El caballero oscuro: La leyenda renace

7/10

The Dark Knight Rises (USA, 2012).

Dirección: Christopher Nolan.

Intérpretes: Christian Bale, Gary Oldman, Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt, Anne Hathaway, Marion Cotillard, Morgan Freeman, Michael Caine.

Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan, basado en los personajes creados por Bob Kane.

Música original: Hans Zimmer.

Fotografía: Wally Pfister.

Montaje: Lee Smith.

Idioma: Inglés.

Duración: 164 minutos.

Nolan, la leyenda continúa

Con apenas un puñado de películas, Christopher Nolan ha conseguido ganarse el respeto casi unánime de la crítica internacional y el aplauso de una audiencia masiva que ve y espera sus filmes con entusiasmo; imaginando que aquello que van a presenciar será diferente a lo que cualquier estreno medio de los grandes estudios norteamericanos, destinado a arrasar la taquilla, pueda ofrecer. No es casualidad. Su gran “presentación en sociedad” fue con su segundo trabajo; Memento enamoró y sorprendió al mundo. Un soplo de aire renovado que asumía riesgo en lo contado, y que era resuelto y presentado con una brillantez incuestionable. Y precisamente ése termina siendo el gran valor de Nolan: lograr que el mayor artificio imaginable sea en sus manos un juguete manejable y comprensible con el que todos podamos divertirnos.

No hay reto que este cineasta no sea capaz de asumir. Ya lo demostró con su anterior Origen. Un “no va más” desbocado que sin talento tras el objetivo hubiera caído en lo inentendible o en lo ridículo, pero que el director maneja a su antojo haciéndolo digerible de forma prodigiosa. La clave es manejar los tiempos, saber narrar. Nolan tiene su estilo, su mundo. Sabe ir a lo esencial, por mucho que lo que veamos sea visualmente arrebatador, manejando el tempo de la acción (no aún la acción en sí mismo) como pocos en la historia reciente y no tan reciente. También sabe ser profundo y contenido cuando la ocasión lo merece. Tiene el don de no entretenerse en lo vacío, pudiendo hacer que tres horas de proyección pasen en un suspiro sin tiempo para abandonarse en lo prescindible.

Asumir el volver a contar la historia de Batman parecía un reto innecesario tras las últimas y no tan lejanas presentaciones del personaje que hizo la Warner en los ochenta y noventa. Sin embargo la elección del creador londinense fue un empujón necesario para dar sentido a tal regreso a las pantallas. Pese a las dudas que a algunos nos generó esa decisión, al cuarto de hora de comenzar el visionado de Batman Begins uno entendió que no estaba presenciando una adaptación más de cómic al uso. La primera parte de esa primera entrega es sencillamente cine apabullante, deslumbrante. Lo mejor que había hecho su director hasta la fecha. Curiosamente, con la aparición del “murciélago” en la segunda parte del metraje la cosa queda un poco descompensada. Pero la película termina por dejar un gusto de obra grande, y así fue reconocida.

El camino elegido por Nolan, dando el superhéroe -y a los villanos a los que se enfrenta- la categoría de ser humano: con sus frustraciones, sus dudas y sus debilidades (algo que no es nuevo pero que en esta vía se plantea como el centro profundo de la historia); marcará un antes y un después a la hora de reflejar las andanzas de todos estos personajes de ficción. La acción es relevante pero lo que se quiere contar va mucho más allá. Ejemplo muy claro de todo esto fue el segundo capítulo de la saga. El caballero oscuro es un milagro. Una de esas películas en las que uno percibe ya el aroma de clásico a los cinco minutos de abandonar el cine. Suma perfecta de todas las virtudes comentadas del director, hay algo que va mucho más allá. Quizá la potencia de ese malvado llamado Joker al que dio la vida, quién sabe si literalmente, Heath Ledger. O quizá el énfasis dramático tan apasionado, dentro de ese caos dibujado, que destila cada fotograma. El caso es que ese film ocupará ya para muchos un lugar de honor entre las mejores películas visionadas en las últimas décadas.

No hay, o no se transmite, ni de lejos, la misma crudeza, ni la misma pasión, ni la misma profundidad en la última entrega de la trilogía, El caballero oscuro: la leyenda renace. Sin duda, porque la historia no tiene el peso específico de la anterior, porque el villano elegido que interpreta Tom Hardy -el torturado Bane- está lejos de escalar a la altura de su predecesor, porque las motivaciones que llevarán a Bruce Wayne a volver a enfundarse al traje de Batman son demasiado manidas, y porque el resto del coro de personajes no lucen como debieran perdidos en un guión (obra del propio Nolan, junto a su hermano Jonathan) que puede estar bien planteado pero que busca ser enorme (craso error) para acabar dispersándose. Salvando a una extraordinaria Anne Hathaway, en su papel de Catwoman, quien nos brinda algunos de los mejores momentos de la trama, tanto cómicos como enigmáticos, con esos vaivenes entre bandos que tanto juego dan. Hay previsibilidad y falta de sorpresa (si exceptuamos algún estupendo golpe de efecto final que, por cierto, dejan la saga completamente expuesta a futuras continuaciones).

Y, sin embargo, estamos ante un filme magnífico si apreciamos la capacidad de su director para que no haya ni un minuto en el que no pase algo, en el que no se cuide cada detalle en la imagen, en el que no se plasme con contundencia la atmósfera buscada, y en el que no esté todo presentado y resuelto con brillantez. Un filme en el que casi nada sobra, donde se nos cuenta una historia (esta vez algo insípida para quien esto firma, pero que se toma mucho más en serio que cualquiera de las últimas -algo infantiles- presentaciones cinematográficas de la Marvel) perfectamente escalonada, marcando el crecimiento de lo narrado con inteligencia, sin dejar dudas de dónde estamos en cada momento o dónde se encuentra cada protagonista en sus personales viajes internos hasta llevarnos a un desenlace vibrante, donde la cámara se apodera de todo y lo que vemos nos inunda los sentidos por completo. Nuevamente puede parecer sencillo pero no lo es. Nolan en este nuevo ejercicio deja claro que está, que sigue, en un escalón superior a casi todos los directores de su generación. Tiene el talento para abrumar sin cansar pero nunca se aleja del alma de sus personajes.

Se podía pedir más. Una pena que el libreto no ayude en absoluto. Había esperanza de culminar la trilogía, que había crecido hasta cotas altísimas, con un desenlace aún más elevado. El problema radica en que veníamos de experimentar un fenómeno que ocurre muy de cuando en cuando. Teníamos en el recuerdo El caballero oscuro. No olvidemos que los milagros son difíciles de presenciar y, cuando suceden, hay que valorarlos como tales.

Jorge R.

Taquilla España: 20-22 julio 2012

El caballero oscuro: La leyenda renace, como era de esperar, se ha alzado claramente hasta el primer puesto de la taquilla. Casi tres millones y medio ha conseguido en su primer fin de semana. Ice Age 4 mantiene su segundo puesto, sumando casi otro millón más para un total que supera los doce.

Hasta la tercera plaza cae El dictador, con 0'69, y a la cuarta The Amazing Spider-Man (0'59). Qué esperar cuando estás esperando mantiene el quinto puesto (0'33). Cine en español en las sexta y séptima plaza: Tengo ganas de ti (0'32) y Elefante blanco (0'14). Casi en esta última cifra se mueve El irlandés, uno de los estrenos de la semana. Cierran el Top Ten El pacto y La delicadeza con algo más de cien mil euros.

El pacto

2/10

Seeking Justice (Estados Unidos, 2011).

Dirección: Roger Donaldson.

Intérpretes: Nicolas Cage, Guy Pearce, January Jones, Harold Perrineau, Jennifer Carpenter.

Guión: Todd Hickey, Robert Tannen.

Música original: J. Peter Robinson.

Fotografía: David Tattersall.

Montaje: Jay Cassidy.

Idioma: Inglés.

Duración: 105 minutos.

Sí a las armas

Quitando la inevitable manipulación sentimental, el punto de partida de este film tiene su grado de interés. Dilemas morales y disquisiciones sobre el bien y el mal, con una secta en busca de “justicia” como motor de todo el tinglado. Quizás con otro guión. Quizás con otro director. Lo mismo alguien podría haber hecho un thriller decente, que a la par de entretener, sirviera para remover. Nada más lejos de la realidad.

Lo que acontece tras el primer giro de guión es un despropósito tras otro. Una espiral del sinsentido que alcanza cotas tan “altas” como la secuencia que narra la principal muerte de la película. Por no hablar de un final que aboga sin ningún disimulo por la tenencia de armas como gran solución para los peligros que nos acechan.

Una nueva versión del eterno conflicto de un hombre íntegro contra toda una sociedad corrupta y podrida. Nuestro hombre es Nicolas Cage, cuya carrera ha tomado una deriva ya difícil de detener. A su lado, el símbolo de la pureza y la inocencia: una hermosa y joven mujer. Es decir, un florero. Ni January Jones, ni Cage (algo más comedido de lo habitual) hacen mucho por salvar un par de personajes lamentables.

Lo peor de todo es que tampoco entretiene. El pacto se enmaraña sobre sí misma, provocando la desconexión de un espectador cansado de vueltas de tuerca que no llevan a ningún sitio. Un producto del todo prescindible, solo apto para público con exigencias a la altura del suelo.

Manuel Barrero Iglesias

Qué esperar cuando estás esperando

2/10

What to Expect When You're Expecting (USA, 2012)

Dirección: Kirk Jones.

Intérpretes: Cameron Diaz, Jennifer Lopez, Elizabeth Banks, Chace Crawford, Brooklyn Decker, Ben Falcone, Anna Kendrick , Dennis Quaid, Rodrigo Santoro, Chris Rock.

Guión: Shauna Cross, Heather Hach, basado en los libros de Heidi Murkoff.

Música original: Mark Mothersbaugh.

Fotografía: Xavier Pérez Grobet.

Montaje: Michael Berenbaum.

Idioma: Inglés.

Duración: 110 minutos.

Mejor no esperar nada

No es la primera (ni la segunda) película que llega este año a nuestras pantallas hablando sobre lo difícil que es tener un hijo. Las francesas Declaración de guerra y Un feliz acontecimiento tenían su punto fuerte en la honestidad que desprendían los relatos. En ambos casos podíamos sentir el sufrimiento materno a través de una narración inteligente, y muy respetuosa consigo misma y con el espectador.

Qué esperar cuando estás esperando se basa en una especie de guía para embarazadas de gran éxito. No he leído los bet-seller de Heidi Murkoff, pero a priori, parece un material previo mucho menos personal (e interesante) que los dos casos citados anteriormente. Uno se pregunta en qué momento se le ocurre a alguien llevar a la pantalla un manual de este tipo. Y lo complicado que debe ser que algo así acabe bien.

Aquí tenemos la respuesta. Un film que despierta el más insufrible sopor cuando intenta ser divertido. Los personajes, por supuesto, no pueden estar más alejados de la realidad. El problema es que no hay carisma, y uno mira sus supuestas excentricidades como el que está mirando una pared en blanco.

Dos o tres destellos protagonizados por Anna Kendrick y Rebel Wilson son de lo poco rescatable que hay en un film insulso y superficial. La pretendida mordacidad con la que se quiere hablar sobre el tema se queda en nada, en un producto incoloro e inodoro. Si quieren ver algo que refleje lo difícil que puede ser la maternidad, vean los filmes señalados al principio de esta crítica. Si quieren ver algo divertido, eviten ver esto. Ahora, si se conforman con ver desfilar unos cuantos rostros bonitos que adornan bellos cuerpos, incluso hasta pueden disfrutar un poquito.

Manuel Barrero Iglesias

Carmina o revienta

6/10

Carmina o revienta (España, 2012)

Dirección y guión: Paco León.

Intérpretes: Carmina Barrios, María León, Paco Cassaus, Antonio Adarve, Miguel Alcíbar.

Música original: Pony Bravo.

Fotografía: Juan González Guerrero.

Montaje: Ana Álvarez Ossorio-Hengst.

Idioma: Español.

Duración: 71 minutos.

La tragicomedia de la vida

Coinciden este verano dos películas andaluzas (más concretamente, sevillanas) que retratan con grandes dosis de veracidad algunos de lo más reconocibles arquetipos sureños. El mundo es nuestro ampliaba el registro de los cortometrajes realizados por su director para presentar una completa radiografía de la Sevilla (y de la España) actual. Las intenciones de Paco León son mucho más íntimas y personales, aunque también acabe por convertirse en un retrato de esa gente que se encuentra al borde de lo marginal. Y es que, tranquilamente, el Culebra y el Cabesa podrían ser sobrinos de la protagonista de este film.

Carmina. Realidad y ficción. La película es ella. Paco León la creó a partir de su madre, y ella es la que da forma al personaje. La Carmina real y la ficticia se fusionan para crear una criatura antológica, una mujer que es muchas mujeres, pero que también es única. El director incide mucho en ese difuso límite entre lo real y lo imaginado, y no cabe duda de que es una de las grandes bazas que juega el film.

Esos impagables momentos de autenticidad que solo se consiguen en un rodaje de estas características, en el que lo imprevisible se convierte en lo habitual. Con la sombra de John Waters planeando en todo momento, León consigue crear un irreverente retrato, una sucia tragicomedia sobre la misma vida.

Como no podía ser de otra forma, Carmina o revienta es una película muy irregular. Su anarquía nos regala momentos sublimes junto a otros bastante olvidables. Pero ahí reside su encanto. Y su fuerza, la de una madre homenajeada con pasión. Sin olvidarnos de unos secundarios excelentes, con mención especial a las intervenciones de un desternillante Paco Cassaus.

“La vida es tan bonita que parece de verdad” suelta su personaje en un momento de lucidez etílica. Una buena frase para resumir la filosofía de un trabajo difícil de encuadrar, y que nació con vocación libre y festiva. Pero con un fondo que huele a tragedia en cada fotograma. En poco más de una hora, Paco León da voz a aquellos a los que no les queda más remedio que tirar del buen humor para soportar los reveses de la vida. Y de paso, le hace a su madre todo un regalazo.

Manuel Barrero Iglesias

La delicadeza

La délicatesse (Francia, 2011).

Dirección: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos.

Intérpretes: Audrey Tautou, François Damiens, Bruno Todeschini, Joséphine de Meaux, Pio Marmaï.

Guión: David Foenkinos

Fotografía: Rémy Chevrin.

Montaje: Virginie Bruant.

Idioma: Francés, sueco.

Duración: 108 minutos.

5/10

Volver a empezar

Comienza esta película con, precisamente, una falta de delicadeza bastante habitual en el cine. Incidir de forma exagerada en la felicidad para subrayar lo trágico. Una efectiva, aunque discutible, manera de ganarse al espectador a las primeras de cambio. La empatía con la protagonista queda asegurada. Y más aún, cuando ella es la encantadora Audrey Tautou, que vuelve a encarnar un personaje repleto de dulzura.

Películas sobre cómo recomponer la vida tras una desgracia que trunca un proyecto común las hay a patadas. Es complicado que filmes de este tipo no caigan en la ñoñería y el sentimentalismo lacrimógeno. Viendo el inicio de La delicadeza, nos tememos lo peor...hasta que aparece François Damiens. Su personaje cambia el rumbo de la película, a la que lleva por un terreno menos solemne y mucho más ágil.

Los dos protagonistas y su peculiar relación consiguen despertar un interés que parecía difícil de conseguir. El buen gusto y la sensibilidad se apoderan de la función cuando ambos coinciden en pantalla. Es difícil no dejarse conquistar por la ternura que desprenden. Y lo mejor, una naturalidad que se aleja de lo empalagoso.

Lástima que unos secundarios bastante pobres inclinen de nuevo la balanza hacia la tosquedad. El trazo grueso con el que son retratados la mayoría de ellos solo sirve para subrayar la simpatía que debemos sentir por los dos protagonistas, algo que no era necesario.

Agradable y sencilla, La delicadeza tiene demasiado vicios como para convertirse en un trabajo que perdure en la memoria.

Manuel Barrero Iglesias

El dictador

5/10

The dictator (USA, 2012)

Dirección: Larry Charles.

Guión: Sacha Baron Cohen, Alec Berg, David Mandel, Jeff Schaffer.

Intérpretes: Sacha Baron Cohen, Ben KIngsley, John C. Reilly, Anna Faris, Jason Mantzoukas, Bobby Lee, Megan Fox.

Música original: Erran Baron Cohen.

Fotografía: Lawrence Sher.

Montaje: Greg Haiden, Eric Kissack.

Idioma: Inglés.

Duración: 83 minutos.

Sacha Light Cohen

Sacha Baron Cohen es un tipo al que siempre le ha gustado provocar. Comenzó a hacerse un nombre internacionalmente cuando en 2002 llevó a la gran pantalla a Ali G, personaje televisivo que le había dado fama en Reino Unido. A partir de ahí comenzó a tener pequeños papeles en comedias de Hollywood, y en algún que otro drama, pero lo que todo el mundo espera de él son sus comedias pasadas de rosca.

Con El dictador no se sale demasiado de lo que ha hecho hasta ahora. Firma el guión, esta vez sin sus dos colaboradores habituales: Anthony Hines y Dan Mazer. Y no sé si es por su falta, pero lo cierto es que a Cohen le ha salido su película más floja hasta la fecha.

La historia de un dictador que hará todo lo posible para que la democracia no llegue a su país, y que acude a Estados Unidos -el paradigma de la libertad (jajaja)- a exponer sus ideas al respecto, debería de haber dado mucho más de sí. El cine del actor y guionista británico nunca se ha caracterizado por la mesura, sino más bien por pasarse tres pueblos, pero en este caso, el mayor problema de la cinta es que nunca llega a escandalizar.

Muchas son las bromas que podrían ofender a los yihadistas, pero en lo que se refiere a Estados Unidos, nunca llegan a hacer sangre, y yo personalmente la quería. No tengo ningún interés en que alguien me diga que Bin Laden y los suyos son mala gente, han sido años de telediarios contándonoslo continuamente. En cambio, mi opinión sobre la película hubiese cambiado mucho si hubiese tenido más agallas a la hora de establecer paralelismos entre las dictaduras islámicas y las del mercado, aquellas que matan aun más vidas pero desde la legalidad, y a veces sin la ley de su lado.

Tal vez el hecho de que Estados Unidos sea un mercado tan importante para la película haya hecho que tomen el camino fácil y que no pasen de un par de chistes inofensivos contra el american way of life y su bien engrasada maquinaria. Una cosa es meterse con ciertos sectores de la sociedad americana como hizo en sus anteriores películas – Borat y Bruno – y otra muy distinta clamar contra el orden preestablecido.

De todos modos, más allá de las preferencias de cada uno con respecto a en qué dirección deben de ir los golpes, la película flojea en exceso. Se pueden contar con los dedos de la mano los chistes que consiguen generar verdaderas risas, lo demás son meros chascarrillos, en la mayoría de las ocasiones tan facilones que acaban por hacernos sonrojar. Pueriles como si de la más estúpida película americana se tratase.

A la postre se trata de un producto decepcionante que tiene momentos de lucidez que consiguen hacer su visionado más soportable, además de un metraje que no llega a los 90 minutos y al que no se le echa en falta ni un minuto más, sino todo lo contrario.

David Sancho

Margaret

5/10

Margaret (USA, 2011)

Dirección y guión: Kenneth Lonergan.

Intérpretes: Anna Paquin, Mark Ruffalo, Matt Damon, Jean Reno, Matthew Broderick, Kieran Culkin, Allison Janney, Rosemarie DeWitt.

Música original: Nico Muhly.

Fotografía: Ryszard Lenczewski.

Montaje: Anne McCabe.

Idioma: Inglés.

Duración: 150 minutos.

Quien mucho abarca...

Kenneth Lonergan se estrenó en la dirección hace doce años con la excelente Puedes contar conmigo. Ahora vuelve con Margaret, un ambicioso drama acerca de las dificultades de una adolescente para lidiar con la culpa, tras estar implicada indirectamente en la muerte de una mujer al ser atropellada por un autobús.

La película ha tardado muchísimo en ser estrenada. Para que os hagáis una idea, entre los productores ejecutivos figuran Sydney Pollack y Anthony Minghella, ambos fallecidos en 2008. Parece difícil explicar cómo una película en la que figuran en el reparto gente como Anna Paquin, Matt Damon, Mark Ruffalo, Jean Reno y Matthew Broderick tarde tantísimo en estrenarse. Mi intuición me dice que tiene que deberse a lo complicado que puede resultar vender una película como esta.

Se trata de un drama de dos horas y media al que le sobran cincuenta minutos. Una película de la que casi se podrían sacar dos. Una que consistiría en un buen drama, un contenido relato acerca de la culpa y el crecimiento personal. La otra sería una cinta minimalista cargada de escenas inconexas, sin diálogos y sin mucho sentido; escenas que cuando se ensamblan con el efectivo drama siguen sin tener demasiado sentido.

Lonergan lo carga todo demasiado, trata de abarcar más de lo necesario, sobreexplicar personajes sin demasiado peso en la trama principal. La puesta en escena es sobria, tal vez en exceso, sobre todo porque en todo momento la película pide algo que la haga salir del adormecimiento en el que está instalada, y al que nos aboca sin remedio. Pero nada sale en nuestra ayuda: no la puesta en escena, no la música, casi nunca las interpretaciones.

Una película ambiciosa, digna de halago en ese sentido, pues nunca juega sobre seguro -ni en la forma ni en el fondo-, pero pierde demasiados rounds como para no perder en los puntos. Una obra que ganaría mucho ritmo con una nueva sesión de montaje, pero nos toca conformarnos con lo que nos ha llegado, y lo que aquí se nos presenta no es para tirar cohetes.

David Sancho

Lobos de Arga

7/10

Lobos de Arga (España, 2011).

Dirección y guión: Juan martínez Moreno.

Intérpretes: Gorka Otxoa, Carlos Areces, Secun de la Rosa, Mabel Rivera, Luis Zahera, Manuel Manquiña.

Música original: Sergio Moure.

Fotografía: Carlos Ferro.

Montaje: Nacho Ruiz Capillas.

Idioma: Español.

Duración: 104 minutos.

Humor licántropo

Dentro del reciente auge del género de terror en el panorama nacional; poco a poco va ampliándose el campo hacia lo fantástico en general, y al híbrido de éste con otros géneros. En concreto, en lo que llevamos de 2012 varias son las producciones que se han atrevido a hacer comedia dentro de un contexto puramente fantástico. Extraterrestre de Nacho Vigalondo toma como excusa una invasión alienígena para dar forma a una comedia de enredo. Javier Ruiz Caldera en Promoción fantasma hace un homenaje a la comedia gamberra teen y fantástica de los 80s. Y por último, la recién estrenada Lobos de Arga de Juan Martínez Moreno, recupera la figura clásica del hombre lobo en su versión más ochentera: mezclando terror, aventura, y una gran carga de comedia.

A pesar del esfuerzo que se hace en crear un ambiente de terror, y el mérito que tiene dejar de lado los efectos digitales y recuperar los maquillajes tradicionales para dar vida a los hombres lobo, estos no dan mucho miedo. Sin duda, la parte fuerte es el humor. Alejada de la presumible parodia del género, la comedia se desencadena a través de las reacciones de sus protagonistas, y las situaciones que éstas generan.

Gran parte del éxito se debe a la elección y al trabajo de su trío protagonista: Gorka Otxoa, (el omnipresente) Carlos Areces, y Secun de la Rosa. Cada uno en su registro, que va a la par con su personaje, se complementan dando bastante juego. Pero si la película funciona es también por el apoyo de sus personajes secundarios, entre los que destaca un magnífico Luis Zahera en el papel de un teniente de la Guardia Civil que da ganas de levantarse y aplaudir.

Lobos de Arga es una película entretenida, que si bien cojea en la parte más seria de terror, sí que consigue recuperar parte del espíritu del cine fantástico de esa época, -en la que no se tenía el apoyo de los efectos digitales para sorprender al espectador- y se tenía que tirar más del ingenio y del peso de sus personajes. No pretende ser más de lo que es, no intenta otra cosa más que entretener y arrancar algunas risas al espectador. Y esto sí que lo consigue.

M. Lofish

Estrenos España 20 julio 2012

El caballero oscuro: La leyenda renace es el estreno más esperado de la semana, y probablemente de la temporada veraniega. El prestigioso Christopher Nolan revitalizó la saga de tal forma que muchos consideran las dos películas anteriores como verdaderas obras maestras. 

El cine estadounidense también nos trae una propuesta mucho más pequeña e independiente. Kenneth Lonergan dirige Margaret, drama protagonizado por Anna Paquin.

El irlandés es una excelente comedia negra protagonizada por el inmenso Brendan Gleeson. La británica Mr. Nice llega con dos años de retraso, protagonizada por Rhys Ifans, que logró el premio al mejor actor en el Festival de Sevilla.

Otra película rescatada del baúl del olvido es Desechos, comedia española dirigida por David Marqués, con Fernando Tejero como protagonista.

Y el estreno de prestigio viene de la mano del ruso Andrei Zvyagintsev: Elena, un sólido drama familiar contemporáneo. 

Taquilla España: 13-15 julio 2012

El dictador entra en el primer puesto de la taquilla con casi millón y medio de recaudación en su primer fin de semana. Con unas cifras algo inferiores, el podium lo completan Ice Age 4 y The Amazing Spider-Man. Mientras Tengo ganas de ti baja a la cuarta posición, sumando 0'64 más a sus buenas cifras.

Tres estrenos ocupan los puestos quinto, sexto y séptimo. Qué esperar cuando estás esperando (0'57), Elefante blanco (0'24) y El pacto (0'19). En las tres últimas posiciones encontramos a Blancanieves y la leyenda del cazador (0'17), La delicadeza (0'15) y El enigma del cuervo, que no llega a los cien mil euros.

Marley

7/10

Marley (USA-Reino Unido, 2012)

Dirección: Kevin Macdonald.

Documental con Bob Marley, Ziggy Marley, Jimmy Cliff, Rita Marley, Cedella Marley.

Fotografía: Mike Eley, Alwin H. Kuchler, Wally Pfister.

Montaje: Dan Glendenning.

Idioma: Inglés.

Duración: 144 minutos.

Legend

La demostrada solvencia de Kevin Macdonald en el terreno documental era una apuesta casi segura para garantizar que el retrato del mítico Bob Marley estaría a la altura de la circunstancias. Una amplia trayectoria, cuyo punto álgido podría ser aquel impresionante Touching the Void, trabajo a partir del cual empezaron sus escarceos con la ficción.

Pero Macdonald nunca ha abandonado el género que le dio la fama. Con Marley tiene la oportunidad de combinar los dos grandes motores de su obra: el retrato de una personalidad apasionante y la radiografía política. Para ello, el director utiliza una estructura de lo más clásica: entrevistas con aquellos que mejor lo conocieron e imágenes de archivo.

El film trata de abarcar toda la grandeza de la del jamaicano, más allá de su música. Figura imprescindible en la historia de su país y venerado por sus compatriotas. Incluso se le intentó politizar de mala manera, en una maniobra que desembocó con un atentado contra su vida (episodio que ocupa parte importante en el metraje).

No hay grandes innovaciones en este documental, pero sí mucho cuidado en lo que se hace, con un gran trabajo de documentación. Y emoción, momentos de mucha emoción. El propósito de trasladar a la gran pantalla toda la humanidad del personaje se consigue de forma amplia, y es difícil que no se te ericen los vellos de la piel en varias ocasiones. Macdonald deja que la película crezca alrededor de Marley, cuya arrolladora personalidad basta y sobra para absorbernos.

Manuel Barrero Iglesias

Estrenos España: 13 julio 2012

Esta semana destacamos Lobos de Arga, comedia española que recupera el espíritu ochentero de los filmes con hombres lobo. Su excelente reparto hace que la diversión esté asegurada en esta despreocupada película.

Otro trabajo que sigue la senda del humor a toda costa es El dictador, la última gamberrada de Sacha Baron  Cohen. Momentos de gran acidez se combinan con otros mucho más tontorrones en esta irregular película.

Otros dos filmes procedentes de Estados Unidos no pueden ser más convencionales. ¿Qué esperar cuando estás esperando? es una comedia coral sobre la maternidad/paternidad, mientras que El pacto es un thriller del montón protagonizado por el inefable Nicolas Cage. Aunque también desde allí tenemos la ración indie con The Swell Season, un documental sobre la vida de Glen Hasard y Markéta Irglová, tras el éxito de Once.

La francesa comedia romántica Los nombres del amor, y la argentina Elefante blanco (Pablo Trapero) completan los estrenos de la semana.

Ernest Borgnine: 24/01/1917-08/07/2012

Después de 60 años en las pantallas nos parece que llevara toda su vida actuando. Pero la carrera de este actor hijo de italianos comenzó cuando ya había superado la treintena. En 1951 apareció en varias series y algún que otro largometraje. Su primer secundario de importancia llegaría solo dos años después, en la mítica De aquí a la eternidad (1953). Desde entonces, se convirtió en uno de esos secundarios imprescindibles que apareció en un buen número de grandes películas.

Johnny Guitar (1954), Veracruz (1954), Sábado trágico (1955), Banquete de bodas (1956), Barrabás (1962), Doce del patíbulo (1967), Grupo salvaje (1969), La aventura del Poseidón (1972), Jesús de Nazaret (1977), 1997, Rescate en Nueva York (1981), o Gattaca (1997).

Pero también tuvo sus protagonistas. Todos recordamos el de Marty (1955), que le supuso su primer y único Oscar. Muy emocionante fue su aparición en 11'09''11, en el segmento dirigido por Sean Penn

En ningún momento ha dejado de trabajar, y el año pasado participó en cuatro filmes. También ha sido la voz de Tritón Man en la serie de animación Bob Esponja.

A sus 95 años nos deja todo un clásico, un actor de envidiable carrera y de una categoría fuera de toda duda.

Taquilla España: 6-8 julio 2012

Al fin la taquilla española recupera cierta alegría en sus cifras. Gran parte de culpa la tiene The Amazing Spider-Man, que supera los tres millones en su primer fin de semana. Además, aguantan con fuerza Ice Age 4 que en su segunda semana supera los dos millones, y Tengo ganas de ti que hace más de un millón en su tercera semana.

El salto con la cuarta posición es enorme. Ahí está Blancanieves y al leyenda del cazador, con 0'29 millones. Y cerrando el Top 5, un estreno, La delicadeza que recauda 0'28. El enigma del cuervo se queda con 0'23 seguida por Men in black 3 con 0'16.

Cierran la lista Moonrise Kingdom (0'73), Las chicas de la 6ª planta (0'61) y MS1 (0'60).

Inmaduros

5/10
Immaturi (Italia, 2011).

Dirección y guión: Paolo Genovese.

Intérpretes: Isabelle Adriani, Ambra Anglioni, Luca Bizzarri, Barbora Bobulova, Raoul Bova.

Música original: Andrea Guerra.

Fotografía: Fabrizio Lucci.

Montaje: Patrizio Marone.

Idioma: Italiano.

Duración: 108 minutos.

La vuelta al cole

Película  protagonizada por un grupo de treintañeros, antiguos compañeros de clase, que se vuelven a encontrar tras años sin verse. Con un título tan explícito como Inmaduros, ya nos podemos hacer una clara idea de lo que nos vamos a encontrar. Y solo con el punto de partida, ya podemos adivinar que el tratamiento va a ser el de comedia ligera y superficial.

Y así es. El film no depara ninguna sorpresa. Tenemos a los ‘peterpanescos’ personajes masculinos: miedo a la paternidad, al compromiso, o a salir de las faldas de mamá. Y los femeninos, pues emocionalmente inestables y deseando encontrar una relación satisfactoria. Tampoco hay mucho más donde rascar.

Los personajes pueden despertar alguna simpatía, pero llegan poco más allá del estereotipo. Y las situaciones poseen cierta comicidad, pero tampoco parece que se hayan esforzado demasiado en huir de los lugares comunes.

Se trata de buscar la complicidad del público de una generación concreta a través de la supuesta química de un reparto que, a ratos, consigue levantar una ligera sonrisa. Por cierto, parece que estamos en una competición para ver a quién se le ocurre la premisa más absurda: después del semental de Starbuck, aquí tenemos la anulación de un examen de selectividad después de 20 años.

Manuel Barrero Iglesias