Sex Tape. Algo pasa en la nube

3/10

Sex Tape (Estados Unidos, 2014).

Dirección: Jake Kasdan.

Intérpretes: Cameron Diaz, Jason Segel, Rob Corddry, Ellie Kemper, Rob Lowe.

Guión: Kate Angelo, Jason Segel, Nicholas Stoller.

Música original: Michael Andrews.

Fotografía: Tim Suhrstedt.

Montaje: Anya Colloff, Michael V. Nicolo.

Idioma: Inglés.

Duración: 94 minutos.

Sexo de andar por casa

Por Manuel Barrero Iglesias

Mientras un buen puñado de actrices se vienen disputando durante años el trono de la comedia romántica, su variante gamberra tiene una reina indiscutible. Desde que protagonizó Algo pasa con Mary (Peter & Bobby Farrelly, 1998), Cameron Diaz no tiene rival como protagonista de filmes románticos que son -o lo pretenden- políticamente incorrectos. La actriz no tiene ningún problema en mostrar ese lado desenfadado una y otra vez. Y nosotros la adoramos por ello, más allá de la calidad de los productos en los que participe.

No es casual la comparación con Algo pasa con Mary, de la que Sex Tape copia la fórmula del gag hombre-contra-perro. De hecho, la película parece diseñada en torno a esa secuencia central. El perro desatado, la recuperación de una vieja gloria como Rob Lowe, la cocaína... son minutos en los que se pone toda la carne en el asador. ¿Pero qué pasa con el resto? Una anécdota alargada sin orden ni concierto, en la que los chistes van y vienen, generalmente, con poca gracia.

Lo desalentador es ver cómo se juega a la incorrección para ir lanzando mensajes conservadores a diestro y siniestro, cuyo culmen es el rancio discurso que da el personaje de Jack Black sobre los motivos por los que la gente se graba practicando sexo. O ese desenlace -que no guarda ninguna coherencia con el desarrollo previo- en el que la pareja queda horrorizada ante su propia visión en la grabación. El tratamiento pueril del tema sexual choca de frente con las supuestas pretensiones transgresoras del film.

Sex Tape acaba pareciendo un vodevil que acumula secuencias sin demasiada lógica interna. Aunque claro, cuando la preocupación máxima de una película parece que es vender cierto producto de Apple, ¿qué se puede esperar de ella?

Estrenos España: 25 julio 2014

Empezamos esta semana con Las vidas de Grace (Short Term 12) la historia de lo que ocurre dentro de una casa de acogida para niños y adolescentes, con o sin familia, cada uno con sus vivencias y su mochila bien cargada. Una película formidablemente interpretada tanto por los niños-adolescentes como por los jóvenes cuidadores, cuyos propios problemas del pasado se ven reanimados por las circunstancias presentes

El otro estreno destacado es la película china Un toque de violencia, mejor guión en Cannes 2013. Cuatro historias cruzadas que nos hablan sobre la China contemporánea y como la violencia está cada vez más presente en una sociedad emergente en lo económico, pero en decadencia social.

Desde Israel llega Llenar el vacío, que cuenta la historia de una familia judía ortodoxa en Tel Aviv. La muerte de su hermana mayor, cambiará la vida de Shira, quien deberá elegir entre los deseos de su corazón y el deber familiar.

El estreno español de la semana es una cinta low cost, la comedia negra The Extraordinary Tale, que narra la historia de dos personas muy especiales que se enfrentan al reto de de tener un hijo.

Vamos con los tres estrenos que lucharán por colarse entre las más vistas de la semana, los tres norteamericanos. La comedia Sex tape. Algo pasa en la nube está protagonizada por Cameron Diaz y Jason Segel, quienes encarnan a un matrimonio que por error manda un vídeo en el que mantienen relaciones sexuales a sus familiares y amigos. También comedia es Vampire Academy, con dos jóvenes adolescentes que aparte de los problemas típicos de la edad...son vampiresas. También recibimos la secuela de The Purge. Anarchy: La noche de las bestias, que sigue la premisa de su predecesora.

El protagonista de Barbacoa de amigos sufre un infarto a los 50 años, pero tras pasarse toda la vida cuidando de su salud y su dieta, decide cambiar su vida. Otra película europea que llega a nuestras pantallas es la comedia sueca Los Anderson en Grecia.

Sitges 2014: Avance

*Nota de prensa

La 47ª edición del Festival de Sitges, que se celebrará entre el 3 y el 12 de octubre, vendrá cargada de títulos muy esperados por los seguidores del cine fantástico y, especialmente, del género de terror. Así lo anunció ayer el director del Festival, Ángel Sala, durante la charla que mantuvo con los fans en la Fábrica Moritz de Barcelona. Sala desveló un puñado de nuevos films que integran la extensa programación de Sitges 2014.

El terror sobrenatural tendrá un peso significativo este año, con buenas muestras de películas con casas encantadas y presencias siniestras que llegan desde la otra punta del planeta, como la neozelandesa Housebound, de Gerard Johnstone; o la australiana The Babadook, de Jennifer Kent. Otro ejemplo del género, Home, de Nicholas McCarthy, también se podrá ver en el marco del Festival. The Canal, de Ivan Kavanagh, cierra este cuarteto de títulos que harán saltar a los espectadores de la butaca con sus apariciones demoníacas.

Pero en Sitges 2014 también habrá sitio para los films que tratan el género desde una óptica más humorística y pasada de rosca, como en el caso de Dead Snow 2, de Tommy Wirkola, en la que el único superviviente de la primera parte tendrá que combatir un ejército de zombies todavía mayor. Dos buenas dosis de zombies también están garantizadas con Goal of the Dead y Zombeavers, títulos que proponen mezclas imposibles de zombies con futbol y castores, respectivamente. El primero se trata de un film doble (dos partes de 70 minutos), dirigido por Benjamin Rocher y Thierry Poiraud; el segundo parte de la conocida premisa “grupo de jóvenes, vacaciones, diversión, alcohol y sexo” que se transforma en una orgía de sangre. Sin abandonar el tono de comedia, el Festival presentará Premature, de Dan Beers, la historia de un estud iante de secundaria que debe revivir reiteradamente la pérdida de su virginidad como si fuera un giro alocado de Atrapado en el tiempo.

A las numerosas producciones asiáticas que el Festival ya ha confirmado para este año, se suma Live, del director de Dead Sushi, Noboru Iguchi. Un thriller de supervivencia basado en una novela de Yusuke Yamada. Desde Alemania llega Der Samurai, un film oscuro y ambiguo que ha sido descrito como thriller queer,dirigido por Till Kleinert y financiado a través de micromecenazgo. El último de los nuevos títulos confirmados ayer es The Curse of Downers Grove, película sobre los asesinatos de unos adolescentes atribuidos a una extraña maldición, dirigida por Derick Martini y coguionizada por el novelista Brett Easton Ellis, el autor de American Psycho, cuya versión cinematográfica inauguró Sitges 2000.

Ángel Sala también ha adelantado dos documentales que estarán en la próxima edición del Festival. El primero de ellos es Doc of the Dead, una cinta que se ha definido como el “documental definitivo de la cultura zombie”. Dirigido por Alexander O. Philippe (The people versus George Lucas y The Life and Times of Paul the Psychic Octopus) y con las participaciones de Alex Cox, Simon Pegg, George A. Romero o Steven Scholzman, esta pieza analiza cómo el fenómeno zombie se ha popularizado en los últimos años en todo tipo de campos, como la literatura, las series o, incluso, la moda. El segundo documental confirmado es That Guy Dick Miller, de Elijah Drenner, dedicado a un aspirante a escritor que se convirtió en actor por accidente, y del cual todo el mundo conoce el rostro, pero desconoce el nombre. Compartiendo pantalla con figuras como Nicholson, De Niro, Schwarzenegg er o Los Ramones, ha trabajado con grandes directores como Scorsese, Corman, Fuller, Dante, Cameron, Demme y muchos más.

En Sitges 2014 tampoco faltarán los clásicos. El Festival ha confirmado la proyección de Sorcerer, el film de William Friedkin de 1977, remake de El salario del miedo, de H.G Clouzot (1953), protagonizado por Roy Scheider, Bruno Cremer, y Francisco Rabal.

Estas nuevas incorporaciones del Festival se añaden a la programación de una edición que inaugurará REC4: Apocalipsis, de Jaume Balagueró, que concederá el Gran Premio Honorífico a Roland Emmerich y que contará con las presentaciones de las últimas producciones de grandes directores como Jean-Luc Godard, David Cronenberg, Kim-ki Duk y Takashi Miike.

Un toque de violencia

7/10

Tian zhu ding (China-Japón-Francia, 2013)

Dirección y guión: Jia Zhang-Ke.

Intérpretes: Jiang Wu, luo Lanshan, Meng Li, Wang Baoqiang, Zhang Jia-yi, Zhao Tao.

Música original: Lim Giong.

Fotografía: Nelson Yu Lik-wai.

Montaje: Matthieu Laclau, Weixin Liu.

Idiomas: Mandarín, cantonés, inglés.

Duración: 133 minutos

Entender la violencia

Por Sofia Pérez Delgado
(La película del día)

Her

8/10

Her (USA, 2013).

Dirección y guión: Spike Jonze.

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Scarlett Johansson (voz), Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Chris Pratt.

Música original: Arcade Fire.

Fotografía: Hoyte Van Hoytema.

Montaje: Jeff Buchanan, Eric Zumbrunnen.

Idioma: Inglés.

Duración: 126 minutos.

Emoción Artificial

Por Manuel Barrero Iglesias

Máquinas con sentimientos. Para hablar de la deshumanización del mundo, la ciencia-ficción ha recurrido en múltiples ocasiones a la paradoja que supone el desarrollo emocional de artefactos frente a personas cada vez más robotizadas. Dos obras de la importancia de Inteligencia Artificial (Steven Spielberg, 2001) o Wall-E (Andrew Stanton, 2008) representan esa tendencia de un futuro distópico hasta el horror. Bien sea un mundo caótico y siniestro, ya sea un mundo lobotomizado. O ambos. Y en medio del desastre, un pequeño robot capaz de sentir más que cualquier humano de su alrededor.

Jonze no recurre a la distopía extrema en Her, que se presenta como una evolución bastante lógica de la actual humanidad. No estamos ante un mundo incomunicado, dominado por la soledad desesperada. O quizás sí. En todo caso, no menos de lo que siempre ha ocurrido. A veces parece que la soledad es un invento del siglo XXI, cuando es algo que siempre ha existido. Y seguirá existiendo hasta el fin de los días. Uno se puede enfrentar a ella como hacía Nicolas Cage en Leaving Las Vegas, matándose a beber. Pero hay mil formas más. No es la tecnología la que aísla al ser humano, es éste el que se aísla a sí mismo.

Al contrario, Spike Jonze muestra la inteligencia artificial como una manera de paliar esa soledad. La nueva era nos permite comunicarnos fácilmente con gente en la lejanía. Incluso nos hace más sencilla la tarea de encontrar espíritus afines con los que compartir intereses. El director da un giro más de tuerca, al presentarnos la historia de amor entre un hombre y su sistema operativo (algo no tan lejano a lo que ocurre ya con algunos seguidores de los productos Apple). Arriesgado salto, por la intangibilidad del romance. Y a pesar de lo descabellado que puede sonar, estamos ante uno de los filmes más verosímiles que se hayan hecho nunca sobre el futuro y la tecnología.

¿Es triste mantener una relación sentimental con un sistema operativo en lugar de una mujer real? La ex pareja del protagonista es la voz de esa parte de la sociedad que mira con recelo. Pero entonces debemos preguntarnos hasta qué puntos son “reales” muchas relaciones entre dos personas, esas dominadas por el autoengaño. Hay un momento en el que Theodore tiene una cita a ciegas con una mujer, y sacar una relación de ahí hubiera sido forzar las cosas. Esos sentimientos jamás hubieran sido más auténticos de lo que son los que acaba teniendo por Samantha. Entonces surge la reflexión sobre una sociedad a la que cada vez le cuesta más relacionarse con sus semejantes. Un tema tratado en dos películas tan parecidas como Lars y una chica de verdad (Craig Gillespie, 2007) y Air Doll (Hirokazu Kore-eda, 2009), en las que una muñeca hinchable toma el papel de novia ante los problemas para encontrar pareja. Una forma de eludir las dificultades de relacionarse con humanos también presente en Ruby Sparks (Jonathan Dayton, Valerie Faris, 2012), film que hace posible el sueño de dar vida a la mujer ideal. Samantha hace feliz a Theodore porque está muy cerca de la perfección. ¿Seremos capaces de negarle al protagonista esos momentos de felicidad? ¿Sería mejor que iniciara una relación con una persona, aunque no le fuera a proporcionar tanta satisfacción?

La habilidad de Jonze para mostrarnos un discurso profundo en un envoltorio tan llamativo es asombrosa. En la superficie queda una historia de amor contada con precisión, retratando con exactitud los distintos estados del romance. La vulnerabilidad de Phoenix y el encanto de la voz de Johansson. El uso de la música. Un diseño de producción hipnotizador a la vez que creíble. Todos los elementos conjuntados para hacer de la película algo irresistible. Pero detrás de un guión que deslumbra a simple vista encontramos varias capas que dotan a la película de gran significado. Su valor es el de no moralizar, sino provocar reflexiones. Como esa que discute el tipo de relación (monogámica y posesiva) instaurada como la única posible. A Her no le hace falta recurrir a parábolas excesivas sobre el desastre que será el mundo. El futuro no se diferencia demasiado del presente, al igual que éste es una reproducción del pasado. Sólo van cambiando las formas. El ser humano es imperfecto, y siempre lo será. La inteligencia artificial es un elemento más del entramado, no el que propicia la incomunicación. Algo que puede empujarnos más hacia al aislamiento o salvarnos de él. 

Taquilla España: 18-20 julio 2014

La taquilla española vuelve a tener cifras decentes gracias al estreno de El amanecer del planeta de los simios, que debuta com más de tres millones en su primer fin de semana. En segundo lugar aparece otra novedad, Aviones: Equipo de rescate, que se estrena con 0'71. La otra película que entra en el Top Ten es Corazón de león, justo en la décima posición, aunque sin llegar si quiera a los cien mil euros.

Solo hay una película en todo el Top 20 que supere los mil euros de media por sala. Se trata de la alemana Dos vidas que se mantiene bastante bien como éxito moderado.

Entrevista: Reparto "La cueva"

Que el cine es una profesión de locos es algo que ya sabemos de sobra. ¿A quién se le puede ocurrir meterse en una cueva estrechísima para rodar una película de terror? Obviamente, a un director de cine. Pero claro, para eso necesita unos cómplices que estén tan locos como él. Y ahí están, cinco actores dispuestos a sufrir todo tipo de calamidades para hacer realidad la visión del autor. Unimos aquí las dos entrevistas que hicimos a los miembros del reparto de La cueva. Por un lado; Xoel Fernández, Eva García-Vacas y Jorge Páez. Por el otro; Marcos Ortiz y Marta Castellote.

Por Manuel Barrero Iglesias

Estrenos España: 18 julio 2014

Llega El amanecer del planeta de los simios, uno de los blockbuster más esperados del verano. La secuela del reboot que sorprendió a público y crítica en 2011 parece que cumple las buenas expectativas. En esta ocasión dirige Matt Reeves (Monstruoso), y en el reparto tenemos a Andy Serkis o Gary Oldman.

Francia es el país que más películas presenta esta semana, con tres comedias. Destacamos la presencia de La chica del 14 de julio, film que evoca el cine de la Nouvelle Vague. Voy a ser mamá está escrita, dirigida y protagonizada por Valérie Lemercier; cuenta la llegada de un niño ruso de siete años a la vida de una pareja ideal. Eyjafjallajökull (o simplemente ‘El volcán’) narra las desventuras de una pareja divorciada, obligados a viajar juntos para asistir al matrimonio de su hija.

Más comedia, en este caso, argentina, de la mano de Marcos Carnevale. Corazón de león es una historia romántica en la que Guillermo Francella interpreta a un hombre que mide 1'37 metros. Mucho más dramática es la película brasileña El lobo de la puertas de atrás, en la que se trata de esclarecer el secuestro de un niño. también en el drama tenemos Marsella, película española dirigida por Belén Macías, en la que los personajes que interpretan María León y Goya Toledo luchan por la custodia de una niña.

Además, Disney estrena secuela con Aviones: Equipo de rescate.

Open Windows

7/10

Open Windows (Francia-España-USA, 2014).

Dirección y guión: Nacho Vigalondo.

Intérpretes: Elijah Wood, Sasha Grey, Neil Maskell, Scott Weinberg, Adam Quintero, Daniel Pérez Prada, Rachel Arieff.

Música original: Jorge Magaz.

Fotografía: John D. Domínguez.

Montaje: Bernat Vilaplana.

Idioma: Inglés.

Duración: 100 minutos.

Anatomía de Grey

Por Manuel Barrero Iglesias

La presencia de Sasha Grey en Open Windows hace que el film alcance una dimensión aún mayor de la pretendida en un inicio. El personaje de Jill no fue escrito pensando en ella, pero Vigalondo no desperdició la oportunidad de tenerla en el reparto. Es lo que tienen los procesos de producción, a veces se dan circunstancias que enriquecen el resultado final de la obra. 

Cualquiera que busque un poco en la red puede encontrar multitud de vídeos pornográficos protagonizados por la actriz que revolucionó el cine para adultos, mundo que abandonó hace ya algunos años. Muchos han disfrutado -y aún hoy lo siguen haciendo- de una anatomía que conocemos como la palma de nuestra mano. Por eso resulta tan turbadora la secuencia en la que se ve obligada a desnudarse. Vigalondo nos hace sentir muy incómodos y nos interpela directamente. ¿Cómo puede ser lícito que una persona a la que admiramos se convierta en un objeto que creemos propio? Su personaje es una actriz que jamás se ha desnudado en público -genial ironía-, pero parece que todos creen tener el derecho de pedir -e incluso exigir- que lo haga. Y si no puede ser, siempre queda la opción de invadir su intimidad.


Sasha Grey nunca ha renegado de su pasado. Siempre ha dicho sentirse orgullosa de su trabajo en la industria pornográfica, con lo cual acepta su rol como protagonista de las fantasías más lascivas. Alguien podría decir que ella misma ha contribuido a la cosificación de la mujer, siendo parte activa de un mundo tan machista. Algo muy discutible, que daría para un debate aparte. Pero su trayectoria nos sirve perfectamente para ilustrar lo que estamos hablando. Es habitual ver como en sus redes sociales los "fans" piden de forma insistente la vuelta de Sasha al porno. Con muchos comentarios de mal gusto en los que incluso se le falta al respeto de manera grosera. Volvemos al tema de antes. ¿En qué momento alguien decide que tiene derecho sobre otra persona? Como si ver follar a alguien fuera un salvoconducto para poder insultarle. Como si el hecho de haberse dedicado a la pornografía le quitara el derecho a dejar de hacerlo.

Todo este subtexto está presente en una película que denuncia el machismo despreciable que aún domina nuestras sociedades. Vigalondo nos enfrenta con ese monstruo compuesto -en menor o mayor medida- por todos, y que ha crecido de forma brutal con la llegada de la era de la información. Ahí tenemos el otro gran tema del film -muy relacionado con el anterior-, el uso y abuso de las nuevas tecnologías. Open Windows es la evolución informatizada de La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954). Esa curiosidad -muchas veces malsana- de asomarnos a la vida de los demás. La diferencia fundamental radica en que el personaje de James Stewart tenía conciencia. Luchaba contra sí mismo por no poder evitar la invasión de las intimidades ajenas, y en última instancia, usó sus pesquisas de vouyer para hacer el bien.

En Open Windows no existe esa autoconsciencia, y encontramos un mundo en el que parece lícito atropellar la privacidad ajena. Ya sea por acción u omisión, el público general es incapaz de respetar a unas figuras públicas que acaban convirtiéndose en objetos más que en personas. Al final todos nos vemos envueltos en una espiral de la que no podemos -o no queremos- salir. Es muy interesante ver cómo todos los personajes del film acaban siendo marionetas, en claro paralelismo con una sociedad que se marionetiza a sí misma. 

A Vigalondo le gusta el peligro, y formalmente ejecuta un ejercicio arriesgado, de envidiable coherencia con sus discurso. Todo el relato transcurre en la pantalla de un ordenador, con ventanas que se van abriendo y cerrando. Un despliegue funambulista que el director consigue salvar con mucha habilidad. No era nada fácil la empresa, pero gracias a un guión medido al milímetro y a una labor titánica de montaje, el film consigue que lo difícil parezca fácil. Es cierto que el último tramo tiene algún giro de guión que compromete la verosimilitud de todo el invento. En este caso, un pecado que podemos y -debemos- perdonar ante la importancia y el riesgo de la propuesta global.

Y es que nos encontramos ante la película más madura y ambiciosa de su director, la que más capas esconde tras su apariencia de thriller trepidante. Un trabajo de inequívoco feminismo, que observa con fascinación los logros y peligros que la tecnología nos puede traer. Open Windows cuenta con detalles discutibles que la hacen imperfecta. Pero es que si no fuera así, estaríamos hablando de una obra maestra. Aún así, el viaje merece mucho la pena. Déjense llevar.

El amanecer del planeta de los simios

8/10

Dawn of the Planet of the Apes (USA, 2014)

Dirección: Matt Reeves.

Intérpretes: Andy Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman, Keri Russell, Toby Kebbell, Kodi Smit-McPhee, Enrique Murciano, Kirk Acevedo, Judy Greer.

Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Mark Bomback; sobre la novela de Pierre Boulle.

Música original: Michael Giacchino.

Fotografía: Michael Seresin.

Montaje: William Hoy, Stan Salfas.

Duración: 130 min.

Al César lo que es del César

Por Miguel Montañés

No lo tenían nada fácil Matt Reeves y los suyos (especialmente el matrimonio de guionistas formado por Rick Jaffa y Amanda Silver, que también estuvieron detrás del guión de El Origen del Planeta de los Simios (2011)) para superar una primera parte de la que en principio nadie esperaba gran cosa y que consiguió hacerse un hueco en el corazoncito de público y crítica, irreconciliables casi siempre. De igual manera que realizaron un gran trabajo recuperando una saga intocable para muchos cuando otros ya lo habían intentando con resultados tirando a desastrosos (hola, Tim Burton), los Jaffa, Silver, Bomback y Reeves han salido reforzados de ese delicado trance que en música supone componer un segundo disco y que en cine funciona más o menos igual.

Diez años después de los acontecimientos que transcurren en la primera entrega, toda la humanidad ha sido aniquilada por un virus inoculado a los simios que ha terminado volviéndose contra sus creadores. ¿Toda? No. Un grupo de personas resiste todavía y siempre al cuadrumano. Mientras, en los bosques cercanos a San Francisco, Cesar (Andy Serkis), el espabiladísimo chimpancé que ya conocemos, gobierna una incipiente civilización de primates con sus fieles Rocket, Koba y Maurice. Tiempo ha tenido también de formar una familia con Cornelia, otro de los personajes rescatados de la película anterior. Cesar y Malcolm (Jason Clarke), el abanderado de los supervivientes humanos, tienen que alcanzar una entente si quieren que ambos mundos subsistan. Por desgracia para ellos y por suerte para el espectador, la cosa es de todo menos sencilla.

Establecido el detonante, El Amanecer del Planeta de los Simios avanza a buen ritmo en un equilibrio sabiamente compensado entre el puro cine de entretenimiento y profundidades propias del género menos comercial, proponiendo reflexiones interesantes sobre la falta de comunicación, el sentimiento de pertenecer a un grupo o la supervivencia de la especie. Sea la que sea. Hombres y antropoides, claro, no somos tan diferentes después de todo. Al final, la puerta queda abierta a una continuación que promete ser como mínimo igual de atractiva que los dos primeros capítulos de la nueva franquicia. Todo parece indicar que así será. Y entonces sabremos qué fue lo que sucedió justo antes de El Planeta de los Simios original, la de 1968. Ojalá todos los blockbusters fueran así. 

Taquilla España: 11-13 julio 2014

Fin de semana desastroso en la taquilla española, que presenta de nuevo como líder a Bajo la misma estrella. La película recauda solo trescientos mil euros en su segundo fin de semana. De todo el Top 20 únicamente dos películas -ambas estrenos- superan la barrera de los mil euros por copia. El abuelo que saltó por la ventana y se largó (3ª) y Dos vidas (13ª). Otra novedad entre las diez primeras es Sabotage.

Entre los mantenimientos, Campanilla supera los dos millones en su tercera semana, y Pancho lo hace en su sexta. Mil maneras de morder el polvo, el millón en su segundo asalto. Mientras en su sexta presencia, X-Men rebasan los seis millones.

La chica del 14 de julio

5/10

La fille du 14 juillet (Francia, 2013).

Dirección y guión: Antonin Petetjatko.

Intérpretes: Vimala Pons, Grégorie Tachnakian, Vincent Macaigne, Marie-Lorna Vaconsin, Thomas Schmitt.

Música original: Thomas de Pourquery, Julien Roig.

Fotografía: Simon Roca.

Montaje: Carole Le Page, Antonin Petetjatko.

Idioma: Francés.

Duración: 88 minutos.

La escuela de la vida

Por Sofia Pérez Delgado 
(La película del día)

La cueva

8/10

La cueva (España, 2014).

Dirección y fotografía: Alfredo Montero.

Intérpretes: Marta Castellote, Xoel fernández, Eva García-Vacas, Marcos Ortiz, Jorge Páez. 

Guión: Javier Gullón, Alfredo Montero.

Música original: Carlos Goñi.

Montaje: Alfredo Montero, Nacho Ruiz Capillas.

Idioma: Español.

Duración: 80 minutos.


Los recovecos del terror

Por Manuel Barrero Iglesias

Dos amigos perdidos en medio de la naturaleza. Eso es Gerry (Gus Van Sant, 2002), una de las obras norteamericanas más importantes de este siglo. La incapacidad del hombre moderno para relacionarse con el entorno natural. La lucha -reducida a su mínima expresión- del ser humano contra la naturaleza. Una generación que cree controlarlo todo, pero incapaz de resolver cualquier pequeña dificultad surgida fuera de su zona de confort. 

Alfredo Montero también parte de un grupo de jóvenes inconscientes que subestiman el poder de los elementos naturales. En este caso, la situación es más extrema aún, ya que el extravío se produce dentro de una cueva, lo que imposibilita del todo la opción de encontrar agua potable o comida. El desarrollo de La cueva poco tiene que ver con el experimento de Van Sant, ya que Montero construye su relato sobre una estructura muy reconocible: la del cine de terror. El director dignifica una técnica pervertida, de la que se ha abusado demasiado en los últimos años. Y es que pocos filmes han sido capaces de justificar el uso del found footage; algo en lo que Montero pone especial cuidado, para que cada momento en el que la cámara esté grabando tenga un mínimo de lógica.

La apuesta formal tiene todo el sentido, ya que el film apela a nuestros miedos más básicos, lo que se ve ampliado con el uso del metraje encontrado. No hay elementos sobrenaturales, el villano externo no existe. Cinco jóvenes. Una cueva. Y el instinto de supervivencia. El monstruo está dentro de cada uno de nosotros. Aunque quizás esa responsabilidad caiga de manera demasiado evidente en uno de los protagonistas, al en alguna ocasión cuesta algo creer. Pero tampoco podemos reprochar demasiado en la construcción de unos personajes que funcionan a la perfección. ¿Son estúpidos? Sí. ¿Son irritantes? También. Pero de eso se trata, de ver como la idiotez de cinco descerebrados sufre su merecido castigo.

Es más, durante su primer tramo la película se esfuerza en acercarnos a ellos. No estamos hablando de una construcción psicológica compleja, ni mucho menos. No debemos olvidar que el esquema a seguir es el del slasher. Pero sí se agradece la naturalidad con la que se desenvuelven en esos compases iniciales. Una espontaneidad que tiene momentos tan gloriosos como ese impagable plano anal. Luego ya en la cueva, puede haber algún momento puntual en el que alguna reacción no nos convenza del todo. Pero son los menos. Por lo general, la mayoría de comportamientos se mueven dentro de la lógica.

Es esa obsesión por hacerlo todo tan real la clave del éxito de La cueva. Lo que la hace especial es su propia concepción, y el estar rodada en escenarios naturales le otorga una enorme dimensión. El cine crece cuando intenta ir más allá. Alfredo Montero es valiente y se arriesga con un rodaje infernal. Corrijo, con dos. Porque estamos ante una película que se presentó en 2012 en Sitges, donde fue vista por los responsables de Morena Films, quienes propusieron la posibilidad de rodar nuevo material que mejorara la versión anterior (la espectacular secuencia acuática, por ejemplo). En cualquier caso, la esencia es la misma. Y la determinación de rodar en entornos naturales, inquebrantable.

Una admirable coherencia en la propuesta que nos hace sentir el terror muy cercano. Sufrimos con unos personajes que a su vez reflejan el sufrimiento de los intérpretes. En esa búsqueda de los límites, el autor exige a su equipo -y a sí mismo- un esfuerzo brutal. Y la recompensa es una película que duele. Un film que siente en cada golpe y en cada paso estrecho. Y ahí radica su valor. Más allá de ser una efectiva cinta de terror, que lo es. Incluso por encima de sus interesantes reflexiones sobre el carácter depredador del hombre para con su propia especie.

Una película que versa sobre la incapacidad del hombre contemporáneo para interactuar con la naturaleza, debe que transcurrir en la misma. Por eso no damos crédito ante las noticias de un remake americano que se rodaría en un estudio. No tiene sentido hacer esta película en un decorado de cartón piedra. Se perdería toda la esencia de una obra que demuestra que el terror sigue muy vivo. 

Estrenos España: 11 julio 2014

Nuestro estreno destacado de la semana es La cueva, cinta española de terror que consiguió el Premio a la Mejor Película en la pasada edición de Nocturna. Tras una primera versión vista en Sitges en 2012, la película se rehizo parcialmente sustituyendo la mitad del metraje por material nuevo. Usando la técnica found footage de forma muy coherente, la cinta recurre al terror primario y claustrofóbico para atrapar al espectador.

También en Sitges -aunque en su edición de 2013- se pudo ver Borgman, merecedora del premio a la mejor película en el certamen catalán. Film holandés en el que un misterioso hombre llama a la puerta de una familia burguesa que vive apaciblemente en un barrio burgués.

Desde Alemania recibimos Dos vidas, película de 2012 ambientada en los años 90 que aborda el destino de las mujeres noruegas que tuvieron relaciones con los soldados alemanes durante la ocupación nazi.

En cuanto al cine estadounidense tenemos cuatro estrenos. David Ayer (Sin tregua) dirige Sabotage, thriller de acción protagonizado por Arnold Schwarzenegger. Más allá del amor es una historia de amor con dos jóvenes que se enamoran perdidamente a pesar de la oposición del padre de ella. Remake de Amor sin fin (1981), película de Franco Zeffirelli. De 2011 es Un plan perfecto (Amigos con hijos), comedia cuyo subtítulo es bastante elocuente. Y en La batalla del año transcurre durante los Juegos Olímpicos de break dance.

Gran éxito de taquilla en su país, llega la sueca El abuelo que saltó por la ventana y se largó, en la que un anciano de cien años se escapa de la residencia. Acabamos con la británica Ahora y siempre, en la que una adolescente con leucemia tiene una lista de cosas por hacer antes de morir; entre ellas, perder la virginidad.

Omar

4/10
Omar (Palestina, 2013).
Dirección y guión: Hany Abu-Assad.
Intérpretes: Adam Bakri, Leem Lubany, Samer Bisharat, Iyad Hoorani, Essam Abu Aabed.
Fotografía: Ehab Assal.
Montaje: Eyas Salman.
Idiomas: Árabe, hebreo.
Duración: 96 minutos.


Espía como puedas

Por Manuel Barrero Iglesias

The Green Prince (Nadav Schirman, 2014) nos cuenta la historia de dos hombres que establecen un estrecho vínculo de amistad a pesar de un entorno hostil. Deberían odiarse, pero simbolizan un encuentro imposible, el de dos pueblos condenados al enfrentamiento atroz. Uno, hijo de un importante líder de Hamás captado por Israel para ser espía. El otro, su supervisor. Ambos acaban comprendiendo que el camino que lleva a la paz va en dirección contraria al que marcan sus dirigentes.

La posibilidad de ejercer como espías es ofrecida a muchos de los presos palestinos, aunque no siempre el resultado es tan gratificante. Que te destrocen la vida o traicionar a tu gente. Difícil elección. Incluso existe la posibilidad de que optes por la traición, tu entorno se entere, y tu vida se vaya por el retrete de todas formas. Las autoridades israelíes usan su fuerza para acorralar al individuo, a la vez que tienden una mano de -en muchas ocasiones- falsa amistad. Ante esta tesitura se encuentra el protagonista de esta película, un joven que participa en el asesinato de un soldado israelí.

Su lucha tiene una múltiple dimensión, difícil de alcanzar. Por un lado, se mantiene fiel a los suyos, mientras por el otro trata de no renunciar a su vida en compañía de la mujer que ama. El equilibrio es tan delicado que incluso pone en riesgo su honorabilidad ante su gente. Aunque al final sea precisamente uno de lo más cercanos el que acabe por traicionarle. Durante este viaje Omar aprende que hay buenos y malos a ambos lado del muro, y que la capacidad humana para hacer daño es intrínseca a la especie, independientemente de el dios al que se le rece.

Por desgracia, la película se pierde en un tramo final lleno de golpes de efecto. Un carácter tramposo que apuesta por el efectismo en detrimento de la veracidad. La complejidad de su planteamientos merecían más capacidad reflexiva y no tanta búsqueda del impacto emocional. Porque al final lo que consigue el director es que la atención se desvíe de lo realmente importante.

Mi otro yo

2/10

Another Me (Reino Unido-España, 2014).

Dirección: Isabel Coixet.

Intérpretes: Sophie Turner, Jonathan Rhys Meyers, Calire Forlaine, Gregg Sulkin, Rhys Ifans, Ivana Baquero, Geraldine Chaplin, Leonor Watling.

Guión: Isabel Coixet, sobre la novela de Cathy MacPhail.

Música original: Michael Prince.

Fotografía: Jean-Claude Larrieu.

Montaje: Elena Ruiz.

Idioma: Inglés.

Duración: 86 minutos.

Mi otra Coixet

Por Manuel Barrero Iglesias

No debería ocurrir, pero hay veces en las que el crítico es incapaz de librarse de sus prejuicios. Ante la perspectiva de ver "una de terror de Isabel Coixet" uno ya entra esperando lo peor. Mal hecho por parte del analista. Pero cuando lo único que se recuerda con verdadero cariño es la ya lejana Cosas que nunca te dije -y con miedo a un posible reencuentro- se necesita mucha fuerza de voluntad para aparcar cualquier idea preconcebida. Un ejercicio, ya decimos, muy recomendable.

Porque luego puede llegar Coixet y demostrar que estabas equivocado. Aunque, por desgracia, no sea éste el caso. Mi otro yo confirma todas las expectativas negativas depositadas en ella. Desde el principio. La directora comienza dando rienda suelta a todos sus tics, tanto estéticos como temáticos. La "belleza" prefabricada de sus planos publicitarios se une al dolor causado por una enfermedad grave. Una vez más, Coixet nos embota los sentidos desde el primer instante.

La duda sobre cómo la realizadora afrontará el cine de género se resuelve pronto. Obviamente, lo lleva a su terreno, combinando el terror psicológico con el drama. La directora tiene el mérito de hacer una película con su impronta personal, pero que a la vez es algo que hemos visto ya cien veces. Un refrito nada tamizado que no puede ser más previsible en su desarrollo.

Pero si algo caracteriza a Mi otro yo es la torpeza. Coixet jamás consigue crear tensión, ni nada que se le parezca remotamente. Pero es que la autora no es capaz ni de mantener una mínima coherencia interna en el film. La lista de incongruencias perpetradas por sus personajes es increíble. Pero cuando la mujer infiel decide darse el lote en el coche de su amante justo enfrente de la ventana de la casa de ella, uno se pregunta en qué estaba pensando la directora. Qué jodido es acertar con los prejuicios.

Taquilla España: 4-6 julio 2014

El estreno de Bajo la misma estrella se alza con la primera posición en la taquilla española, por delante de otra novedad: la comedia Mil maneras de morder el polvo. Otra que entra en el Top Ten es Un largo viaje. Y a las puertas se queda Nacho Vigalondo con su Open Windows. Entre las veteranas destacan las cifras de Maléfica, que ya ha superado los diez millones totales.

Amanece en Edimburgo

5/10

Sunshine On Leith (Reinuo Unido, 2013).

Dirección: Dexter Fletcher.

Intérpretes: Antonia Thomas, Jason Flemyng, George MacKay, Peter Mullan, Freya Mavor, Jane Horrocks.

Guión: Stephen Greenhorn.

Música original: Paul Englishby.

Fotografía: George Richmond.

Montaje: Stuart Gazzard.

Idioma: Inglés.

Duración: 100 minutos.

Amor en (y por) Edimburgo

Por Manuel Barrero Iglesias

En algún momento la ficción nos hizo creer que una pedida de mano pública y grandilocuente era algo muy romántico. Mentira. Una petición de este tipo lo único que demuestra es un enorme egoísmo por parte del demandante, quien pone a la otra parte en una difícil tesitura. A veces la proposición de matrimonio funciona como un ultimátum a traición y bastante injusto. Por eso se agradece el tratamiento de la relación entre Liz y Ally, tratando de desmarcarse de los tópicos de la comedia romántica. 

Amanece en Edimburgo es uno de esos musicales que se construyen sobre las canciones de un solo grupo (The Proclaimers, en este caso). Y ya sabemos que en este tipo de filmes el hilo argumental es una excusa que sirve poco más que de relleno entre número y número. Las alegrías y tristezas de tres parejas protagonizan el poco original guión que Greenhorn traslada de las tablas a la gran pantalla. Si el conflicto de la pareja madura se inclina hacia lo culebronesco, el de Yvonne y Davy resulta demasiado forzado. Por eso tiene tanto valor el retrato de una relación que no tiene por qué acabar bien (aunque al final se cuele algo de ese espíritu meloso).

Pero estamos ante un musical, y como tal, lo importante está en las canciones. Y en este aspecto el film cumple con simpatía, pero sin brillantez. Números efectivos y agradables que destacan por el entorno. Efectivamente, la película es toda una declaración de amor a la magia de una ciudad de cuento que aparece en todo su esplendor. Al final, Edimburgo termina siendo la gran protagonista.

Con excesiva timidez, Amanece en Edimburgo trata subvertir algún que otro código. Aunque al final se entregue a los brazos del musical romántico al uso, su desparpajo y naturalidad acaban por dibujarnos una ligera sonrisa de complicidad.