La sombra de la traición

3/10

The Double (Estados Unidos, 2011).

Dirección: Michael Brandt.

Intérpretes: Richard Gere, Topher Grace, Martin Sheen, Tamer Hassan, Odette Anable.

Guión: Michael Brandt, Derek Haas.

Música original: John Debney.

Fotografía: Jeffrey L. Kimball.

Montaje: Steve Mirkovich.

Idiomas: Inglés, ruso.

Duración: 98 minutos.

Sombrajos del espionaje

No recuerdo una película cuyo título original suponga un spoiler tan grande. Aunque la sorpresa no tarda mucho en ser desvelada, ni el primer giro de guión causa asombro. Al menos, la paupérrima traducción española esconde ese golpe de efecto. Eso sí, La sombra de la traición suena a película de intriga más bien cutre y telefilmera.

Y eso es exactamente lo que es este film dirigido por el habitualmente guionista Michael Brandt. Ni los nombres de dos ilustres veteranos rescatan al producto de su mediocridad. La presencia de Richard Gere -nunca ha sido buen actor- ya hace tiempo que dejó de ser sinónimo de éxito. Por su parte, Martin Sheen simplemente cumple con su secundario alimenticio.

Thrillers de espionajes los hay a patadas. Y no hay que bucear demasiado para encontrarlos con más enjundia. O con más fuerza. O más tensión. O más originalidad. Pero La sombra de la traición es un producto plano que no destaca en ningún aspecto. Si acaso, en alguno negativo, como la música. Una mediocridad que toma prestados elementos de aquí y de allá para construir la nada más absoluta.

Un desubicado remember de La Guerra Fría al que le faltan toneladas de emoción. Intrascendente y prescindible.

Manuel Barrero Iglesias

Men in Black 3

6/10

Men In Black 3 (Estados Unidos, 2012).

Dirección: Barry Sonnenfeld.

Guión: Etan Cohen sobre el cómic de Lowell Cunningham.

Intérpretes: Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Emma Thompson, Jemaine Clement, Alice Eve, Michael Stuhlbarg.

Música original: Danny Elfman.

Fotografía:Bill Pope.

Montaje: Wayne Wahrman y Don Zimmerman.

Idioma: Inglés.

Duración: 103 minutos.

Esta vez no pedirás que te borren la memoria tras la película

La predisposición con la que uno entra a una sala de cine tendrá mucha influencia sobre los efectos que la película en cuestión tenga sobre uno. La mía con respecto a la nueva entrega de los Hombres de negro no podía ser más negativa debido a que las dos anteriores me parecieron ridículas, y por el odio acumulado durante años hacia su director. La absoluta certeza que tenía sobre que se iba a tratar de una de las peores películas del año, posiblemente fuese lo que hizo que finalmente la cosa no me disgustase del todo.

Primero, destacar lo curioso que es que siendo la más larga de las tres entregas sea la que menos me aburrió, hasta el punto de no hacerlo absoluto. Pero no quiero que todo parezca de color de rosa, por lo que a continuación dejaré claro que no se trata, ni de lejos, de una buena película. Los chistes son rematadamente malos, en su mayoría. Me quedo con todos los relacionados con Andy Warhol, ya que me parecieron sorprendentemente ingeniosos para una película como esta. El diseño de producción es hortera y cansino, la dirección de Sonnenfeld es meramente cumplidora, y la historia es simplona a más no poder.

Este último defecto es a su vez una de las mayores virtudes de la película. El hecho de que no se hayan roto mucho la cabeza a la hora de idear la trama -desconozco si se trata de un argumento sacado de uno de los comics-, facilita que la cosa fluya adecuadamente y que el ritmo no decaiga nunca; posibilitando que se vayan acumulando gags y escenas de acción de manera continuada durante toda la película.

Con dos antecesoras como las que tiene -la primera de mucho más nivel que la segunda-, era obvio que no íbamos a estar delante de una cinta de ciencia ficción sesuda o de una comedia plagada de chistes inteligentes. La película no engaña a nadie, es lo que es: bichos raros, escenas de acción cómicas, chistes para todos los públicos, y Will Smith en plan estrella.

Y digo Will Smith porque en esta tercera entrega Tommy Lee Jones se echa a un lado -se ve que le ha vuelto el sentido común-, y le cede el protagonismo a Josh Brolin -tendrá que pagar la hipotéca-, el cual cumple ampliamente con su cometido hasta convertirse en uno de los mayores atractivos de la película, perfecto en su papel de K en sus años mozos.

Obviamente esta no es una película para aquellos que quieran ver algo más que un mero divertimento medianamente efectivo, pero para aquellos que solo quieran pasar un buen rato mientras que se resguardan de las altas temperaturas, la película cumple su objetivo.

David Sancho

Un feliz acontecimiento

6/10

Un heureux événement (Francia-Bélgica, 2011).

Dirección: Remi Bezançon.

Intérpretes: Louise Bourgoin, Pio Marmaï, Josiane Balasko, Thierry Frémont, Gabrielle Lazure.

Guión: Vanessa Portal, Remi Bezançon; sobre la novela de Eliette Abecassis.

Música original: Mark Snow.

Fotografía: Antoine Monod.

Montaje: Sophie Reine.

Idioma: Francés.

Duración: 107 minutos.

¿Quiero ser mamá?

Tras Declaración de guerra (Valérie Donzelli, 2011), llega a nuestras pantallas otra película francesa sobre la maternidad. Ambas tienen en común un fuerte componente autobiográfico (una versa sobre las experiencias de su directora, y la otra refleja las vivencias de escritora de la novela en la que se basa). Y las dos contienen una visión sobre lo extremadamente dura que puede ser la maternidad.

En la película de Donzelli la dificultad venía impuesta por la enfermedad de un bebé que se debatía entre la vida y la muerte. El intenso desgaste era lógica consecuencia de la terrible incertidumbre. Pero en Un feliz acontecimiento es la propia maternidad la que supone un duro reto del que no siempre sale airosa nuestra protagonista.

Ahí está el gran valor del film. En la honestidad de reconocer que ser madre no es un camino de rosas, en el que todo es felicidad. Lejos de la visión idealizada que el cine siempre ha dado sobre el tema, nos encontramos con este adecuado y doloroso contrapunto. Tener un hijo es una experiencia que remueve los cimientos de la existencia, y que pone fin a la vida de joven pareja feliz. La despreocupación y la inmadurez ya no tienen cabida en el nuevo ecosistema

Y eso es algo que tiene que sufrir especialmente ella, ya que el padre siempre tiene la opción de quedar algo más aparte, y mantener cierto estatus de irresponsabilidad. El film también se preocupa por hablar mucho sobre el sentimiento de soledad que conlleva todo el proceso maternal. Aunque en muchas ocasiones lo haga de forma más bien burda, en secuencias que buscan con descaro las situaciones de contraste. Un esquematismo que también se pone en marcha para contraponer la situación de pareja antes y después del acontecimiento.

Estas líneas de trazo grueso son las que impiden que el film quede redondo. Eso sí, el meollo de la cuestión no puede estar mejor retratado. La tensión interna que vive Barbara se nos muestra tan a flor de piel que casi la sentimos nosotros con ella. A ello ayuda el excelente trabajo de una entregada Louise Bourgoin. La actriz transmite con fuerza la alegría que supone tener un hijo (que no todo es angustia, ni mucho menos). Pero también algo que es casi tabú: no siempre una mujer se alegra de haber tomado esa decisión. Algo, por otra parte, muy lógico. La honradez de reconocer la propia debilidad siempre es una virtud a tener en cuenta.

Manuel Barrero Iglesias

Profesor Lazhar

6/10

Monsieur Lazhar (Canadá, 2011).

Dirección y guión: Philippe Falardeau.

Intérpretes: Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Marie Ève Beauregard, Vincent Millard.

Música original: Martin Léon.

Fotografía: Ronlad Plante.

Montaje: Stéphane Lafleur.

Idioma: Francés, inglés, árabe.

Duración: 94 minutos.

La escuela de la vida

No son pocos los filmes que han retratado la figura de un maestro ejemplar que cambia la vida de sus alumnos gracias a sus magníficas habilidades. Desde producciones hollywoodienses a trabajos- suelen ser franceses- que tratan de pegarse a la realidad. En cualquier caso, el gran referente siempre suele ser el profesor. Cierto es que la relación acaba siendo bidireccional, y que tanto aprende el enseñante de sus alumnos, como al contrario.

Profesor Lazhar da la vuelta a la tortilla, y coloca a los alumnos en posición dominante. Es el maestro el que empieza desorientado y errático (cosa que se explica en uno de los varios giros de guión que tiene la película). Y son los alumnos los que “dan lecciones” al adulto. Por supuesto, la cosa terminará siendo recíproca, y Lazhar conseguirá influir de forma decisiva en la vida de alguno de sus discípulos. Pero da gusto ver el tratamiento que de los niños aquí se hace.

Una film que no renuncia al tono amable a pesar de la dureza que encierra. La primera secuencia -probablemente la mejor del film- nos muestra con crudeza, a la vez que sensibilidad, un hecho trágico que marcará el devenir de lo miembros de una escuela. Especialmente uno de ellos. La llegada de un nuevo elemento hace que se crucen dos recorridos trazados por el trauma.

Falardeau opta por jugar con la intriga y la parsimonia para ir desvelando los secretos que guardan ambos personajes. Con la suficiente habilidad de no caer en recursos tramposos, el autor mantiene al espectador en vilo con esa omnipresente sensación de incomodidad.

Una película delicada, con un excelente trabajo actoral, pero que quizás pone demasiado empeño en dejar perfectamente cerrado cada uno de los frentes abiertos. 

Manuel Barrero Iglesias

Festival Cannes 2012

Cumplía ya su 65 aniversario el más famoso festival de cine del planeta. Cannes se inauguró el pasado 16 de mayo. Después de doce intensos días, ya tenemos el veredicto del jurado presidido por Nanni Moretti.

El austríaco Michael Haneke repite Palma de Oro solo tres años después de haberla ganado por La cinta blanca. En esta ocasión, con Amour, un film rodado en francés y protagonizado por Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert, entre otros.

Tras Gomorra, Matteo Garrone consigue que su Reality se alce con el Gran Premio del Jurado. Un muy discutido galardón, al igual que el de Mejor Dirección para Carlos Reygadas por Post Tenenbras Lux, película que se llevó el mayor número de abucheos en su proyección.

El film rumano Dupa dealuri consiguió doblete (o triplete), gracias al guión de Cristian Mungiu y al premio ex aequo para sus dos actrices protagonistas: Cristina Flutur y Cosmina Stratan. El premio al mejor actor fue para el danés Mads Mikkelsen por Jagten.

The Angel's Share hizo que Ken Loach se fuera a casa con el Premio del Jurado. Mientras, el mejor cortometraje fue  para Sessiz-be deng.

Palmarés completo

Estrenos España: 25 mayo 2012

Esta semana destacamos el estreno de Los niños salvajes, quinto largometraje de Patricia Ferreira. La directora se atreve con la adolescencia complicada, en un film que tiene su mayor valor en los trabajos de sus tres jóvenes protagonistas.

El otro estreno español es Ni pies ni cabeza, comedia policial dirigida por Antonio del Real (Desde que amanece, apetece).

La oferta documental llega con Plastic Planet, película que advierte sobre los peligros que se derivan del uso y abuso del plástico en nuestra vida cotidiana. 

Grimunho, imaginando la vida es un film brasileño de enorme belleza visual no apto para impacientes.

Las comedias ligeras hablan francés. La canadiense Starbuck recurre al eterno mito peterpanesco para construir una película a partir de una inverosímil anécdota: un antiguo donador de semen compulsivo descubre que tiene 533 de los cuales 142 quieren conocerle. La francesa El arte de amar recurre a la estructura episódica para hablar sobre el amor, aunque sin dejar el tono amargo de fondo.

Terminamos con los estrenos estadounidenses. La tercera entrega de Men in Black viene en 3D y dispuesta a animar la taquilla, una década después de la segunda parte. Scott Hicks (Shine) dirige el melodrama romántico Cuando te encuentre.

El arte de amar

8/10

L'art d'aimer (Francia, 2011)

Dirección y guión: Emmanuel Mouret.

Intérpretes: Pascale Arbillot, Ariane Ascaride, Frédérique Bel, François Cluzet, Michael Cohen, Julie Depardieu, Judith Godrèche, Louis-Do de Lencquesaing, Philippe Magnan, Stanislas Merhar, Elodie Navarre, Laurent Stocker de la Comédie Française, Gaspard Ulliel, Philippe Torreton.

Música original: Frédéric Norel.

Fotografía: Laurent Desmet.

Montaje: Martial Salomon.

Idioma: Francés.

Duración: 85 minutos.

El arte de hacer cine

El cine europeo viene presentando desde hace un tiempo varios intentos de realizar comedias ligeras que lleguen a un público mayoritario, pero pocas han conseguido el éxito, quizá la lista pueda prácticamente reducirse a la francesa Paris, je t'aime (Varios, 2006) y la italiana Manuale d'amore (Giovanni Veronesi, 2005).

El arte de amar llega a las pantallas españolas cuando está a punto de llegar el verano, ofreciéndonos varias historias de amor con la frescura necesaria para pasar los días de calor que se nos avecinan. Con esta película, Emmanuel Mouret (que compagina sus trabajos de actor y de director, y que tiene un papel en la cinta) tiene la receta del éxito, pero no sabemos si lo conseguirá.

El cine europeo en general, y el francés en particular, tiene la habilidad de, incluso en las comedias más divertidas, dejarnos con un sabor algo amargo. Y esta cinta lo hace desde el primer instante. La historia de Laurent, el compositor que busca sentir la melodía del amor; la paciencia, siempre paciencia de Achilles con su sexy vecina... incluso una de las historias más dulces, la de Vanessa y William, amigos y confidentes además de amantes, queda ensombrecida por la presencia de la mentira. Pero se trata de una comedia, en la que a pesar de estos detalles; y del amor puro como el que comparten Emmanuelle y Paul, quienes aceptan lo que sea con tal de seguir juntos (y el momento de aceptarlo hace que todo lo demás deje de ser importante), los gags cómicos predominan y nos llevan cómodamente por los 85 minutos de metraje, sin dar lugar al aburrimiento.

La película, ganadora del premio a mejor guion original en el Montreal World Film Festival, se divide en fragmentos de cinco historias; presentado cada fragmento por una cita que anticipa lo que vamos a ver, y que puede aplicarse a distintas situaciones. Lo que quiere contar, finalmente, es cómo las personas buscan y luchan por el amor en las situaciones más diversas; y, acertadamente o no, cómo el sexo es parte inseparable del amor.

Alicia Ortega

TRAILER

Atlántida Film Fest 2012

El pasado mes de abril se celebró en la plataforma digital Filmin la segunda edición de su festival de cine on-line, una plataforma a través de la cual cada vez más gente puede descubrir cine que, en muchos casos, es invisible.

La boliviana Zona sur fue la gran triunfadora de una sección oficial compuesta por películas rodadas en español. El documental español La roca también se llevó premio por parte del jurado. Sin duda, merecidos premios para las dos mejores películas que se presentaron a concurso. Por su parte, el premio del público fue para Un mundo cuadrado, del andaluz Álvaro Begines (¿Por qué se frotan las patitas?)

Os dejamos con una reseña de todas y cada una de las películas proyectadas en el festival, escritas por nuestro colaborador Javier Cano. Algunas de ellas, las podéis ver en Filmin.

Toomelah (Ivan Sen, 2011)

Una visita a través de los ojos de un niño a "otra Australia". Una misión es el escenario esta vez para ver los estragos de la llamada llegada de la civilización, en lo que podría llamarse el perímetro de la misma o la puerta de atrás, de esas puertas de atrás donde se sacan las basuras, para que no sean visibles para los clientes. Impresionante actuación la del niño. Impresionantes primeros planos, instantáneas de miradas vacías, perdidas, pozos vacíos fruto del robo del pasado, su cultura, su tierra, su lengua. Enviados en paquete certificado a la gran modernidad o a la parte trasera de la misma. Impresionante cine denuncia. Lo mejor los planos de las fotos en el colegio. Lo peor el abuso de los enfoques/desenfoques debidos al uso de una cámara de fotos reflex como soporte de grabación, en momentos esto me saca por injustificado, en otros momentos fotografía increíble, lo dicho en otro lado, éste es el único pero: somos los (camarógrafos) nuevos ricos de la ínfima profundidad de campo. 8.5

The Green Wave (Ali Samadi Ahad, 2011)

Documental. Es cine revolucionario, de denuncia, de rebelión, es un cine que es arma política. Brutal en su contenido, duro y necesario. Con una combinación entre animación para las recreaciones más infilmables e imagen real para las entrevistas, apoyado de forma genial por las imágenes de esos móviles y pequeñas cámaras, verdaderas armas del pueblo ante la cada vez más común opresión en el supuesto siglo de las libertades y los derechos humanos. La realidad: el siglo de las corporaciones, el poder de las oligarquias financieras. Los países ya no están gobernados por partidos políticos sino por empresas. Pero nada está perdido. Este documental sentará precedentes, al usar las verdaderas armas del pueblo de forma tan acertada en el global: posts de blogs, twitter, sms, conversaciones, grabaciones de cámaras de móvil... La verdad será conocida. La revolución sí será retransmitida. Éste no es recomendable, es de obligado visionado. Lo mejor del Atlántida Film Fest. 9

Jonah Hill: Progresando adecuadamente

Reconozco que he tardado bastante en cogerle cariño a Jonah Hill. Al principio me parecía un actor limitadísimo al que no le veía la más mínima gracia, para con el tiempo pillarle el punto, y hasta esperar algunos de sus proyectos con ansia.

Sus inicios no eran del todo prometedores, papeles secundarios en comedias de medio pelo (Dame 10 razones, Clic o Accepted) y alguno en películas de cierto nivel (Vírgen a los 40 o Lío embarazoso). La cosa comenzó a cambiar cuando en 2007 protagonizó la comedia de Greg Mottola, Supersalidos, junto a Michael Cera y Christopher Mintz-Plasse. Una película con la que me pasó lo mismo que con Jonah. Al principio no le pillaba el punto, y ahora mismo es una película que me gusta revisitar de vez en cuando. Una comedia generacional tan divertida como amarga, que a su vez elevaba mi estima hacia Seth Rogen -en su caso como guionista-, ya que como actor a este aun sigo sin tenerle excesivo aprecio.

Supersalidos hizo que los estudios comenzasen a tenerle más en cuenta, consiguiendo papeles secundarios de importancia en películas como la divertida Paso de ti y la irregular, aunque interesante, Hazme reír; y protagonistas en películas con bastante enjundia como Cyrus y Todo sobre mi desmadre.

En Cyrus interpretaba a un hijo que se niega a que su madre tenga vida sentimental, haciéndole la vida imposible al nuevo novio de esta. Esta tal vez sea mi interpretación favorita de Jonah, primera incursión en la comedia dramática, obteniendo unos resultados más que satisfactorios. Además, la película en sí tenía bastante nivel, con un reparto acertadísimo y la presencia de los hermanos Duplas como directores y guionistas por tercera vez, confirmándoles como dos tipos a los que había seguirles la pista.

Todo sobre mi desmadre era una especie de secuela de Paso de ti, o más bien un spin off de Aldous Snow; el personaje interpretado por Russell Brand que no generaba las risas de aquel film, pero que entretenía durante todo su metraje. Para mi recuerdo, la escena en la que el personaje de Jonah Hill le pone una canción de The Mars Volta a su novia, personaje interpretado por Elisabeth Moss. Por la canción y las caras de Jonah Hill mientras la escucha, bien merece la pena echarle un ojo a la película.

El prestigio como intérprete le llegó con Moneyball, película que protagonizó junto a dos pesos pesados como Brad Pitt y Philip Seymour Hoffman; y que le valió una nominación para los Globos de Oro y otra para los Oscars de 2011. La película tuvo bastante éxito de crítica -el de público fue más discreto-, y los mayores halagos fueron a recaer en la interpretación de Jonah y el guión de Sorkin y Zaillian (ambos, en mi opinión, sobrevalorados). La película es considerablemente mejor que la media dentro de su filmografía, pero quedaba lejos de La red social, cinta con la que continuamente se la comparaba debido a la coincidencia de guionista.

Su creciente importancia dentro de la industria le permitió crear la serie de animación Allen Gregory junto a Jerrad Paul y Andrew Moguel, donde a su vez ponía la voz al personaje protagonista. La serie fue emitida por la cadena Fox, pero simplemente durante siete episodios, ya que los bajos niveles de audiencia cosechados llevaron a la cadena a cancelarla de manera apresurada. La idea era original y el piloto medianamente gracioso, pero la cosa se fue desinflando poco a poco y se vieron incapaces de conservar al público.

Su mayor éxito comercial le llegaría hace unos meses con el estreno de Infiltrados en clase, en la cual ejercía, a la vez que como protagonista, de productor ejecutivo y co-guionista. El remake de la popular serie ochentera protagonizada por Johnny Depp superó las expectativas y encandiló a crítica y público, gracias a un puñado de chistes efectivos y a la química de Jonah con Channing Tatum.

Pero si por encima de todo hay algo que ha hecho que Jonah Hill me haya caído especialmente simpático últimamente, son sus apariciones en los Late night shows americanos. Especialmente mítica considero su participación en Late Night with Jimmy Fallon cuando promocionaba Moneyball. Sobre todo su ataque a mi odiado Matthew Morrison, protagonista de la horrible Glee. Y su participación en Late Show with David Letterman también promocionando Moneyball, especial atención al intercambio de putadas entre este y Brad Pitt, antológico. También son cien por cien disfrutables cada una de sus apariciones en The late late night show with Craig Ferguson, tanto por él como por lo genial de su presentador (¿a que no se nota mi fanatismo hacia Craig Ferguson?).

Próximamente podremos verle en un puñado de proyectos a priori muy interesantes. Desde la comedia The Watch junto a Ben Stiller, Vince Vaughn y Richard Ayoade; hasta el drama de Scorsese, The Wolf of Wall Street junto a Leonardo DiCaprio, donde podrá demostrar si lo que la gente dijo de él en Moneyball estaba justificado o si era flor de un día. A estos hay que sumarle unos cuantos proyectos más entre los que destacan las secuelas de Zoolander e Infiltrados en clase.

Por ahora tengo confianza en Jonah Hill y es sus proyectos futuros, aunque creo que existe la posibilidad de que se vaya desinflando si no se afianza en los papeles dramáticos y se desencasilla en los papeles cómicos. A ver qué pasa.

David Sancho

Taquilla España: 18-20 mayo 2012

Pocas variaciones en la taquilla de esta semana. Sombras tenebrosas sigue dominando las recaudaciones con 1,38 millones más. También repiten puesto Los vengadores (0'91) y American Pie: El reencuentro (0'62).

También en esa cifra se mueve la primera novedad la encontramos en cuarta posición, con La sombra de la traición. Los otros dos estrenos que se cuelan en el Top Ten son Profesor Lazhar, que consigue un meritorio séptimo puesto con 0'29 millones; y Los cachorros y el código de Marco Polo que cierra con 0'18.

El resto de filmes que completan el cuadro de honor han tenido descensos bajos, o incluso subidas. Los juegos del hambre (5ª) e Infiltrados en clase (6ª) se han movido sobre los 0'30 millones. Mientras, Intocable (8ª) y Safe (9ª) lo hacen en los 0'20.

Estrenos España: 18 mayo 2012

Un feliz acontecimiento es una película francesa que retrata la maternidad desde un punto de vista mucho menos idealizado del que nos tienen acostumbrado. Un film sobre las inseguridades y las infelicidades de ser mamá.

Desde Canadá nos llega Profesor Lazhar, nominada en la pasada edición de los Oscar al premio como mejor película de habla no inglesa. Película de traumas escondidos y sensibilidades a flor de piel, con entrañable relación maestro-alumnos por medio.

El estreno español de la semana es Hijos de las nubes. La última colonia, un documental que se preocupa por contar lo que ocurre en el Sahara Occidental. Y de Italia proviene la cinta de animación infantil Los cachorros y el código de Marco Polo.

Por último, dos estrenos made in USA. El thriller La sombra de la traición, una convencional cinta de espionaje protagonizada por Richard Gere. Y El canguro, comedia de David Gordon Green protagonizada por Jonah Hill.

Miss Bala

4/10

Miss Bala (México, 2011).

Dirección y montaje: Gerardo Naranjo.

Intérpretes: Staphanie Sigman, Noe Hernández, Irene Azuela, Jose Yenque, James Russo.

Guión: Gerardo Naranjo, Mauricio Katz.

Música original: Emilio Kauderer.

Fotografía: Mátyás Erdély.

Idioma: Español, inglés.

Duración: 113 minutos.

México lindo

Gerardo Naranjo se propone hacer un retrato de la dantesca situación en el actual México a través de una inocente joven aspirante a Miss Baja California. Todo el film gira en torno a esta idea, y así vemos como la protagonista entra en una turbulenta espiral de la le resulta imposible escapar.

Pero la mirada de Naranjo siempre se muestra contenida, huyendo de la fácil tentación que sería caer en la violencia más truculenta. La perplejidad de Laura pasa de la incredulidad al miedo, siempre en un estado de tensión sostenido. Violencia hay, claro que sí. Pero el director la dosifica muy bien.

Y es que una de sus mayores virtudes es que rara vez se equivoca de lugar en el que hay que poner la cámara, con un gusto por los planos largos que nos regala momentos de muy buen cine. El problema es que el tono general del film queda desdibujado por culpa de un excesivo metraje que contiene demasiados altibajos en su ritmo.

Eso sí, el trabajo de Stephanie Sigman es tremendo. Con toda la sutilidad del mundo refleja en su rostro la desorientación creada por la azarosa situación en la que se ve envuelta. Y es que el México actual es un lugar en el que te puedes ver envuelto en un marrón de cuidado sin comerlo ni beberlo. Cuando la vida humana apenas tiene valor.

Manuel Barrero Iglesias

Taquilla España: 11-13 mayo 2012

Magnífico dato para Tim Burton que coloca sus Sombras tenebrosas en primer lugar con 1'87 millones recaudados en el fin de semana. Los vengadores desciende hasta el segundo puesto, con una cifra que supera el millón, para un total que va camino de los 13. El podio lo completa American Pie: El reencuentro, con 0'89.

A partir de aquí, las cifras son bastante pobres para el peor fin de semana del año (apenas 6 millones en total). Otro estreno como Infiltrados en clase debuta en quinta posición con 0'34 millones, cifra algo inferior a la Los juegos del hambre que se coloca cuarta.

Intocable llega a su décima semana, y acumula otros 0'27 millones. Ya se acerca a los 15, y con muchas posibilidades de vencer en la pelea con Los vengadores como la más taquillera de esta primera mitad de año.

Safe desciende en su segunda semana hasta los 0'26 y La pesca del salmón en Yemen en su cuarta semana suma 0'13 más.

Cierran el Top Ten dos filmes que no llegan ni a los cien mil euros. The Pelayos y el estreno Un lugar donde quedarse, ambos en torno a los 85.000.

Donna Summer: 31/12/1948-17/05/2012

Su trayectoria en el cine se reduce a un único título: ¡Por fin, ya es viernes!, una comedia musical en la que interpretaba varios temas. Entre ellos 'Last Dance'; canción que conseguiría ganar el Oscar de 1978 derrotando a la famosa 'Hopelessly Devoted to you' (Grease). Muy puntualmente, apareció en alguna serie de televisión (un par de episodios de Cosas de casa y poco más).

Pero sus canciones, ya sea en su faceta de cantante o en la de compositora, han aparecido en más de un centenar de títulos. Y es que Donna Summer lleva poniendo banda sonora a nuestras vidas durante más de cuarenta años. Y lo que queda. A pesar de que un cáncer nos la haya arrebatado a la edad de 63 años.

Un lugar donde quedarse

4/10

This Must Be the Place (Italia-Francia-Irlanda, 2011).

Dirección: Paolo Sorrentino.

Intérpretes: Sean Penn, Frances McDormand, Judd Hirsch, Eve Hewson, Kerry Condon.

Guión: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello.

Música original: David Byrne, Will Oldham.

Fotografía: Luca Bigazzi.

Montaje: Cristiano Travaglioli.

Idioma: Inglés, hebreo.

Duración: 118 minutos.

Road Glam Movie

Sorrentino alcanzó fama mundial con su anterior película, ese efectista retrato de Giulio Andreotti llamado Il Divo (2008). Como no podía ser de otra forma, la transformación física de su protagonista (Toni Servillo) es uno de los pilares en los que se sustenta el film. Y parece que el director le ha cogido el gusto a eso de que el actor principal sufra radicales conversiones.

En su primera aventura en inglés, Sorrentino convierte a Sean Penn en una especie de Robert Smith desvencijado. Un lugar donde quedarse empieza como el retrato de una estrella de rock retirada que vive de las rentas, y que se niega a crecer a pesar de haber sobrepasado con creces la cuarentena. La irritante caricatura que perpetra Penn no ayuda a que su personaje se muestre más cercano, o humano. Ni siquiera cuando emprende ese viaje que supondrá un cambio fundamental en su vida.

Sí, el director se saca de la manga una road movie con el holocausto judío al fondo. Una búsqueda sin sentido, en la nadie sabe cómo se llega al punto en el que Cheyenne se encarga del 'trabajo' que su padre había realizado durante toda su vida. Así que -aparte de privarnos de la maravillosa presencia de Frances McDormand- el espectador se queda un tanto atónito ante un plomizo viaje, amenizado únicamente por algunos de los secundarios que lo puntean (hablo especialmente de Kerry Condon).

Ni esa búsqueda en las dolorosas raíces, ni los traumas que el protagonista mantiene relacionados con la pretérita muerte de dos adolescentes; componen un material que posea un mínimo de interés. La indudable capacidad visual de Sorrentino no basta para levantar un producto que cojea demasiado en numerosos frentes.

Manuel Barrero Iglesias

Sombras tenebrosas

5/10

Dark Shadows (USA, 2012)

Dirección: Tim Burton.

Guión: Seth Grahame-Smith, John August; sobre la serie de televisión creada por Dan Curtis.

Intérpretes: Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Eva Green, Jackie Earle Haley, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz.

Música original: Danny Elfman.

Fotografía: Bruno Delbonnel.

Montaje: Chris Lebenzon.

Idioma: Inglés.

Duración: 113 minutos.

Sombras burtonianas

Tras el descalabro artístico que supuso su fosilizada versión de Alicia en el país de las maravillas, Tim Burton parece querer recuperar las señas de identidad que lo consagraron como un autor fundamental durante las dos últimas décadas del siglo pasado. Pendiente de estreno está Frankenweenie, largometraje animado inspirado en el cortometraje de acción real que el mismo Burton hizo en 1984.

La otra apuesta de este 2012 ya he llegado a las salas, y se trata de la adaptación de un serial gótico creado en los 60 por Dan Curtis. Con brujas y vampiros, pero prescindiendo del carácter solemne del material televisivo, Burton conduce su film por los caminos de la comedia y el (relativo) desmadre. Un intento por recuperar el espíritu gamberro y burlón que conquistó al público que vio Bitelchús.

Pero Burton no es el que era. Le falta frescura. Siempre ha sido un autor muy irregular, pero admirable en su anarquía creativa. La madurez no le sienta nada bien a un autor que siempre tiene que dar rienda suelta a su lado más adolescente para sacar lo mejor de sí mismo. Y, por desgracia, parece que cada vez le cuesta más.

Como ejemplo, estas Sombras tenebrosas, un continuo “quiero y no puedo”. Ese aire a La familia Monster no es suficiente, y el film falla con estrépito en unos personajes con nula gracia. Se agradece ver a Depp más comedido de lo que nos tiene acostumbrados en los últimos tiempos. Su personaje debe funcionar en torno al contraste temporal, algo a lo que no se saca el suficiente jugo. Michelle Pfeiffer deambula por la mansión sin saber muy bien qué hacer, Bonham-Carter cumple a duras penas, de Heathcote hasta me había olvidado ya, y el rol de Haley está totalmente desaprovechado. Eso sí, Chloë Grace Moretz sigue confirmando que se va a convertir en una impresionante actriz.

Solo la bruja que encarna Eva Green le pone un poco de pimienta al asunto. Una villana adorable que encarna la sensualidad a flor de piel. El enfrentamiento entre la luminosa carnalidad y la palidez del amor puro e idealizado es lo único que nos rescata de la monotonía general en la que se ve envuelta el film.

Pero es que ni el humor hace reír, ni la acción hace vibrar. Todo parece rutina, y eso es lo más preocupante que le puede pasar a alguien como Burton. Estoy seguro de que ha intentado poner lo mejor de sí mismo, pero lo triste es que no llega. No sé si el problema es que se está haciendo viejo, o estamos ante un bache temporal. Lo cierto es que este primer asalto de la reconquista no ha sido nada halagüeño. Aun siendo superior a su Alicia (como no serlo), Sombras tenebrosas se queda en una peligrosa tierra de nadie.

Manuel Barrero Iglesias