Crónicas: Sitges 2014. La lucha por la supervivencia.

Empezamos el primer día del Festival con una maratón, y qué mejor forma de despedirse de Sitges que con otra. Las tres últimas películas de nuestro festival fueron thrillers de supervivencia, en los que la naturaleza va cobrando creciente importancia en cada uno de ellos. 

Por Manuel Barrero Iglesias

White Settlers (Simeon Halligan. Reino Unido, 2014)

Fantàstic Panorama

Una pareja inglesa se muda a una casa en medio del campo escocés. La primera noche en su nuevo hogar se convertirá en una auténtica pesadilla. Lo interesante de este film es la tensión que consigue crear con un argumento mínimo. El ambiente se hace irrespirable, con esa sensación de que en cualquier momento puede suceder lo peor. El director dosifica muy bien los trucos para no pasarse con el efectismo, siendo respetuoso con el espectador. Oculta información, pero no peca de tramposo. El film también tiene su lectura política, con ese enfrentamiento entre la Escocia profunda y la Inglaterra urbana.

Preservation (Simeon Halligan. Reino Unido, 2014)

Fantàstic Panorama

De una casa en el campo pasamos a una reserva natural, la que visitan los protagonistas de esta película. Un fin de semana de relax se convierte en una pesadilla cuando unos desconocidos se proponen cazarlos solo por diversión. Aquí la naturaleza no es enemiga, sino el entorno en el que desarrollar la trama, como un observador bello e imparcial. El meollo de la cuestión es la vieja canción del cazador cazado. La víctima que se rebela contra sus agresores. Resaltar que tanto en esta, como en la anterior y siguiente (y es una tendencia generalizada)  los personajes femeninos siempre acaban sacando una fortaleza tremenda. Por otro lado, la película aporta muy poco al subgénero, pero al menos es capaz de captar nuestra atención.

Backcountry (Adam Macdonald. Canadá, 2014)

Fantàstic Panorama

El peligro de los osos ya nos lo mostró Werner Herzog a través de Timothy Treadwell en la sorecogedora Grizzly Man. Muy poco tiene que ver esta Backcountry con aquel impresionante documento, pero esto nos sirve para ilustrar como la maratón volvió a subir la cuota de importancia de la naturaleza en el desarrollo del film. Aquí tenemos una pareja que se embarca en un romántico viaje por los bellos parajes en los que creció él. Ella tampoco parece muy entusiasmada con la excursión, especialmente cuando las cosas se empiezan a torcer. La película es toda una declaración sobre la estupidez masculina, aquella que cree necesario impresionar continuamente a la mujer. Los estereotipos que la sociedad lanza sobre lo masculino y lo femenino juegan un papel importante en el desarrollo del relato. La consecuencia lógica es un idilio convertido en pesadilla, por el exceso de confianza humano ante el poderío natural. El director juega muy bien la baza de la presencia imponente de un oso como causa del terror. El animal solo sigue su instinto, y esa ausencia absoluta de maldad hacer que el horror sea aún más turbador.

Estrenos España: 24 octubre 2014

Una de las sensaciones del año pasado al fin llega a las salas comerciales españolas. Coherence (que consiguió el premio al mejor guión en Sitges 2013) es el debut en la dirección de James Ward Byrkit, una película inquietante y turbadora. Ocho personajes y casi una única localización bastan para construir una ciencia-ficción que nos enfrenta con nuestros miedos más profundos. 

También en Sitges -aunque ya en la edición de este año- hemos podido ver Cuando despierta la bestia, película danesa que retrata la vida de una pequeña comunidad en la que el diferente no es bien aceptado (y más si ese diferente es una mujer-lobo). Esta semana tenemos doblete del país nórdico, con Alguien a quien amar, película que narra la vuelta de un famoso cantautor a su tierra natal. Allí sufrirá un importante reecuentro con su hija y su nieto.

Otro de los estrenos destacados de la semana es Dos días, una noche, de los siempre interesantes hermanos Dardenne. Película que compitió en Cannes y que ahora ha participado en la Seminci, vuelve a incidir en la realidad social de nuestros días. Y como protagonista, la estrella Marion Cotillard.

Además de Coherence, tenemos hasta cinco estrenos estadounidenses más. Quizás el más atractivo sea El juez, que promete duelo interpretativo entre Robert Downey Jr. y Robert Duvall como padre e hijo (abogado y juez). El fantástico viene con Drácula, la leyenda jamás contada; con Luke Evans dando vida a el Príncipe Vlad. La comedia tonta con Vamos de polis. Película basada en hechos reales sobre béisbol en El chico del millón de dólares. Y el thriller vengativo con The Prince.

Semana cargada de estrenos, en la que encontramos tres franceses. El amor está en el aire es una comedia romántica protagonizada por Ludivine Sagnier, cuyo personaje se encuentra sentada al lado de un ex que tratará de reconquistarla en el vuelo que la lleva de Nueva York a París (donde ella se va a casar). Thriller con tintes de comedia negra encontramos en Tip Top, protagonizada por Isabelle Huppert. Y A cielo abierto es un documental en el que recogen las experiencias de varios niños con discapacidad mental y los adultos que tratan de entender sus problemas.

Acabamos con otro documental, en este caso el único estreno nacional de la semana. Paco de Lucía: La búsqueda, un viaje al pasado y a la intimidad del músico.

Crónicas: Sitges 2014. Transformaciones animales

El último día de competición pudimos ver dos filmes en los que los animales juegan un papel fundamental. Mujeres-lobo por un lado, y un hombre amante de las morsas por el otro.

Por Manuel Barrero Iglesias

Tusk (Kevin Smith. Estados Unidos, 2014)

Oficial Fantàstic Especials

Resulta interesante el giro que ha dado Kevin Smith a su carrera. Cuando ya parecía estancado en un tipo de cine sin salida, se sacó de la chistera la escalofriante Red State. Una cinta de terror, irregular, pero que marcaba un cambio de rumbo en su filmografía. Ese nuevo Smith se prolonga en esta Tusk, otra cinta de horror, aunque con numerosos toques cómicos. De nuevo, estamos ante una cinta de tremenda irregularidad, pero se agradece el riesgo del salto sin red. Con ese material era demasiado fácil caer en el ridículo. Y Smith lo esquiva con habilidad. Consigue combinar el humor (con las dosis justas), el horror y lo bizarro, en un cóctel que también desprende algo de crítica al espectáculo de la red, y sus absurdos minutos de fama (no tan efímeros como la televisión, y por ello bastante más peligrosos). Una curiosidad que nos hace volver a creer en Smith, e incluso aguardar expectantes cualquier trabajo nuevo que nos traiga.

Cuando despierta la bestia (Jonas Alexander Arnby. Dinamarca, 2014)

Oficial Fantàstic Competición

En un tono mucho más serio tenemos esta película danesa que trata el tema de la licantropía, pero desde la menos habitual perspectiva femenina y con intenciones naturalistas. La película se toma su tiempo para desvelar los secretos que se esconden tras las apariencias, para luego hablarnos de la clásica historia de no aceptación del diferente. Sociedades cerradas incapaces de tolerar al que se salga de la norma, incluso empujando a este a una marginación cada vez mayor, que a veces puede desembocar en odio como mecanismo de defensa. Y en no pocas ocasiones terminar en una deshumanización del individuo que se ve repudiado por sus semejantes. La metáfora es evidente, pero efectiva. Y no todo es negativo en un film que tiene su personaje que lucha contra la injusticia. Cuando despierta la bestia es una de esas películas que utilizan el fantástico para hablar del mundo que tenemos, y lo hace con bastante solidez.

Televisión: Pilotos 2014/2015. 1ª Entrega

Por David Sancho

Título: The Mysteries of Laura 

Creada por: Jeff Rake sobre la serie original de Carlos Vila y Javier Holgado.

Emitida en: NBC.

Reparto: Debra Messing, Josh Lucas, Janina Gavancar, Laz Alonso, Kahyun Kim.

Audiencia: 10,19 millones.

Sí, se trata del remake americano de la mediocre serie española Los misterios de Laura. No suelo ver serie españolas, pero el piloto de esta, recuerdo haberlo visto una noche de verano en la que no tenía mucho que hacer. La serie española no pintaba bien desde el principio, pero es que su remake empieza aún peor. 

Adaptada al formato televisivo americano, esta nueva versión es mucho más directa y con mucho más ritmo, pero detrás de las apariencias sigue estando esa serie insulsa que veíamos en la versión original. Se trata de una serie procedimental con toques de comedia. Los casos son como los de todas las series de este tipo y los chistes facilones. Los personajes y sus relaciones no aportan nada que no hayamos visto ya.

Serie que no toma, ni tomará ningún riesgo, perfecta para aquellos poco exigentes que solamente quieran estar tirados en el sofá viendo algo intrascendente a lo que poder seguir el hilo mientras juegan a Candy Crush en el móvil.

Lo mejor: Lo dicho, perfecta para tener de fondo mientras haces cualquier otra cosa mucho más interesante.

Lo peor: Es una serie procedimental más, y, a mí por lo menos, me sobran casi todas. Además, no va nada mal de audiencia, por lo que podemos tener tontería para rato.

Puntuación: 3.

Título: Red Band Society 

Creada por: Margaret Nagle sobre la serie original de Albert Espinosa.

Emitida en: Fox.

Reparto: Octavia Spencer, Dave Annable, Astro, Ciara Bravo, Griffin Gluck, Zoe Levin, Rebecca Rittenhouse.

Audiencia: 4.1 millones.

Otro remake de una serie española. De la original no he visto ni un solo minuto, pero viendo este remake, no creo que me haya perdido demasiado. 

Se trata de un drama buenrrollista sobre un grupo de chavales que viven en un hospital, así como sobre el personal del hospital que trabaja con ellos. Todo muy duro, pero muy tierno; muy de andar por casa. 

Le falta humor negro y le sobra sentimentalismo barato. Se ve a la legua que van a tirar de niños moribundos con muchas ganas de vivir capítulo a capítulo, tratando de tocar la fibra sensible del espectador de la manera más facilona.

Lo mejor: Que su audiencia la va a condenar a una rápida extinción.

Lo peor: Sentimentalismo barato sin ningún tipo de interés.

Puntuación: 2

Título: Madam Secretary 

Creada por: Barbara Hall.

Emitida en: CBS.

Reparto: Téa Leoni, Tim Daly, Erich Bergen, Mozhan Marmó, Sean Kleier, Michael Aronov, Maria Di Angelis.

Audiencia: 14.75 millones.

Serie elegida por CBS para hacer pareja con la excelente The Good Wife los domingos por la noche, y curiosamente nos cuenta también la historia de una mujer con un trabajo de perfil alto que tiene que compaginar su vida personal y laboral.

Pero ahí se acaban las similitudes entre las dos series. The Good Wife es cierto que no empezó teniendo el nivel que muestra ahora mismo, pero ya desde un inicio uno podía ver que había algo especial en ella que hacía que aunque básicamente se tratase de una serie legal procedimental, no la quisieras abandonar. Mejores guiones que la media, mejor elenco, un sentido del humor muy medido y efectivo, además de la promesa de que en algún momento la trama principal tomaría el control de la serie por encima de los casos desarrollados en cada episodio.

En el piloto no le veo esas virtudes a Madam Secretary, más allá de que sí que es posible que en algún momento deje de ser procedimental para pasar a convertirse en un verdadero drama. El piloto es anodino y no me hace querer seguir con ella, pero sus excelentes secundarios y la promesa de un futuro mejor podría hacer que mereciese la pena darle una segunda oportunidad en el futuro. Mi recomendación es dejarla por ahora, y si en un futuro próximo se empieza a hablar de ella en los términos en los que se habló de The Good Wife, recuperadla.

Lo mejor: Tiene mucho margen de mejora.

Lo peor: Las tramas que se nos plantean en el piloto nos suenan a muy vistas. Téa Leoni no es Julianna Margulies

Puntuación: 5.

Crónicas: Sitges 2014. Cronenberg y Godard. Autores y ventosidades.

Tienen dos secuencias muy similares las películas unidas en esta crónica. En ambas vemos (y oímos) a alguien sentado en el váter defecando de forma ruidosa mientras charla con su interlocutor. Sí, los pedos ya no son exclusivos de la comedia grosera, pasando a forma parte del discurso de dos autores de la talla de David Cronenberg y Jean-Luc Godard. Cada uno busca algo distinto con la introducción de la secuencia en cuestión, pero celebramos en ambos casos la naturalización de las ventosidades con propósitos más allá de buscar el humor primario. Pero hay mucho más -demasiado para esta minúscula crónica de aproximación- dentro de dos de las mejores obras que pudimos ver este año en el Festival de Sitges.

Por Manuel Barrero Iglesias

Map to the Stars (David Cronenberg. Canadá-Alemania, 2014)

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Cronenberg se une a lista de nombres ilustres que han retratado el lado oscuro de la maquinaria hollywoodiense. Como recientemente hizo otro cineasta inquietante llamado David (Lynch), el canadiense lanza una mirada devastadora sobre los habitantes de una ciudad, Los Angeles, que han perdido toda perspectiva sobre la realidad. Los personajes de Maps to the Stars viven en su mundo, un mundo ajeno al resto de la humanidad, un lugar absurdo y ridículo en el que no importa nada más allá de ellos mismos. Pero ojo, ahí está la vida con la que sueña la gran mayoría de la población. El personaje que sirve como hilo es una joven (Mia Wasikowska) que vuelve a ese mundo tras pasar su infancia/adolescencia lejos de él. El recorrido que hacemos junto a ella nos muestra a una fauna grotesca, la otra cara de las estrellas que vemos en la alfombra roja (y también de los que pululan alrededor). En este retrato resultan clave dos personajes que se convierten en blancos muy fáciles de la fábrica de sueños (¿o pesadillas?). Tenemos al niño estrella (Evan Bird), el que tiene todas las papeletas de convertirse en juguete roto. Y también a la actriz ya madura (descomunal Julianne Moore) que vive horas bajas por culpa de la edad. Todos ellos son personajes antipáticos para el espectador, aunque no es cuestión de personalizar. La estupidez en sus comportamientos viene provocada por el entorno. Y el entorno son otros humanos. Somos todos. Así que estamos ante un ejemplo claro de cine sobre la enorme capacidad humana para la autodestrucción. Sin concesiones ni medias tintas.

Adieu au langage (Jean-Luc Godard. Francia, 2014)

Oficial Fantàstic Competición

Y para mirada sin concesiones de ningún tipo, la de Godard. Un director que lleva varios años batallando consigo mismo, con la Historia y con la función del cine. Sus películas abandonaron hace ya muchos años la gramática convencional para adentrarse en una continua reflexión de la que se nos escapan muchas cosas. Si un crítico siempre debe enfrentarse a su labor de la forma más humilde posible, cuando uno habla sobre un trabajo de Godard ese cuidado se multiplica por mil. Vaya esto por delante.

El título del film ya nos pone sobre aviso. La era digital ha provocado que estemos ante una sobrexposición de imágenes, cuyo valor es cada vez menor. Godard utiliza el 3D para experimentar con la imagen, pero de verdad. Ante la moda de usar la tecnología para estafar al público, el francés sí realiza una exploración en profundidad de las posibilidades que ofrecen las tres dimensiones. Y el resultado no puede ser más estimulante, ofreciendo momentos de auténtica magia. Pero no solo la imagen, el sonido es otro terreno en el que Godard no parece poner límites a su experimentación. Y entre unas y otras, reflexiones. Escritas, habladas y visuales. Adieu au langage es una película que somete al espectador a un continuo reto con el que acompañar al director en sus disertaciones. La mayoría conseguiremos arañar poco más que la superficie de todo lo que hay detrás de su mente, pero agradecemos que nos exprima hasta el límite. Y que, además, lo haga con una película tan hipnótica como esta.

Taquilla España: 17-19 octubre 2014

Las tortugas Ninja consiguen apartar a Torrente 5 del primer puesto, en el que Santiago Segura solo ha aguantado un par de semanas. Denzel Washington y su The Equalizer se tienen que conformar con la tercera posición. La otra novedad en el Top 10 es Relatos salvajes, sexta con algo más de medio millón (y la tercera mejor media de la cartelera). Por cierto, es Annabelle la que consigue mayor rentabilidad por copia.

Entre el resto de estrenos, tenemos dos películas españolas entre las veinte más vistas. Lasa y Zabala en el puesto 13 y una media de 836 euros por sala. Mientras, Magical Girl supera por poco los mil euros en cada una de sus 38 copias, lo que la lleva hasta el puesto 15.

Crónicas: Sitges 2014. Takashi Miike (x2)

Un imprescindible de Sitges no podía faltar a su (doble) cita con un festival que lo venera (y que le rindió homenaje en la edición anterior). El ritmo de Takashi Miike ha bajado hasta las dos producciones anuales (recordemos que hubo años con siete u ocho trabajos), y esta edición nos ha tocado ver una de 2013 y otra de 2014. Lo que sigue sin cambiar -y a la vez, sorprendiendo- es la facilidad con la que el japonés cambia de registro en un abrir y cerrar de ojos.

Por Manuel Barrero Iglesias

The Mole Song - Undercover Agent Reiji (Takashi Miike. Japón, 2013)

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Miike adapta un manga de Noboru Takahashi, y lo hace hasta las últimas consecuencias. El lenguaje que utiliza bebe directamente del cómic, algo que el director explota hasta la exageración. La película empieza como una comedia enloquecida que dispara gags a un ritmo frenético. Es tal el extremo que podríamos hablar de parodia del subgénero de policías infiltrados. Algo así como si un joven Frank Drebin se infiltrara en la mafia. Eso sí, todo pasado por la delirante mirada japonesa. Este primer tramo promete un festival de risas que, sin embargo, se van diluyendo a medida que transcurre el film. A Miike le cuesta meter tijera en sus trabajos, y una vez más, la duración se le va de las manos. Durante el último tramo The Mole Song se vuelve cada vez menos interesante, remontando algo el vuelo en su parte final.

Over Your Dead Body (Takashi Miike. Japón, 2014)

Oficial Fantàstic Comeptición

Y con esta película tenemos a un Miike de lo más "clásico". Narración pausada y planificación reposada para una película que se adentra en el mundo del teatro. Muchas de las secuencias nos llevan a los ensayos de una obra clásica, cuyo argumento traspasa la ficción para protagonizar la vida de los protagonistas. Miike combina con maestría el teatro y la vida. El director logra introducir una tensión que va creciendo hasta hacer el aire irrespirable. Over Your Dead Body se convierte en una clásica historia de fantasmas, pero en la que estos son más internos. Un delicado juego de espejos y apariencias que habla sobre la naturaleza humana y sus oscuros recovecos.

Críticas: The Equalizer (El protector)

4/10

The Equalizer (Estados Unidos, 2014).

Dirección: Antoine Fuqua.

Intérpretes: Denzel Washington, Marton Csokas, Chloë Grace Moretz, David Harbour, Bill Pullman, Melissa Leo.

Guión: Richard Wenk, sobre la serie de televisión creada por Michael Sloan y Richard Lindheim.

Música original: Harry Gregson-Williams.

Fotografía: Mauro Fiore.

Montaje: John Refoua.

Idiomas: Inglés, ruso.

Duración: 132 minutos.


Yo soy la justicia

Por Manuel Barrero Iglesias

En la ficción que se consumía durante la década de los ochenta había barra libre para la venganza. Chuck Norris o Charles Bronson campaban a sus anchas dentro de un cine que defendía sin remordimiento aquello de tomarse la justicia por la propia mano. La televisión también sucumbió ante este tipo de modelo, entronizando una serie como El Equipo A, que suavizaba su discurso reaccionario potenciando el humor y mitigando su violencia. Los años y la buena conciencia han relegado a la marginalidad este tipo de productos, aunque siempre hay alguien dispuesto al revivial.

Y ahí tenemos a Antoine Fuqua (Training Day), quien adapta una de esas series que siguieron la estela de The A-Team: ante la ineficacia de la ley, justicieros de la calle. Edward Woodward protagonizó a mitad de los ochenta El ecualizador, serie que duró cuatro temporadas. El protagonista era un ex-agente de la CIA llamado Robert McCall, que en su versión cinematográfica se pone la piel de Denzel Washington. El intérprete ya es más estrella que actor, vendiendo su marca allá donde pisa. Siempre queda por encima del personaje, y su McCall no es más que una variación de los últimos roles que ha desempeñado. 


Hay pocas cosas más que anclen este film al presente. Un producto extemporáneo, cuyo carácter anacrónico se ve acentuado por unos aires de trascendencia a todas luces innecesarios. ¿Era de verdad necesario superar las dos horas de duración? Con una reducción drástica en el metraje quizás Fuqua hubiera logrado mayor tensión narrativa. Y sin ese traje de seriedad que se pone en demasiadas ocasiones, incluso nos hubiera hecho disfrutar de un entretenimiento desenfadado.

De hecho, hay varios momentos en los que The Equalizer parece que se puede convertir en un satisfactorio "placer culpable". La forma que tiene el protagonista de acabar con sus rivales está pasada de rosca. Solo hay que reparar en el hecho de que nunca lleva un arma, y uno de los divertimentos que nos ofrece la película es ver qué utensilio usará para matar al siguiente. Imaginen las posibilidades si el clímax (por otro lado, interminable) se desarrolla en unos grandes almacenes de bricolaje. Pero Fuqua desaprovecha la oportunidad, arrastrándose hacia la seriedad. Y Washington tampoco ayuda a poner ironía en un personaje que parece sacado del siglo pasado. 

Crónicas: Sitges 2014. Sobre zombis, nazis y castores

Uno de los clásicos en cualquier festival de fantástico que se precie es el cine de zombis, un género que se ramificado de forma tremenda en los últimos años, llegando incluso a tocar el mainstream. Aunque lo que predomina en el subgénero es la comedia gamberra. Y de esas tuvimos varias en esta edición de SItges. De todas ellas, pudimos ver dos de las más esperadas. Zombis por un lado, castores por el otro. El cine de zombis no parece tener límite. 

Por Manuel Barrero Iglesias

Dead Snow 2: Red vs. Dead (Tommy Wirkola. Finlandia-Islandia, 2014)

Oficial Fantàstic Especials

Al Tommy Wirkola se le ocurrió unir dos conceptos que dan tanto juego como zombis y nazis, y de ahí surgió Dead Snow (2009). Una idea genial quizás desaprovechada para una película que no cumplió del todo las expectativas puestas en ella. Cinco años más tarde el director noruego vuelve a la carga con una película que se decanta de forma descarada por el humor, marginando del todo el horror. Esa tendencia hacia la comedia le permite a su autor la libertad de no ponerse límites, y así consigue que la incorrección política se desate dentro del desmadre que es el film. Nada se respeta -desde niños hasta paralíticos- en una secuela que enfrena a zombis nazis contra zombis rusos. Pero no solo eso. Brazos que se intercambian, frikis estadounidenses con ínfulas de salvadores mundiales o sexo necrofílico son algunas de las muchas burradas que desfilan ante nuestros ojos. Así que prepárense para disfrutar del humor salvaje, si eso es lo que les gusta.

Zombeavers (Jordan Rubin. Estados Unidos, 2014)

Oficial Fantàstic Fuera de Competición

Los castores no se libran de la moda zombi. El debut en la dirección de Jordan Rubin le debe mucho a la serie B de los ochenta, a la que le rinde un divertido homenaje. Especialmente en el diseño de los animales, que poseen ese encanto característico del cine de hace tres décadas. Como ocurría con Dead Snow 2, Zombeavers jamás se toma en serio, y el humor domina de forma apabullante. El humor estúpido, pero consciente de serlo. Empezando por sus protagonistas. Seis jóvenes (tres y tres) con las neuronas justas para pasar el día que toman siempre las peores decisiones posibles. Siempre es un placer ver retratada la estupidez humana en todo su esplendor, e incluso el film se permite el lujo de subvertir ciertas reglas en el orden en el que van muriendo los protagonistas. Será una tontería, pero la película se enorgullece de su espíritu idiota para regalarnos otra muestra de cine libre de prejuicios y complejos.

Televisión: Pilotos 2014-2015. Introducción

Muchas series nuevas que analizar. Como cada año paso más de un mal rato viendo lo que nos traen las grandes cadenas americana. Pero antes me gustaría hacer un pequeño resumen de algunas de las series emitidas durante el verano a través de las cadenas de cable.

Por David Sancho

Murder in the first (TNT)

Steven Bochco ha sido uno de los grandes de la televisión, principalmente gracias a Canción triste de Hill Street, serie adelantada a su tiempo que si bien ha perdido gran parte de su encanto con el paso del tiempo, fue la precursora, entre otras muchas cosas, de las series con tramas que se extendían más allá de un episodio. 

Steven se intenta modernizar, pero su intención de adaptarse a los nuevos tiempos televisivos se queda en eso, en un mero intento. 

La serie es una intriga de escaso interés, con personajes planos y una dirección que intenta abarcar muchos estilos para acabar convirtiendo a la serie en un batiburrillo de buenas intenciones que genera un gran hastío. 

Ya ha sido renovada para una segunda temporada.

4/10

The Divide (WE tv)

Otro thriller que se centra exclusivamente en un solo caso. Creado por el actor Tony Goldwyn y el reputado guionista Richard LaGravenese, resulta extraño que los guiones sean tan flojos. La serie muestra sus cartas demasiado rápido y acaba apostando más por el drama que por la intriga, un drama cien veces visto y casi siempre mejor escrito.

Hay que destacar su desastroso reparto, absolutamente falto de carisma. Hasta actores interesantes como Clarke Peters y Jack Bauer parecen contagiarse del desastre generalizado.

La serie merece la pena simplemente por su episodio final, que digo episodio final, por una grandísima escena dentro del episodio. 

Aún no ha habido confirmación oficial, pero parece ser que tendrá una segunda temporada.

3/10

The Leftovers (HBO)

Damon Lindelof y Tom Perrotta desarrollan para HBO la serie basada en la novela del segundo. Interesantísimo punto de partida que se va desvaneciendo en los primeros episodios. La serie carece de concreción y se le intuyen los mismos errores que a Lost, también de Lindelof.

Justo cuando uno comienza a perder la ilusión, la serie repunta y mantiene el tipo con soltura en sus episodios finales. Lo cierto es que el tramo final es excelente y cuenta con algunos de los mejores episodios vistos este año.

La serie tiene muchísimo que explicar, pero Lindelof no es de esos. Veremos si consigue dejar a un lado sus malos vicios y consigue centrarse en crear un drama sólido en vez de buscar dejar al espectador con la boca abierta a base de giros de guión sin sentido. Por ahora yo le doy un voto de confianza. Entre los motivos, una dirección excelente y un elenco muy bien escogido, de entre el que destaco a Justin Theroux y Carrie Coon.

La segunda temporada ya ha sido confirmada.

6,5/10

The Strain (FX)

Guillermo del Toro y Chuck Hogan adaptan su propia novela, la cual forma parte de la trilogía de la oscuridad.

La serie es otra de vampiros, pero no una más. Estos distan mucho de ser los jóvenes guapos y modernos que se estilan últimamente. Aquí dan grima, no tiene colmillos afilados y, en su mayoría, son la mezcla de un zombie y lo que quiera que fuese Natasha Henstridge en Species. Aunque eso sí, conservando su sed de sangre y su aversión a la luz del sol y la plata.

La atmósfera es uno de sus puntos fuertes. Oscura y claustrofóbica, tanto en lo visual como en cuanto a la situación de los personajes principales.

La serie en su conjunto resulta algo irregular. Tiene momentos de gran televisión pero luego hay otros en los que pierde el ritmo a base de meterse en subtramas que no generan demasiado interés.

El reparto es bastante irregular. Destacar a Mia Maestro, quien nos entrega uno de esos personajes con interés cero de los que te hacen desear su muerte desde el minuto uno.

La segunda temporada ha sido confirmada.

6,5/10

Tyrant (FX)

La serie comparte guionistas con Homeland y 24, pero no caigamos en el error de pensar que tienen algo que ver, pues aquí es mucho más importante el drama familiar que la intriga o la acción.

Tyrant es la historia del hijo de un dictador de un país ficticio Oriente Medio que abandona el país cuando es muy joven y se establece en los Estados Unidos, donde forma una familia. Cuando vuelve a su país para la boda de su sobrino, ciertos acontecimientos inesperados le obligan a quedarse.

La serie comienza bien, pero acaba convirtiéndose en una especie de Dinastía en Oriente Medio con muy poco que aportar.

La segunda temporada ha sido confirmada.

3/10

Outlander (Starz)

Siempre hay ganas de ver lo nuevo de Ronald D. Moore. El tipo que se encargó del remake de Battlestar Galactica y que creó la infravalorada Caprica se ha ganado mi respeto y completa atención.

Aquí se aleja muy mucho de las coordenadas por las que se suele mover. Aunque hay ciertos elementos de ciencia ficción, estos son muy puntuales, simplemente para poder plantear la historia. 

Outlander nos cuenta la historia de una enfermera que en los años 40, de manera misteriosa, se ve transportada a mediados del siglo dieciocho. A partir de ahí se desarrolla una drama sólido con ciertos toques de intriga.

Es un drama denso con una voz en off que nos transmite los pensamientos de la protagonista. A veces se toma demasiado en serio a sí misma y sus episodios pueden llegar a hacerse algo cargantes, pero en definitiva se trata de un drama inteligente con muchas posibilidades.

Acaba de terminar la primera mitad de su primera temporada y la segunda parte se estrenará el 4 de abril. Además, la serie ha sido renovada para una segunda temporada.

6,5/10

Married (FX)

Nueva comedia de FX que se centra en un matrimonio treintañero, rozando la cuarentena, que no es feliz con cómo han acabado siendo sus vidas. Esto les convierte en personajes razonablemente miserables y éticamente cuestionables.

La serie resulta divertida a ratos, pero la mayor parte del tiempo es simplemente anodina. Pretende ser una serie con humor negro, pero al final se imponen las buenas intenciones. El resultado final es una serie fallida que mantiene el tipo gracias a su reparto.

La serie ha sido renovada para una segunda temporada.

4/10

You’re the worst (FX)

Comedia que hace pareja con Married en la parrilla de FX y que resulta ser una de las sorpresas de la temporada.

Aquí sí que podemos ver una pareja verdaderamente disfuncional. Dos personajes que debido a sus experiencias pasadas se convierten en cínicos irremediables con pánico a las relaciones. Dos polos aparentemente del mismo signo que acaban atrayéndose.

Comienza mostrándose como una anti-comedia romántica pero siempre actúa bajo los parámetros de estas, por lo que al final se convierte más bien en una vuelta de tuerca del género. No es algo que no hayamos visto antes, pero sin duda consigue hacerlo con encanto y siendo la mayor parte del tiempo bastante divertida.

No es ni de lejos una serie perfecta, pero en un momento en el que la comedias televisivas no rinden al nivel deseado, se agradece este golpe de aire fresco.

Renovada para una segunda temporada.

6,5/10

Manhattan (WGN America)

Nos cuenta las vidas de aquellos soldados y científicos involucrados en el proyecto Manhattan durante la Segunda Guerra Mundial, así como las de sus familias. El desarrollo de la bomba atómica sirve de excusa para mostrarnos una comunidad cerrada con muchos secretos, férrea disciplina y los típicos problemas de convivencia que se presentan en las familias y de estas con sus vecinos.

Se trata de un drama convincente, no excelente, que va ganando en profundidad e interés con el paso de los episodios. Un reparto más que aceptable ayuda a aportar credibilidad e interés a este drama que se encuentra algo por encima del aprobado, pero que necesita mejorar para ganarse definitivamente el interés de la audiencia.

5,5/10

Crónicas: Sitges 2014. Oigo voces, veo cosas

La primera parte del Festival nos trajo una buena cantidad de títulos en la que los protagonistas oían voces, o veían muertos. Más allá de la presencia de espíritus malignos, como ocurre en la ya reseñada The Babadook o en Oculus (de la que hablaremos aquí), en la mayoría de ellas son voces “amigas”, que provienen del mismo sujeto que las escucha y que les ayuda a superar sus traumas. O incluso muertos no peligrosos en busca de cariño.

Por Manuel Barrero Iglesias

En Stereo, el protagonista ha olvidado un pasado turbio al que puso punto y aparte con un hecho traumático. Su amnesia le sirve para poder soportar el peso de la conciencia, y así poder llevar una nueva vida apacible. Pero el pasado siempre regresa (recuerden Una historia de violencia) para acabar explotando en la cara. Es en ese proceso de reconstrucción de su propia historia donde el protagonista se encuentra cara a cara con una misteriosa figura. El director (y guionista) Maximiliam Erlenwein hace visible al espectador esa inquietante presencia cuya "identidad" conoceremos al final. Pero desde el principio tenemos claro que no es más que una prolongación de Erik, quien recurre a ella para poder soportar la transición hasta el infierno. El film alemán recuerda demasiado a otros de oscuros secretos y memorias perdidas. Siendo correcto en su desarrollo, no aporta nada nuevo.

Más voces desde dentro que se exteriorizan en agentes externos tenemos en The Voices, título significativo para el último trabajo de Marjane Satrapi. Aunque en esta ocasión lo que escucha el protagonista es una manifestación de su propia patología. Su perro, su gato o hasta las cabezas de sus víctimas conversan con Jerry (al menos en su mente). La película es una colorida parodia sobre el siempre oscuro mundo del psicópata. De hecho, el film juega hábilmente con el contraste entre el mundo color de rosa que ve Jerry y el lúgubre que vemos como observadores externos. La película tiene varios vaivenes en su efectividad cómica, pero solo por el enfrentamiento entre en el noble (bobo) perro y el sarcástico gato ya merece la pena disfrutar del trabajo norteamericano de la directora iraní.

Otro individuo que se apoya en una voz interna que se manifiesta como presencia externa es el niño protagonista de Goodnight Mommy, film austríaco producido nada menos que por Ulrich Seidl. Aquí volvemos a los traumas sin resolver y a las pérdidas no aceptadas. Al no asumir la muerte de su hermano, el protagonista lo mantiene vivo en su mente. A esta circunstancia se une la operación estética de una madre que mantiene las distancias con el niño. Una combinación letal que desembocará en el más absoluto horror. La última parte del film impresiona por su crudeza y consigue levantar un film algo moroso en su retrato de las relaciones familiares, en las que no consigue explicar demasiado bien cómo se llega hasta el punto de no retorno.

En Jamie Marks is Dead ya pasamos a la clásica historia de fantasmas. Bueno, no tan clásica. Carter Smith no busca provocar miedo, y el fantasma de Jamie es una prolongación de su triste vida. Estamos ante el típico marginado de instituto que un día es encontrado muerto. Nunca nadie había reparado en él (excepto para acosarlo), y a raíz de su fallecimiento, es capaz de comunicarse con dos compañeros (Gracie y Adam). Ella prefiere ignorarlo, pero Adam se vuelca en intentar ayudar al fantasma de Jamie, como una especie de reparación de lo que no hizo en vida (al hilo de la primera secuencia del film). Una película con buenas intenciones, pero de desarrollo torpe y conclusión insatisfactoria.




Y acabamos, ahora sí, con los fantasmas de toda la vida. En Oculus es un espejo el que está maldito, y dos hermanos tratarán de ajustar cuentas con él años después de haberles dejado huérfanos y destrozado la vida. La película logra ser inquietante a partir de elementos mínimos. Narrativamente hay momentos en los que corre el riesgo de perderse en un montaje paralelo bastante tedioso, pero el director consigue unirlos en un tramo final que es toda una filigrana en cuanto a montaje. Lástima que no consiga rematar con un desenlace a la altura, resolviendo la trama con un giro brusco, efectista e ilógico.

Estrenos España: 17 octubre 2014

Viene la semana cargada de estrenos interesantes. Entre ellos, dos de las películas españolas más apasionantes de la temporada. Empezamos por la más pequeña. De hecho, La jungla interior es una película de 2013, que ya pudo verse hace casi un año en el Festival de Sevilla. Su estreno será limitado, y empezará con una sesión al día en Madrid y Barcelona. En cada una de ellas estará alguien del equipo para protagonizar un coloquio moderado por alguna figura importante del mundo del cine. Estamos ante una propuesta valiente y atrevida, cine íntimo y muy físico. Una película en la que no cabe el pudor.

Pero es que también se estrena esta semana Magical Girl, triunfadora absoluta del pasado Festival de San Sebastián, donde consiguió la Concha de Oro a la mejor película, además del premio al mejor director para Carlos Vermut. Probablemente, la película española del año. Una fascinante amalgama de referencias que Vermut conjunta para crear un estilo propio.

Otros dos estrenos 100% nacionales que han pasado por festivales. Lasa y Zabala estuvo fuera de concurso en San Sebastián. Unax Ugalde protagoniza este film sobre el famoso caso de los dos terroristas asesinados por el GAL. Y en Sitges pudimos ver La distancia, una peculiar película en la que tres enanos que se comunican por telepatía preparan un robo. Aunque en este trabajo de Sergio Caballero lo realmente importante es el paisaje que filma.

Una última película española, aunque en esta ocasión, en coproducción con Argentina. Relatos salvajes ha arrasado allá por donde ha pisado. Una película episódica con seis capítulos en los que tenemos intriga, comedia y violencia. Y entre el reparto nombres como Ricardo Darín, Darío Grandinetti o Leonardo Sbaraglia.

En cuanto a las novedades procedentes de USA, tenemos una nueva versión de Las Tortugas Ninja, que tiene a Megan Fox como April O'Neil. Y Denzel Washington es el protagonista absoluto del thriller de acción The Equalizer, film en el que abandona su apacible vida para ayudar a una prostituta explotada por la mafia rusa.

Acabamos con la australiana El viaje de tu vida. Mia Wasikowska protagoniza esta película que cuenta el viaje que una joven emprendió en 1977 a través del inmenso desierto australiano, acompañada por sus camellos y su perro.