Martha Marcy May Marlene

6/10

Martha, Marcy May Marlene (USA, 2011).

Dirección y guión: Sean Durkin.

Intérpretes: Elizabeth Olsen, Sarah Paulson, John Hawkes, Hugh Dancy, Julia Garner.

Música original: Daniel Bensi, Saunder Jurriaans.

Fotografía: Jody Lee Lipes.

Montaje: Zachary Stuart-Pontier.

Idioma: Inglés.

Duración: 102 minutos.

Sin identidad

Martha. Una identidad destrozada y aniquilada. Una identidad que nuestra protagonista trata de reconstruir con las pocas herramientas que aún le quedan al alcance. Y la ayuda maternal de una hermana que repite ese nombre constantemente. De su pasado, sabemos poco. Que lo pasó mal. Abandono paterno y orfandad materna. ‘Martha’ es el pasado lejano. Pero también el proyecto de futuro. Volver a construir sobre los escombros.

Marcy May. Hay gente que es presa fácil para las sectas. Y los líderes sectarios conocen todo tipo de trucos para atrapar a los incautos. Empezando por el literal cambio de identidad, concretizado en un cambio de nombre. La ruptura total con todo atisbo del pasado. Y esa manipulación obscena que hace sentir ‘especial’ al débil. Aquel que ha sufrido durante toda su vida, al fin se siente importante. Al fin siente que es parte de algo.

Marlene. Aunque ese algo sea una falacia. Todo trabajo sectario tiene como objetivo despojar de individualidad a sus miembros. ‘Marlene’ es el nombre con el que contesta cualquier mujer que coge el teléfono en aquella prisión voluntaria. Esa especie de harén comunal en las que todas acaban siendo la misma. Un instrumento sexual/procreador para el líder.

Un doloroso recorrido que trata de recomponer una personalidad mutilada y machacada desde casi todos los ángulos posibles. Un tenso montaje paralelo en el que se alterna el presente como última esperanza frente a los flash-back que muestran la traumática estancia en la infernal granja.

Siempre de forma muy comedida, pero con una atmosfera desasosegante que nunca deja tranquilo al espectador, todo rematado con un turbador final. El espléndido trabajo de Elizabeth Olsen es fundamental para ayudarnos a creer esta historia de ser vulnerable que se resiste a caer en las garras del abismo.

Otro retrato más de la América profunda, y de los monstruos escondidos por los rincones del mundo. Y la falta de habilidad que el ser humano demuestra a la hora de afrontar sus propias miserias, o las de los que les rodean.

Manuel Barrero Iglesias

Los juegos del hambre

5/10
The Hunger Games (Usa, 2012).

Dirección: Gary Ross.

Intérpretes: Stanley Tucci, Wes Bentley, Jennifer Lawrence, Paula Malcomson, Josh Hutcherson.

Guión: Gary Ross, Suzanne Collins, Billy Ray; sobre la novela de Suzanne Collins.

Música original: James Newton Howard.

Fotografía: Tom Stern.

Montaje: Christopher S. Capp, Stephen Mirrione, Juliette Welfling.

Idioma:  Inglés.

Duración: 142 minutos.

Otra saga más para adolescentes

Los Juegos del Hambre sigue la estela de las adaptaciones de sagas literarias para jóvenes. Y aunque tratado de forma algo superficial, es un buen acercamiento crítico a los excesos de los reality shows y su supuesta realidad por un lado; y por otro, a los juegos manipuladores del poder para mantener su posición dominante y acomodada sobre una parte de la población oprimida y explotada.

Claramente dirigido al público adolescente, esto supone una gran limitación para la forma en la que se presenta la película. Lo que puede provocar que cierto público adulto sienta que falta ir algo más allá. Aunque desde la dirección hay un intento de salirse un poco de lo convencional usando en ciertos momentos la cámara en mano, o cambios en la fotografía para remarcar las diferencias entre un contexto y otro; el film no llega a convencer. El resultado final deja bastante que desear, sobre todo en las escenas de acción, en las que el uso abusivo de planos cortos y cerrados las hacen confusas y resulta difícil saber qué está pasando.

En teoría, los libros están basados en el mito de Teseo y el Minotauro, donde el monstruo sería el “reality show” que devora a los jóvenes de los distritos oprimidos. Pero en su adaptación fílmica se hacen más patentes otras semejanzas. Es casi inevitable la comparación con Perseguido o Battle Royale (ambas basadas también en obras literarias) respecto al planteamiento, aunque quitando mucha sangre y gore. Cuando se nos muestra el lugar desde el que Séneca mueve los hilos de los juegos es difícil no acordarse de El Show de Truman. Y hasta se pueden vislumbrar en sus pequeños momentos de romance adolescente destellos de Crepúsculo. Aunque afortunadamente estos momentos son mínimos, y no caen en el pasteleo de la saga vampírica.

Las semejanzas con estos precedentes no supondrían realmente un problema si la película se hiciera con una personalidad propia, algo que no se consigue a pesar del esfuerzo de los actores; resultando una mezcla descafeinada de sus precedentes. Pero no hay que olvidar el público al que está dirigida. Sin duda, Los Juegos del Hambre tiene mucho más contenido, valores y temas de reflexión que los productos anteriores que se han ido haciendo en estos últimos años para ellos. Lo cual es de alabar.

M. Lofish

La fría luz del día

2/10

The Cold Light of Day (Usa, 2012).

Dirección: Mabrouk El Mechri.

Intérpretes: Henry Cavill, Bruce Willis, Sigourney Weaver, Verónica Echegui, Joseph Mawle.

Guión: Scott Wiper, John Petro.

Música original: Lucas Vidal.

Fotografía: Remi Adefarasin.

Montaje: Valerio Bonelli.

Idiomas: Inglés, español

Duración: 93 minutos.

Liándola parda en Madrid

Tras conseguir con JCVD ganarse el corazón de los fans del cine de acción a través de la redención de uno de los principales protagonistas de este género en los 80 y 90 (Jean-Claude Van Damme), se esperaba con cierta ilusión el nuevo trabajo -y salto a Hollywood- del francés Mabrouk El Mechri. Otra vez de la mano de una vieja gloria, aunque en esta ocasión sin necesidad de rescate, ya que Bruce Willis se mantiene con cierta dignidad en el cine actual. El actor queda aquí como un mero padrino que da el relevo a las nuevas generaciones, corporeizadas en un musculoso Henry Cavill (al que próximamente le veremos embutido en las mallas de Superman). Pero si este es el relevo en el cine de acción ‘made in Hollywood’, mal futuro nos espera.

Si Willis es el padrino, Sigourney Weaver ejerce de madrina. Ésta sí, dándole su apoyo al joven aspirante a lo largo de toda la cinta, aunque tampoco sirva para mucho. Y como representación autóctona una desaprovechada Verónica Echegui, y un pintoresco Oscar Jaenada como dueño de una gran discoteca.

En este supuesto thriller de acción la tensión se diluye con tantas idas y venidas de sus protagonistas, perdidos por las calles de Madrid. Y he aquí otra desventaja para la película, especialmente para las pantallas castizas: en los movimientos espacio-temporales de los protagonistas por la ciudad se rompe la verosimilitud, y sacan de la película al espectador al ser las localizaciones demasiado reconocibles. Aunque se intente, no es fácil obviar que no se puede llegar a la carrera en cinco minutos de Ciudad Universitaria a la Plaza Mayor. O que por una reconocible selva tropical de la estación de Atocha se salga a Sol.

Lo que sería anecdótico si nos encontráramos ante una película bien estructurada, con una trama sólida, y unos personajes potentes; en este caso resulta esperpéntico. Y para más inri, esa publicidad sin pudor de una conocida discoteca de Madrid. Una tomadura de pelo sin pausa, de la que el espectador solo puede sacar provecho si la toma con humor. Al menos, no cae en unos tópicos demasiado marcados; o barbaridades como la quema de santos en la Semana Santa de Sevilla de Misión Imposible 2 o los Sanfermines sevillanos de Noche y Día.

M. Lofish

Titanic 3D

6/10

Titanic (USA, 1997).

Dirección y guión: James Cameron.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Gloria Stuart.

Música original: James Horner.

Fotografía: Russell Carpenter.

Montaje: Conrad Buff IV, James Cameron, Richard A. Harris.

Idiomas: Inglés, francés, alemán, sueco, italiano, ruso.

Duración: 194 minutos.

The Heart of the Ocean

  

El 10 de abril de 1912, el Titanic partía de Southampton rumbo a Nueva York. Cinco días más tarde se hundía tras colisionar con iceberg provocando la muerte de más de 1500 personas. Justo cuando se cumple un siglo de este acontecimiento se reestrena Titanic (1997), de James Cameron; la versión más exitosa -y probablemente definitiva- sobre un hundimiento que previamente ya había dado lugar a otros filmes, tales como los firmados por Jean Negulesco y Roy Ward Baker en los años cincuenta.

Para la ocasión, Cameron presenta una versión remasterizada con el formato 3D aprovechando el éxito que cosechó con su última película hasta la fecha, Avatar (2009). A juzgar por el resultado, se trata de una estrategia puramente comercial, pues realmente no solo no aporta nada sino que incluso empeora el aspecto visual de una película que, lógicamente, no estaba diseñada para ser proyectada en tres dimensiones. Dejando al margen ese detalle, la espectacularidad de Titanic se mantiene intacta quince años después. Visualmente es portentosa gracias a una fotografía estupenda y a una recreación asombrosa del barco, y de cada uno de sus detalles.

Partiendo de la historia de amor juvenil entre dos pasajeros de diferente clase, Cameron nos enseña al completo el trasatlántico por dentro, haciendo un estudio muy somero de la época y los muy diferentes personajes que vivían en ella. Y radiografía los sueños de pasión y juventud en el contexto de un lugar idílico, el de un majestuoso barco tan presuntamente indestructible como los protagonistas creen que es su amor. A pesar de que dicha historia es bastante simplona y poco creíble, lo cierto es que la película se ve con interés y en ningún momento se resiente de su larguísima duración. Es justo, pues, reconocer la labor de un James Cameron que se desenvuelve maravillosamente en un terreno que, durante una parte importante del minutaje, está alejado del género predominante en su filmografía.

Todo lo contrario ocurre cuando la película vira al género de acción, momento en el que la calidad mengua considerablemente. La recreación del hundimiento es prodigiosa y está llena de emoción pero la trama principal sobrepasa los límites de lo defendible, alcanzando unas cotas de inverosimilitud y ridículo titánicas. Tampoco ayuda la sensiblería, el abuso del “My heart will go on” como leitmotiv y algún ralentí aislado. Con todo, el momento más lamentable por su manipulación emocional está reservado para el final: nada menos que un travelling recordatorio de todos los personajes que conoció el personaje protagonista.

Cabe resaltar en defensa de la película, además de los aspectos técnicos y el pulso narrativo, algunas escenas memorables, la transmisión de emociones y la estupenda interpretación de una joven Kate Winslet que dota de matices y personalidad al personaje de Rose (por cierto, personaje desde cuyo punto de vista la película está narrada, no siempre de manera correcta), reafirmando así una calidad interpretativa que ya había apuntado en películas como Jude o Sentido y sensibilidad.

Jorge Marugán

Estrenos España: 20 abril 2012

Destacamos esta semana los dos estrenos asiáticos, dos propuestas bien diferentes. El iraní Jafar Panahi rompe la prohibición de su gobierno, y realiza algo más que una film. Esto no es una película es toda una declaración de resistencia. Un tono mucho más amable presenta Kiseki, la última película del japonés Hirokazu Kore-eda (Nadie sabe). Una entrañable fábula protagonizada por los hermanos Maeda, estrellas infantiles en su país.

Dispuesta a arrasar en taquilla llega Los juegos del hambre, ciencia-ficción para adolescentes que utiliza el recurso (recuerden Battle Royale) de juego de supervivencia. El otro film procedente de USA es Soul Surfer, historia de superación basada en hecho reales: una famosa surfista que perdió un brazo por culpa de un tiburón-

El sueco Lasse Hallström nos trae una agradable comedia británica protagonizada por Ewan McGregor y cuyo curioso título es La pesca del salmón en Yemen. Y como no, un estreno 'rezagado'. La rumana Si quiero silbar, silbo; Gran Premio del Jurado en Berlín 2009.

Esto no es una película

8/10

In film nist (Irán, 2011).

Dirección y fotografía: Jafar Panahi, Mojtaba Mirtahsmasb.

Guión y montaje: Jafar Panahi.

Idioma: Persa.

Duración: 75 minutos.

El retorno de Jafar

Esto no es (solo) una película, que también. Es un grito desgarrado, un ejercicio de resistencia activa ante la injusticia.

Pongámonos en situación. En marzo de 2010, Jafar Panahi es detenido. No era la primera vez que resultaba encarcelado, pero en esta ocasión su libertad no iba a ser sencilla de conseguir. Los motivos de la detención, según el ministro de cultura iraní: “estaba haciendo una película contra el régimen en la que se mostraban los acontecimientos posteriores a las elecciones de 2009”.

Así, sin más. No tardó en llegar la reacción internacional, desde reputados cineastas hasta organizaciones como Amnistía Internacional. Especialmente, cuando el director inició una huelga de hambre que se prolongó durante 10 días. Finalmente, fue liberado bajo fianza. Sin embargo, en diciembre de 2010 fue condenado a seis años de prisión y 20 años de inhabilitación para hacer cine.

Esto no es una película se rodó tras esta sentencia, mientras el autor cumplía arresto domiciliario. Ahí reside su gran valor, en su carácter contestatario. Mientras tenga una cámara a mano, Panahi seguirá haciendo cine, por mucha prohibición que le hagan las autoridades de su país.

El film toma la apariencia de improvisado documental que narra un día en la vida del mismo Panahi. La brillante primera parte nos muestra la desesperación del cineasta secuestrado. Ante la imposibilidad de salir a la calle a hacer la película que quiere, el director nos la trata de contar. Con la alfombra de su casa como escenario, trata de reproducir la historia que no le dejan filmar. Aunque el entusiasmo se convierta en lógico abatimiento por la farsa.

Es entonces cuando este experimento se convierte en otra(s) película(s) distinta(s). Las conversaciones entre Panahi y su cómplice Mojtaba Mirtahsmasb son un continuo desafío humorístico a la prohibición. El uso imparable de las nuevas tecnologías como registradoras insobornables, se encuentra esa larga secuencia que Panahi graba con su teléfono móvil. Y también hay sitio para un 'paseo' por el mundo exterior, aun sin salir de casa. Basta con alguna llamada telefónica y los ruidos procedentes del exterior para hacer un pequeño retrato de la situación de todo un país.

Esta ingeniosa mezcla entre realidad y ficción nace de la necesidad. Y, desde ahí, se convierte en uno de los más sólidos filmes de su cineasta. Enlazando con El espejo (a la que el propio autor hace referencia), Esto no es una película se alza con un lúcido discurso formal que, además, es todo un golpe en la mandíbula de un régimen obsoleto.

Porque, no lo olvidemos, estamos ante un trabajo clandestino. Un film que salió de Irán en un pendrive, y que ya se ha podido ver en medio mundo. Por fortuna, a los irreductibles como Jafar Panahi nadie les podrá callar. Para eso, tendrán que matarlo.

Manuel Barrero Iglesias

Taquilla España: 13-15 abril 2012

Battleship desembarca con fuerza en la taquilla española, consiguiendo superar los 2 millones en su primer fin de semana. La película de Peter Berg es el único estreno que se ha conseguido meter entre las diez primeras.

Mientras, Intocable mantiene su segunda posición, volviendo a superar el millón de euros durante el fin de semana. Carrera imparable de la película francesa. La anterior líder, Lorax, se coloca en tercera posición con una cifra cercana al millón.

Por ahí anda también Titanic 3D, caso curioso, ya que aumenta sus cifras respecto a la semana pasada, y mantiene su cuarta posición. A bastante distancia cierra el Top 5 Ira de Titanes, con algo más de medio millón.

Cerca de esa cifra se queda la española Grupo 7, que aguanta más que bien el tipo en esta su segunda semana. Le sigue Todos los días de mi vida, otra película de sólida carrera en nuestras pantallas. Y otra que aguanta el tirón es El exótico Hotel Marigold, que asciende hasta la séptima posición con 0'36 millones.

Cierran dos títulos que ya empiezan a agotarse: Blancanieves (0'31) y, especialmente, La fría luz del día (0'28).

De Nicolas a Sarkozy

5/10

La conquête (Francia, 2011).

Dirección: Xavier Durringer.

Intérpretes: Denis Podalydès, Florence Pernel, Bernard Le Coq, Samuel Labarthe, Michèle Moretti.

Guión: Xavier Durringer, Patrick Rotman.

Música original: Nicola Piovani.

Fotografía: Gilles Porte.

Montaje: Catherine Schwartz.

Idioma: Francés.

Duración: 105 minutos.

El enano y el circo

Hablan muchos críticos de retrato sin concesiones del actual presidente francés. Supongo que teniendo tan reciente La dama de hierro, cualquier biopic sobre alguna figura política parece despiadado y contundente. Pero no se dejen engañar, la cosa no es para tanto.

Cierto es que hay que reconocer a Durringer el mérito de retratar al presidente de la República francesa cuando aún ejerce como tal. Y ese dibujo del panorama político que vive atrapado en una constante farsa. Pero no es Sarko la figura que peor parada sale, ni mucho menos. Para eso ya están Chirac y Villepin, siempre retratados como maquiavelos conspiradores.

Y aunque a Sarkozy le corresponda ser el trepa de la película, también se nos presenta su lado más 'honesto' y 'valiente'. Se incide durante varios momentos en ese ir de frente, o en esa claridad en sus palabras e intenciones. Las conversaciones con su rival Villepin son muy significativas, quedando éste como un panoli, mientras Nicolas representa cierto tipo de 'coherencia'.

Incluso en su vida privada, intuimos que todo ha sido suavizado para la ocasión. Tenemos que hacer un ejercicio de imaginación bastante considerable para hacernos una idea de lo que realmente ocurrió en ese matrimonio. De nuevo, la imagen que nos dan de Sarkozy es mucho más íntegra de lo que suponemos que debe ser la realidad.

Así, De Nicolas a Sarkozy funciona mejor como retrato general del mundo político que en el concreto del individuo. Tampoco ayudan algunos elementos, como una interpretación que se inclina demasiadas veces hacia la imitación, o una desubicada música de Nicola Piovani. Con todo, el film deja buen sabor de boca, gracias a su capacidad para sintetizar con precisión algunos de los males de la actual política.

Manuel Barrero Iglesias

Battleship

2/10

Battelship (USA, 2012).

Dirección: Peter Berg.

Intérpretes: Taylor Kitsch, Liam Neeson, Brooklyn Decker, Alexander Skarsgård, Rihanna

Guión: Erich Hoeber, Jon Hoeber; sobre el juego 'Batalla Naval' de Hasbro.

Música original: Steve Jablonsky.

Fotografía: Tobias A. Schliesler.

Montaje: Colby Parker Jr., Billy Rich, Paul Rubell.

Idioma: Inglés.

Duración: 131 minutos.

Barquitos y marcianitos

Ya tenemos otro nombre que añadir a la lista de magnates que idean aparatosos productos de encefalograma plano: el productor Brian Goldner. Desde que en 2008 llegara a la presidencia de Hasbro, ha ampliado las miras de la empresa juguetera, explotando la imagen de sus productos para llevarla al cine palomitero. Su nombre aparece detrás de las franquicias de G.I. Joe y Transformers. Y nos tememos lo peor después de ver la secuencia que se esconde tras los créditos. Otra deleznable saga a la vista.

Cuando ya todos tenemos asumido que la criatura más dañina para el ser humano es él mismo, esta gente siguen empeñada en jugar a los marcianitos. De la interesante evolución que ha sufrido el cine apocalíptico en los últimos años, no quieren saber nada. Y nos siguen pintando un panorama de destrucción en el que el culpable es el extraño. Pero ya ni molesta el panfleto pro-armamentístico en el que se convierten este tipo de películas.

Más bien causa risa ese empeño por ensalzar la institución militar como lugar lleno de virtudes y enderezador de espíritus díscolos. Si este proamericanismo ya es rancio por sí mismo, aquí lo adornan con una reivindicación de viejos héroes de guerra (ya sean hombres o barcos) que acaba resultando cómica (no sabemos si voluntaria o involuntariamente).

Todos mencionan Transformers como espejo en el que se mira esta película. Pero los referentes los encontramos aún más atrás. Y es que Battleship es una especie de mezcla entre Independence Day y Armageddon (supongo que también andará por ahí Pearl Harbor, aunque esta última he tenido la fortuna de no verla).

Así que el único homenaje real que encontramos es el que Peter Berg hace al cine catastrofista de hace 15 años. ¿Puede haber algo más rancio? Y es que cuando tu referente es un director como Michael Bay, nada bueno podemos esperar. Suena a chiste, pero aquí tenemos la película basada en 'Hundir la flota', con Rihanna haciendo de militar. El descerebrado cine de acción hollywoodiense, siempre dispuesto a superarse.

Manuel Barrero Iglesias

Estrenos España: 13 abril 2012

Esta semana destacamos el estrenos de Alps, con la que  Giorgos Lanthimos vuelve a las pantallas de medio mundo, tras su desconcertante Canino (2009). El director griego vuelve a profundizar en los extraños mecanismos de la mente humana, dentro de situaciones límites.

José Sacristán y María Valverde se quedan encerrados en un baño. Así sostiene David Trueba su nueva película: Madrid, 1987. Mientras, en Francia hacen películas sobre el actual presidente de la República. De Nicolas a Sakorzy es un retrato de los años previos a su llegada al poder.

El cine lleno de fuegos artificiales nos trae Battleship, película basada en el juego de mesa Hundir la flota. Y entre sus protagonistas, la cantante Rihanna. Un despropósito que arrasará en taquilla.

También se estrena esta semana Cairo Time, película canadiense de 2009 protagonizada por Patricia Clarkson.

Grupo 7

6/10
Grupo 7 (España, 2012).

Dirección: Alberto Rodríguez.

Intérpretes: Mario Casas, Antonio de la Torre, José Manuel Poga, Joaquín Nuñez, Lucía Guerrero, Inma Cuesta, Juilán Villagrán.

Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos.

Música original: Julio de la Rosa.

Fotografía: Alex Catalán.

Montaje: J. Manuel G. Moyano.

Idioma: Español.

Duración: 96 minutos.

Apatrullando la ciudad

Con su última película, Alberto Rodríguez ratifica que se maneja a la perfección como todoterreno capaz de moverse en géneros muy distintos. Y sin perder nunca la personalidad. Si sus dos primeros trabajos en solitario tenían un marcado acento en el ‘cine social’, con After se desmarcó de la temática para hablar sobre las crisis de los treintañeros de clase media/cómoda. Ahora se atreve con el thriller policíaco; género que parece vivir un renovado auge en nuestro país, tras el éxito de No habrá paz para los malvados.

El gran acierto de Grupo 7 es su marcado localismo. A diferencia de otros recientes thrillers europeos demasiado americanizados, Rodríguez enraiza su film en un lugar y tiempo muy concretos: la Sevilla poco antes de celebrarse la Expo’92. El director sabe de lo que habla, y empieza a construir su sólido relato sobre el certero retrato de la capital andaluza. Desde la vida en los bares, hasta la aparatosa religiosidad.

También funciona el film como fresco de una época, finales 80-principios 90, que andaba aún con los últimos coletazos de la drogadicción a la vista de todos. Ahí entra este grupo de policías encargados de hacer posible el propósito de los que mandan: ‘limpieza’ del centro turístico. Drogas sí; pero en la periferia, por favor.

Otro nivel más en el que se mueve Rodríguez es el de las historias personales de sus protagonistas. Los personajes de Mario Casas y Antonio de la Torre están llenos de complejidad y contradicciones. La debilidad y la violencia son dos caras de la misma moneda, y los límites éticos no encuentran nunca una clara definición. Escoltados de forma ejemplar por José Manuel Poga y ese descubrimiento que supone un inconmensurable Joaquín Nuñez, el grupo destila autenticidad.

Un thriller potente, humano, con su toque de denuncia hacia los poderes políticos. Un film que no se olvida de los marginados, de su supervivencia, de su espíritu colectivo. Una película en la que casi todos son víctimas a la vez que verdugos. Un tenso retrato social dirigido con pulso, interpretado con solidez, y que funciona en los distintos niveles en los que penetra.

Manuel Barrero Iglesias

Extraterrestre

5/10

Extraterrestre (España, 2011).

Dirección y guión: Nacho Vigalondo. Intérpretes: Julián Villagrán, Michelle Jenner, Carlos Areces, Raúl Cimas, Miguel Noguera.

Música original: Jorge Magaz.

Montaje: Jon D. Domínguez.

Idioma: Español.

Duración: 90 minutos

Extraños de sí mismos

Lo ha vuelto a conseguir. Nacho Vigalondo sigue demostrando que se puede hacer ciencia-ficción de calidad aun sin grandes presupuestos detrás. Con Los cronocrímenes (2007) consiguió una estupenda ópera prima de viajes temporales, que suplía la escasez de medios con un generoso derroche de imaginación. En Extraterrestre vuelve a convertir lo mínimo en virtud, dando la vuelta a un subgénero en el que parecía ya estaba todo dicho. Pero resulta que Vigalondo utiliza lo fantástico como marco en el que desarrollar una película de otro género tan dispar como la comedia romántica. Una extraña combinación que funciona gracias a la facilidad con la que el director se mueve a través del absurdo.

Una película sobre la llegada de seres de otro planeta en la que no aparece ni un solo alienígena. Y en la que no hay ni rastro de secuencias de masas histéricas. Una historia construida sobre cinco únicos personajes, y las interacciones entre ellos. Con una estructura casi teatral (no sería extraño que en breve alguien llevara el guion a las tablas) y un reducido número de localizaciones. Así se desarrolla Extraterrestre, rompiendo todos los esquemas establecidos, y sacando todo el partido posible a su (casi) minimalismo.

Pero para que funcione una película de estas características es indispensable que los intérpretes estén a un gran nivel. Julián Villagrán borda un protagonista más preocupado en conquistar a la chica de la que se acaba de enamorar, que de la amenaza del espacio exterior. Mientras, Carlos Areces confirma que el cine ha ganado un cómico brillante; y es que cada aparición suya supone carcajada garantizada. Sin olvidarnos de Raúl Cimas, menos habitual en el cine, pero que cumple a la perfección con su delirante papel. Es el personaje de Michelle Jenner el que queda algo más desdibujado, consecuencia lógica de la masculinidad que desprende la película. Aun así, ella sirve como perfecto nexo de unión con el resto. Y es que la labor interpretativa no es solo impecable a nivel individual, destacando sobremanera la química existente entre todos los miembros del reparto.

Estamos ante un trabajo lleno de ingenio, en el que abundan las situaciones hilarantes. Y que dentro de todo su armazón de comedia fantástico-romántica, esconde una clásica historia amorosa. Pequeña en apariencia, pero que no deja de recordarnos que hay momentos en los que el amor es más importante que cualquier otra cosa. Invasión extraterrestre incluida.

Manuel Barrero Iglesias