas muy serias ,y tú no puedes evitar verlo con un gorrito con una hélice y nariz de payaso. Pues eso, una muchacha que tuvo un novio que era regular, un tipo que coincide con ella en el colegio de la hermana y que ve reflejado en él a ese chico (esto lo deduje porque los dos tenían pelo largo y coleta siendo los dos únicos chinos del mundo que la tienen), el padre que vive con su nueva mujer, la madre borracha, y plano de pelo de coño para que veamos lo moderna que es la directora. Pues vale.
Por Paulo Campos
Ya mitad de semana y llegaba la película de Uberto Pasolini, Nowhere Special, cuya sinopsis me echaba para atrás que no veas. Un padre enfermo terminal y con trabajo precario debe decidirse por una familia de las que le presentan los servicios sociales para que en un futuro inminente se hagan cargo de su hijo pequeño. Vamos, que me esperaba lo más lacrimógeno desde la presentación de cualquier concursante random de La Voz. Y no me equivoqué, o sí. La película es de lágrima más fácil que un fracaso escolar en La isla de las tentaciones, sí, por su propia concepción. Pero es verdad que la sencillez, y el no cargar demasiado contra los personajes ayuda a superar el trago y salir, la verdad, con un buen sabor de boca por lo que acabas de ver. No es ninguna maravilla, pero James Norton como el padre no abusa de efectismos, ni Pasolini (suena raro eso de película de Pasolini, pero es el apellido del pavo, qué le voy a hacer) se pasa de telefilmero. Se sabía que no iría mucho más allá en el palmarés, pero el público sí que disfrutaría de su visionado. La otra película de esa mañana era la maravillosa Gaza mon amour de los hermanos Hasser, de la que ya hable, y muy bien, en Toronto. Y que, sorprendentemente para mí, no entusiasmó demasiado a la prensa de Valladolid (una crítico sesudo con acento italiano dijo “no me gustó porque no representa fielmente la situación en Gaza”, demostrándome que por muy sesudo que seas y por mucha carrera que tengas a la espalda no significa que entiendas la película que acabas de ver). Hablando de críticos sesudos, volví a tener cerca este año a ese veterano crítico, cuyo nombre diré en televisión con la voz distorsionada y con peluca en un plano a contraluz bajo un cheque millonario, y que se duerme en todas las putas sesiones a las que va. Eso sí, luego no falta en la revista mensual de turno (pista gratis, porque puede ser alguna de las tres que hay) su crítica sobre la película que no vio ni cinco minutos. Ale, entrañas mafiosas de la crítica cinematográfica destapadas.
Por Paulo Campos
Es desde el domingo cuando el Calderón se convierte en la casa de la prensa durante las mañanas, es desde el domingo que Don Carlos Pumares llega todos los días el primero, a eso de menos cuarto, y repite TODOS LOS DÍAS, aquello de “mi asiento es en la fila seis que es la ocho” (las dos primeras son A y B) a la amable acomodadora. Un clásico (este año lo escuché protestar poco). Así que empezó la canadiense Puppy Love a abrir fuego en la sede del festival. Se trata de una especie de Forrest Gump de los barrios bajos, que desde el jacuzzi de una piscina pública, cuenta como un discapacitado psíquico se enamora de una prostituta y de cómo logra salir adelante en una mundo plagado de droga, chusqueros narcos o un hermano que le mola eso de estampar caras ajenas. Tiene un toque a ensoñación y un humor acertado, pero poco más. Y dos interpretaciones desequilibradas, si bien Hopper Penn (hijo se Sean, sí) está estupendo y creíble, Paz de la Huerta está insufrible en su papel de prostituta morritos. Michael Maxxis, director, dice que su película es un 83% basada en hechos reales y el resto inventada y exagerada, espero que en ese 17% esté la interpretación de esta señora. Después de la inmersión en los bajos fondos, Vadim Perelman nos traía una sobre el Holocausto. Este hombre, la alegría de la huerta, ya nos trajo la depresiva House of Sand and Fog hace unos años, ahora os cuenta en Persian Lessons como un joven judío se inventa una nacionalidad persa para salvarse, que le vale para que un oficial alemán quiera aprender el farsi. La película, académica como ella sola, se basa en como el chaval se inventa el idioma y el pavo del alemán traga con todo. Si compras la premisa, pues hasta puedes disfrutar de la película. Si no, se hace bola fijo. Pero vamos, si la peña compró la de La vida es bella, creerte que una alemán que quiere viajar a Teherán no sabe que se la están colando con un simple “hola” en farsi, pues mira, da gusto ver el nivel de ingenuidad que llegas a tener. La peli tiene pinta de esas que si Alemania las escoge puede hacerse un hueco entre las nominadas al Oscar (no este año, que ya no entra). Sobre todo, porque Nahuel Pérez Biscayart (el nuevo Daniel Brühll) lo da todo en varios idiomas.
Por Paulo Campos
Hacer hoy en día un festival de cine presencial es poco menos que una heroicidad. Las cuotas de aforo en los cines son ínfimas y las condiciones del estado no son, desde luego, las adecuadas para plantarte en otra ciudad a hacer eventos sociales. Pero ahí tenemos al Festival de Valladolid, en su 65 aniversario y con aforos del 30% (sí 30%) en los pases. Así tenía como mi compañero de fila en el cine al menos cuatro asientos de distancia y vacías las filas anterior y posterior. Si eso no es un cine seguro, que venga Fernando Simón y lo vea. Me gusta venir a este festival porque la sección oficial, a pesar de heredar muchas veces películas que ya pasaron por otros festivales, siempre suelen tener una calidad mínima destacable (siempre hay excepciones, aún recuerdo el bochorno del pasado año de Hombres de piel dura) y aunque es complicado encontrar la PELÍCULA REDONDA, siempre encuentras cine interesante.
Por Paulo Campos
Os dejo un pequeño resumen con mis tops del Festival de Toronto 2020:
Interpretación masculina:
1-Mads Mikkelsen por Druk
2-Leslie Odom Jr. por One Night in Miami
3-Alec Utgoff por Never Gonna Snow Again
4-Salim Dau por Gaza mon amour
5-Aris Servetalis por Apples
Alt: Kingsley Ben-Adir por One Night in Miami
Por Paulo Campos
Spring Blossom (Suzanne Lindon. Francia, 2020)
Ahora vamos con una supuesta niña prodigio del cine galo. Suzanne, la hija de Vicent Lindon y Sandrine Kiberlain, debuta en la dirección de largometrajes a sus 19 años (ya tiene 20, pero la dirigió el pasado año) y no lo hace con algo facilón, porque presenta a una adolescente de 16 años que va de lista por la vida; y claro, además es francesa francesa, por lo que su vida de adolescente le aburre y pone sus ojos en un actor unos 20 años mayor que ella, y sorprendentemente de ahí surge el amor y el deseo entre ambos
Aparentemente con el argumento que acabo de plantear va a ser un dramón del quince (o del dieciséis más bien pero no, la película opta por la ligereza en el planteamiento, como una película iniciática mostrando siempre los acontecimientos desde el punto de vista de ella y sin meterse muy en el fondo de una cuestión que daba para más. Es que estamos hablando de un tipo que quiere acostarse con una cría de 16 años, pero no, la película hace un blanqueamiento de esa relación asquerosa.
Por Paulo Campos
The Truffle Hunters (Michael Dweck & Gregory Kershaw. Italia-Estados Unidos-Grecia, 2020)
Uno de los mejores documentales, si no el mejor, que vimos en la plataforma del Festival de Toronto es esta coproducción entre Italia y EEUU sobre un grupo de hombres que se dedican al milenario arte de conseguir trufas blancas. ¿A que apetece un mazo?
Como confío ciegamente en la humanidad, entiendo que todas vuestras respuestas a la pregunta anterior fue negativa. Pero es ahí donde gana el documental. Se trata de una premisa que permite ver que la búsqueda de ese oro en forma de ¿fruta? ¿plasta? ¿zurullo? Sólo se puede hacer de forma tradicional, con unos canes entrenados y por unas personas que llevan toda su vida haciéndolo.
Por Paulo Campos
The Best Is Yet to Come (Jing Wang, China. 2020)
Si en la película Bandar Band decía que una de las mejores cosas es que su duración era de poco más de una hora, en esta película china no es hasta que lleva transcurrida una hora cuando realmente se presenta la trama que va a desarrollar hasta el final. Y, sorprendentemente, me ha gustado mucho y no creo que la primera hora me haya hecho perder el tiempo.
Os cuento, la película narra cómo Han Dong llega a Pekin con el deseo de convertirse en periodista, un golpe de suerte hace que esté en el lugar correcto en el momento perfecto y uno de los editores de uno de los periódicos más importantes lo acoge bajo su tutoría. Trabajará sin descanso para ofrecer noticias y reportajes, pero cuando topa con una red de venta de sangre y se introduce en ella deberá elegir entre su carrera soñada o el desvelar algo que puede destapar un maltrato gubernamental a un colectivo de casi 100 millones de personas.
Por Paulo Campos
Concrete Cowboy (Ricky Staub. Estados Unidos-Reino Unido, 2020)
Otro de los platos que a priori traía el Festival de Toronto es esta película en la mayor tradición del indie norteamericano; con historias de personajes en situaciones extremas, pero rodeadas de gentes en los márgenes que forman sin duda ese abanico cultural y social del que poca gala hace los EEUU. Cuando cada una de esas formas de vida tan originales y diferentes deberían significar orgullo para un estado.
Centrémonos, la historia es la de un muchacho que se pasa de rebelde (tampoco lo era tanto) y su madre decide que hasta aquí hemos llegado, y lo manda con su padre, pero así: “Ale, sube al coche que vas con tu padre”. Y en estas que vemos que con su padre la relación era y es regulinchis. Y es que además su progenitor se dedica, junto a otros vecinos del barrio, a una vida como si un cowboy moderno se tratara, cuidando caballos en, prácticamente, sus propias casas, y juntándose en corros en una hogueras urbanitas para discutir el sentido de la vida.
Por Paulo Campos
Notturno (Gianfranco Rossi. Italia-Francia-Alemania, 2020)
Desde que comenzó su carrera como documentalista allá en el 93 en EEUU, Gianfranco Rossi se ha convertido hoy en día en el más reconocido cineasta italiano del género. Si consiguió hacerse con el León de Oro contándonos la vida en un nudo de autopistas en Sacro GRA y un par de años después estaba nominado al Oscar por Fuocoammare (que nos ponía al día de la inmigración en el Mediterráneo), ahora vuelve a centrarse en una zona del mundo para contarnos las miserias de cualquier rincón, extrapolando a donde vivimos.
No es tan complicado como parece. Rossi decide instalar durante un período de unos tres años sus cámaras en países vecinos y conflictivos como Irak, Siria, Kurdistán o Líbano para mostrarnos la vida cotidiana allí, donde se agolpa la violencia, la pobreza, el puto Daesh y la competencia territorial. Más allá de centrarse en unos personajes concretos, esta vez opta por mostrar más rostros, pero sin poner demasiados nombres para que desde el anonimato veamos como es posible salir adelante en unas condiciones deplorables.
Por Paulo Campos
Nuevo orden (Michel Franco. México-Francia, 2020)
A Franco le va el cancaneo, a Michel Franco también. Sus películas más aclamadas como Después de Lucía o Chronic o Las hijas de Abril son de una intensidad de las de Trankimazin mañanero. Esta película no rehuye el ansia de convertirse en polémica, en dar que hablar, para bien o para mal, y obediente de mí, a ello voy.
Digamos que la película nos presenta una distopía (que palabra tan chuli y lo mucho que nos va el ponerla en cualquier texto). En una boda de alto copete (que se decía antes) pululan los ricos mexicanos con su coches, calles cortadas, relojes y pasta a montón, pero de pronto los de abajo entran para ponerlo todo patas arriba y derivar en un golpe de estado sui generis donde la condiciones humanas brilla por su ausencia.
Por Paulo Campos
Un triomphe (Emmanuel Courcol. Francia, 2020)
Aquella película que llegó en 2011 llamada Intocables marcó una época para el cine francés, a partir de entonces cientos de películas que conjugaban el drama con comedia localista y buenos sentimientos aparecieron como un nuevo género que a los franceses se les daba bien y al público en salas parecía que les era necesario, porque los datos de recaudación era apoteósicos. En esa línea se incluye esta película que es candidata número uno a ser la “comedia francesa del año”, si es que esta frase aún significa algo.
Llenita de buenas intenciones, nos cuenta la historia de Etienne (un achuchable Kad Merad), un actor sin mucha suerte en el campo laboral, que es elegido para dar clases de teatro en un centro penitenciario y representar, no por casualidad, 'Esperando a Godot' de Samuel Beckett, referente del absurdo donde los personajes esperan y esperan por alguien que nunca llega.
Por Paulo Campos
A Good Man (Marie-Castille Mention-Schaar. Francia-Estados Unidos, 2020)
En este Festival de Toronto tan especial se han visto películas que parecen llegar en el mejor momento para que, más que de sus virtudes, se hable de el oportunismo de su temática. Lo que da para llenar dos o tres horas de tertulias cinéfilas inexistentes en nuestras televisiones, porque no hay sitio para estas tertulias. Pero vamos, que eso da para una película entera de David Fincher. A Good Man llega en el momento en que varios puntos de los que protagonizan la película están en el candelero: ¿Qué marca la casilla “género” en nuestro DNI o similares? O ¿debe un intérprete normativo hacer un papel de trans? Dos temas que rodean la película.
Vamos primero con el argumento: Benjamin y Aude quieren tener hijos, pero resulta que Aude es estéril, Benjamin se ofrece a ser quien geste al niño porque antes Benjamin era Sarah. Creo que es la primera vez que una película puedo resumirla en un frase y verdaderamente decir de qué va. Así, esa idílica relación pondrá a prueba a ambos y alargará el debate de qué es un hombre y qué es una mujer, qué marca que ambos sean lo que son. Vamos, que los de la furgoneta aquella de “los niños tienen pene, las niñas vagina” (o algo así era) están para dar su opinión sobre la película.
Por Paulo Campos
Pieces of a Woman (Kornél Mundruczó. Canadá-Hungría, 2020)
Mundruczó es una de las figuras claves de la nueva ola de cine húngaro, sobre todo por películas como White God o Jupiter's Moon. Ahora da el salto a Norteamérica con su primer proyecto en lengua inglesa y seguramente no último. La producción viene sobre todo de capital canadiense, así que ningún sitio mejor que Toronto para presentarla en sociedad.
La piezas de una mujer son las que trata de componer la película, es la historia de las dificultades de una pareja cuando pasan por el trance de perder en un parto de estos caseros (¡ay, válgame el zeñó!) a su hija recién parida. Las secuelas psíquicas de ella, de cómo le afectan en su relación con pareja, familia y entorno laboral son básicamente las tramas de la película, que ahonda de manera a veces excesivas en los vericuetos que la vida busca a veces.
Por Paulo Campos
In Between Dying (Hilal Baydarov. Azerbaijan-Estados Unidos, 2020)
No es Azerbaiyán un país de referencia cinéfila, de hecho, creo que es la primera vez que veo una película de tal nacionalidad y eso siempre mola. En este caso, tampoco Baydarov es un cineasta con carrera en el extranjero más allá de los cuatro festivales minoritarios. Aún así esta película se coló este año en la sección oficial del Festival de Venecia y, aunque no estuvo en el palmarés oficial, sí cosechó grandes críticas entre los periodistas con las gafas más gordas allí presentes.
Vamos a ver si consigo haceros una idea de lo que va esta película: Davud (Orkhan Iskandarli) es un desgraciado y desagradecido joven que, por no cuidar a su madre enferma, se va con su novia a tomar el aire. Allí se enfrenta con un hombre en una pelea y accidentalmente, o no, lo mata. Desde entonces se verá perseguido por una extraña mafia local de Bakú y en su huida se enfrentará con un cuadro de situaciones (en todos los sentidos, en el de un ramillete de situaciones y en cuadro de comedor como una catedral) que siempre terminan con muerte, aunque de forma indirecta ocasionadas por él.
Por Paulo Campos
Shorta (Frederik Louis Hviid, Anders Ølholm. Dinamarca, 2020)
El síndrome Amenábar cuando vio El sexto sentido es lo que les ha entrado a estos dos pobres directores. Imaginaos que trabajáis intensamente en buscar financiación para un guión del que lleváis años enganchados y justo cuando lo consigues y estás rodando llegue una película francesa llamada Les Miserables y arrase entre la crítica, en Cannes y en taquilla francesa contando exactamente lo mismo que estás rodando, incluso de forma muy similar.
Por Paulo Campos
Shiva Baby (Emma Seligman. Estados Unidos, 2020)
Cuando en un festival de cine ves el título de la película seguido de un “comedia” y “duración 70 minutos”, una lagrimita de incredulidad y regusto asoma por la córnea y se derrama sobre tus gafas marrones robadas de un cajón de casa de tus bisabuelos. Pues este es el caso de Shiva Baby,una película minúscula estadounidense que supone un soplo de aire fresco a una sección oficial plagada de títulos dramáticos.
El punto de partida de la película de Seligman (ópera prima, claro, y se nota) es el de una muchacha universitaria que coincide en un velatorio, más judío imposible, con su recién estrenado (o follado) amante no judio, casado y con un niño. A partir de ahí, enredos, situaciones incomodas y un humor judío que ríete tú de los Coen en sus más hebreos momentos.
Por Paulo Campos
One Night in Miami (Regina King. Estados Unidos, 2020)
Pese a que fuera de los USA no es un figura de primera línea, allá Regina King es top total. Lo demuestra que en cinco años ha ganado tropecientos Emmy, creo que por cada serie donde salió más de 15 segundos (este septiembre puede hacerlo por Watchmen. Y, sobre todo, por el Oscar conseguido por If Beale Street Could Talk. Pues ahora da el salto a la dirección de largos, tras cogerle el gustillo en algún capítulo de series como Scandal, The Good Doctor o Animal kingdom.
Vaya momento: a veces una película, más que por sus propios méritos, es por el momento en el que llega por lo que se hace indispensable en un tiempo determinado. Una película que trata de cómo el racismo campa a sus anchas por territorios estadounidenses y cuál es la labor que figuras relevantes de la comunidad negra deben llevar a cabo para presentar ante la sociedad que sus derechos se están viendo pisoteados. Es necesaria, pero después del caso George Floyd, ahora más que nunca.
Por Paulo Campos
Never Gonna Snow Again de Malgorzata Szumoswka & Michel Englert. Polonia-Alemania, 2020)
Szumowska se convirtió en unos pocos años en la niña bonita del cine polaco con películas que se pasearon por festivales de toda Europa, dejando a los gafapastas atornillaos, como si nunca hubieran visto una película (puede que así fuera). Títulos como Mug o Cuerpo hicieron las delicias de esos críticos a los que les gusta que no se les entienda nada, como el profesor que suspendía a todo el mundo para demostrar lo buen profesor que era. Dicho esto, ¿y lo que me ha gustado a mí esta película? ¿Ya tengo que ir cambiando mi manera de redactar para que me contraten en Fotogramas y que la gente sólo entienda si me gustó o no por el número de estrellitas que le pongo?
Por Paulo Campos
Tove (Zaida Bergroth. Finlandia-Suecia, 2020)
Tove Janson es considerada una de las mayores estrellas de las artes finlandesas, y la escritora infantil de más éxito del país nórdico. Un personaje muy querido por la sociedad sueco-parlante de Finlandia y una institución cultural. No es de extrañar que mereciera un biopic, y para qué complicarse demasiado, si su propia vida ya te da para cubrir hora y media sin añadir nada a “lo que hizo y cómo lo hizo”.
¿Qué quiero decir? Que si os digo la película abarca desde que su padre la menospreciaba por dedicar su tiempo a pinturitas frívolas, que conoce la pobreza al no vender demasiado, que se enamora de una mujer, que consigue sobresalir pintando murales y finalmente se estrena para la posteridad con unos personajes de comic... ya habéis visto la película, porque ni narrativa ni visualmente aporta novedad alguna a lo que os conté.
4/10
