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miércoles, 29 de febrero de 2012

Premios Oscar 2011


Como solución de urgencia, ha sido un parche aceptable. Billy Crystal cumplió con lo que se esperaba de él, pero nada de brillantez. Sus intervenciones fueron calcadas a las que ya hemos visto tantas veces. Ya no sorprende a nadie. Si los que organizan el tinglado buscan la audiencia perdida, que busquen entre los nuevos cómicos americanos. Seguro que encuentran algo divertido.

La única medida que se les ocurre es acortar la gala de forma casi violenta. Al fin consiguieron que el evento no se fuera más allá de las tres horas. El precio pagado fue la ausencia de momentos emotivos. No se puede despachar a los ganadores del Oscar Honorífico de forma tan lamentable. Y es que el problema no está en la ceremonia en sí (¡es una entrega de premios, claro que es aburrida!). Lo peor es cortar cada 5-10 minutos para publicidad. Eso sí que mata el ritmo de cualquier retransmisión. En fin, ellos sabrán.

Una noche en la que el cine se autopremió a sí mismo. La gran triunfadora fue The Artist, una cinta francesa que homenajea al cine (principalmente mudo) americano. La invención de Hugo, que arrasó en las categorías técnicas, es un film estadounidense que rinde tributo a uno de los grandes pioneros del cine mudo francés. Este doble intercambio franco-americano se hizo con diez premios. La película de Michel Hazanavicius fue elegida la mejor, él consiguió su premio como director, Jean Dujardin el de actor, Ludovic Bource la música, y Mark Bridges el vestuario. El film de Scorsese se hizo con los dos galardones de sonido, los efectos especiales, fotografía y dirección artística.

Poco espacio hubo para premiar a otros trabajos. Curiosamente, una película tan mediocre como La dama de hierro fue la siguiente en número de estatuillas, logrando las dos a las que aspiraba. No me convence nada el premio para un maquillaje que incluso chirría en alguna ocasión. En esta categoría competía la última entrega de Harry Potter, una saga que ha conseguido 16 nominaciones, pero ni un solo premio.

El Oscar 'gordo' que más reñido se presentaba era el de mejor actriz principal. Viola Davis había tomado ventaja en las últimas semana, pero finalmente la Academia decidió que ya era hora de darle un tercer Oscar a Meryl Streep. La que sí se llevó su premio fue la compañera de Davis en Criadas y señoras, una Octavia Spencer elegida como mejor actriz de reparto. Definitivamente, los académicos eligieron lo fácil en lugar de lo realmente bueno, en cuanto a féminas se refiere.

El momento más emotivo de la noche lo protagonizó un octogenario Christopher Plummer al recoger su Oscar como mejor actor de reparto, por su entrañable personaje de Beginners. Uno de los mejores momentos de la noche, ovación en pie incluida. Algo similar le hubiese pasado a Woody Allen si hubiese acudido a recoger su premio al mejor guión original. En esta ocasión, el genio neoyorquino no tocaba el clarinete, pero tenía mejores cosas que hacer: ver el All-Star de la NBA. Es el cuarto galardón que recibe Allen (el tercero como guionista) en su extensa carrera. Mientras, la mejor película de las nueve nominadas -Los descendientes-, se tuvo que conformar con el guión adaptado.

También asistimos a la mayor sorpresa de la noche, el premio al mejor montaje para Millenium (para los mismos que el año pasado ganaron por La red social). Y a la definitiva devaluación de la categoría dedicada a la canción. Solo dos nominadas este año, a cada cual peor. Finalmente, 'Man or Muppet” fue la previsible vencedora. Nader ySimin cosechó otro éxito más con el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, mientras Rango se llevó el de animación, en un año en el que el nivel del cine animado no ha sido demasiado alto.

Una ceremonia insípida que tuvo su mejor número en los siempre espectaculares Circo del Sol. Unos premios bastante previsibles. Y como siempre, los grandes olvidados. ¿Dónde estaban Drive y Shame? Hay que estar muy ciego para no reconocer trabajos tan contundentes. Mientras, tendremos que seguir viendo como filmes tan infames como Criadas y señoras copan nominaciones. O como bonitos ejercicios de nostalgia (que no van más allá de eso) acaparan los premios. Son los Oscar.



Manuel Barrero Iglesias

Independent Spirit Awards 2011

Hasta en los premios del espíritu independiente ha triunfado The Artist. No es común que coincidan estos premios con los Oscar en su elección de la mejor película. Pues la cinta francesa lo ha conseguido. Y eso que competía con un film del calibre de Drive. Pero nada; película, dirección, actor principal y fotografía fueron para Hazanavicius y los suyos. 

Ante el abuso de Streep y Davis en los premios de mejor actriz, Michelle Williams tuvo al fin su oportunidad para que se reconociera su labor como Marilyn Monroe en Mi semana con Marilyn. Christopher Plummer también recogió su premio independiente, mientras Nader y Simin se perpetúa como mejor película extranjera en casi todo el mundo.

Premios Cesar 2011

Como no podía ser de otra forma, The Artist también triunfó en casa. Consiguió el Cesar a la mejor película; además de dirección, actriz, música, fotografía y decorados. Curiosamente Jean Dujardin no consiguió el premio como mejor actor, que fe para Omar Sy, por Intocable.

Destacar que Carmen Maura ha sido la primera actriz española en conseguir el galardón francés, por su trabajo como actriz de reparto en Muchachas.


lunes, 27 de febrero de 2012

Taquilla España: 17-19 febrero 2012

Viaje al centro de la Tierra 2 entra directamente en el primer puesto de la taquilla española, con más de un millón y medio de euros recaudados en su primer fin de semana. Le sigue La mujer de negro, otro estreno que se sitúa muy cerca del millón. Una cifra a la que también se acerca El invitado.

Los otros tres estrenos que entran en el Top Ten son el thriller Infierno blanco, en quinta posición con medio millón; el drama Shame, octavo con un cuarto de millón; y la comedia Young Adult, con 0'21.

El Caballo de batalla de Spielberg se va al cuarto puesto, con 0'73 millones. Mientras Los descendientes se convierte en la película más veterana con 0'41 millones más en su sexta posición. La amenaza fantasma (7º) y Los Muppets (9º) completan el Top.

Premios BAFTA 2011

The Artist fue la gran triunfadora en la Ceremonia de los británicos premios BAFTA, entregados el pasado 12 de febrero, cumpliendo su 65 edición. El film francés se llevó los premios a mejor película, dirección, actor principal, guión original, música, fotografía y vestuario.

El topo consiguió el premio como mejor película británica, además del mejor guión adaptado. La invención de Hugo se tuvo que conformar con premios técnicos. Meryl Streep consiguió el premio como mejor actriz.

De lo más sorprendente fue que Nader y Simin se quedara sin premio a la mejor película extranjera, que fue para La piel que habito.

domingo, 26 de febrero de 2012

Infierno blanco

4/10
The Grey (USA, 2010).
Dirección: Joe Carnahan.
Intérpretes: Liam Neeson, Dallas Roberts, Frank Grillo, Dermot Mulroney, Nonso Anozie.
Guión: Joe Carnahan, Ian Mackenzie Jeffers.
Música original: Marc Streitenfeld.
Fotografía: Masanobu Takayanagi.
Montaje: Robert Barton, Jason Hellmann.
Idioma: Inglés.
Duración: 117 minutos.



El hombre y el lobo


Tras rodar una película tan pasada de rosca como El Equipo A, Joe Carnahan se atreve con un thriller de pretensiones existencialistas. Ha pasado de un producto que no se tomaba en serio ni lo más mínimo, a otro que persigue solemne trascendencia. Una historia de un grupo que lucha por la supervivencia, cuya cabeza visible es un personaje al que apenas le quedan ganas de seguir viviendo.

Lo que menos interesa es precisamente la pedantería que se instala en las reflexiones de este solitario personaje mortalmente herido por una dolorosa perdida. Una gravedad que no era necesaria, y cuya manifestación en una afectada voz en off resulta ridícula. Tampoco hay demasiado tino en el intento (fallido) de dar cierta profundidad a unos personajes que, con dificultad, escapan del estereotipo o los diálogos absurdos.

Lástima, porque la esencia del film es lo bastante atractiva por sí misma. Dando un giro a la estructura del slasher (ese género en el que las víctimas son asesinadas de una en una), nos encontramos con que los asesinos son lobos. Y las víctimas, en lugar de adolescentes hormonados, son adultos ya muy curtidos. Infierno blanco podría haber sido una rabiosa cinta de terror con la descarnada lucha entre hombre y naturaleza como único sustento.


No hacían falta aderezos seudofilosóficos para un trabajo que, todo sea dicho, está rodado con tensión y buen pulso. No hubiera estado mal que se hubiera desnudado mucho más, en lugar de esconderse entre vacuas reflexiones.


Manuel Barrero Iglesias



Young Adult

5/10
Young Adult (USA, 2011).
Dirección: Jason Reitman.
Intérpretes: Charlize Theron, Patton Oswalt, Patrick Wilson, Elizabeth Reaser, Collette Wolfe.
Guión: Diablo Cody.
Música original: Rolfe Kent.
Fotografía: Eric Steelberg.
Montaje: Dana E. Glauberman.
Idioma: Inglés.
Duración: 94 minutos.



Regreso a Nunca Jamás


Jason Reitman (director) y Diablo Cody (guionista) vuelven a trabajar juntos tras su exitosa unión en Juno (2007). Y vuelven a la carga con otra comedia indie que pretende ser desvergonzada, aunque nunca se pueda desprender de su amabilidad casi extrema. El film indaga en las tensiones entre la América más conservadora y los individuos que se salen de la norma. Aunque no estamos ante el recurrente retrato de alguien atrapado en un agujero sin salida. Nuestra protagonista ya consiguió escapar de la vida pueblerina.

A pesar de habitar en la ciudad y ser una escritora de relativo éxito, es ella misma la que se mete en la boca del lobo. Su desaliñado modo de vida, algún revés amoroso, y la crisis creativa-popular; hacen que se plantee una vuelta a las raíces como solución a sus problemas. Y así, lo que en apariencia es un intento por recuperar al (supuesto) amor de su vida; esconde el anhelo de una vida juvenil y despreocupada.

Y es que la Mavis de Chalize Theron es una versión femenina de Peter Pan, personaje siempre asociado a la inmadurez masculina. Aunque el regreso a su particular Nunca Jamás no consiga los efectos deseados. Young Adult le da la vuelta al típico film de retorno del hijo pródigo, alejándose del gastado romántico viaje a la infancia como forma de recuperar lo esencial de la vida. Es una suerte que se prescinda del tópico cursi, para mostrarnos que la felicidad rural es resultado de la falta de inquietudes y aspiraciones. ¿Plácida sencillez o aburrida estupidez?

Young Adult se posiciona desde el principio en la segunda opción. Queda tan claro a lo largo de todo el metraje que se hace innecesaria esa secuencia en la que se verbaliza todo lo que ya hemos visto en pantalla. Momentos de tanta obviedad son los que hacen que la película deje un regusto final insatisfactorio. Si le unimos a la poca entidad que tiene la propuesta en sí misma, alguna que otra torpeza de este tipo, resulta una película intrascendente.

Eso sí, hay que valorar ese toque amargo que queda al no haber redención para una protagonista que seguirá siendo la misma egoísta inmadura que era al principio. Es lo más destacable de un trabajo en el que tampoco podemos olvidar la entrañable (y extraña) pareja que forman Theron y Patton Oswalt. Cuando ellos coinciden en pantalla, todo fluye mucho más divertido.

Manuel Barrero Iglesias




jueves, 23 de febrero de 2012

Estrenos España: 17 febrero 2012

Sin duda alguna, Shame es nuestro estreno destacado de la semana. La segunda película del británico Steve McQueen (que vuelve a contar con Fassbender como protagonista) es un lúcido y doloroso retrato sobre soledades y fragilidades. Una película que no deben perderse los amantes de historias amargas.
También desde las islas británicas llega La mujer de negro, un muy eficiente cuento gótico protagonizado por el ya adulto Daniel Radcliffe. Siguiendo con el cine europeo, desde Francia llega Cuenta atrás, un trepidante thriller con participación de Elena Anaya. Y desde Rumanía, la comedia Hello! How are you?.

Terminamos con los estrenos estadounidenses. La segunda colaboración entre Jason Reitman y Diablo Cody da como resultado Young Adult, comedia que no pasa de pintoresca, sobre crisis a los treintaytantos. El director de El Equipo A nos trae un thriller llamado Infierno blanco en el que los asesinos están en la naturaleza. Y Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa es la oferta de cine familiar de aventuras.

martes, 21 de febrero de 2012

Daniel Radcliffe y James Watkins en Madrid


Con motivo del estreno de La mujer de negro, su director y protagonista visitaron España. Tierra Filme estuvo con ellos en el Photocall realizado en el Hotel Villa Magna.








El director James Watkins, que obtuvo cierto reconocimiento con su anterior film, Eden Lake, se atreve ahora con la adaptación de la novela escrita por Susan Hill.






El film se estrenó este viernes 17 de febrero, y es un estupendo cuento de terror gótico que nos muestra al Radcliffe post Harry Potter, con un personaje adulto (incluso es padre). 




Fotos: Abigail Giménez Guardiola

Lo mejor de Eva

2/10
Lo mejor de Eva (España, 2012).
Dirección: Mariano Barroso.
Intérpretes: Leonor Watling, Miguel Ángel Silvestre, Nathalie Poza, Andriana Ugarte, José Luis Torrijo.
Guión: Mariano Barroso, Alejandro Hernández.
Música original: Arnau Bataller.
Fotografía: David Omedes.
Montaje: Pablo Más.
Idiomas: Español.
Duración: 93 minutos.



Hombre fatal

Hubo un tiempo en el que Mariano Barroso fue un nombre importante en el panorama nacional. Un director que se ganó las simpatías de crítica y público con películas llenas de fuerza y tensión. Extasis (1996) y Los lobos de Washington (1999) suponían otra piedrecita más en el sólido camino que el cine español construyó en la década de los 90. Pero como le ocurrió a la cinematografía patria en general, la travesía de Barroso por los inicios del nuevo siglo ha estado marcada por la sequía creativa.

De hecho, el último largometraje que realizó fue la desapercibida Hormigas en la boca (2005). Tras algún trabajo en televisión, ahora vuelve con un género que le dio buen resultado en el pasado, y que parece estar revitalizándose en España: el thriller. En este caso, uno de corte erótico/judicial, protagonizado por una pareja de química más que dudosa: Leonor Watling y Miguel Ángel Silvestre.
Y un guión que siempre ronda el despropósito, y cuyos giros son más que predecibles. El drama se refugia en el trillado campo de los traumas infantiles marcados por padres autoritarios. Y aunque poco se podía hacer con un material tan deficiente, tampoco ayuda la plana dirección de Barroso, que no aporta demasiada pasión a un film frío. Casi helado.

El drama judicial se pierde en una historia de supuesta tensión sexual, en la que la que el clásico rol de mujer fatal recae en una figura masculina. Una película que nunca consigue despegar, y que termina de hundirse en un burdo desenlace.


Manuel Barrero Iglesias



lunes, 20 de febrero de 2012

XXVI Premios Goya: Palmarés completo


No fue especialmente divertida la gala de los XXVI Premios Goya. Tampoco especialmente aburrida. Vamos, como la mayoría de estas ceremonias, en las que hay poco margen de maniobra. Eva Hache estuvo correcta como maestra de ceremonias, aunque el guión no siempre estuvo a la altura. Las bromas sobre los nominados tuvieron mucha más gracia en el monólogo de Santiago Segura (uno de los mejores momentos de la noche), que en el de la presentadora. Pero lo peor fueron, y con mucha diferencia, los dos números musicales. El inicial, tontorrón y sin gracia. Y el rap que inició El Langui provocó uno de los mayores momentos de vergüenza ajena. ¿Era necesario poner a Juan Diego en esa tesitura?

Algún que otra situación vergonzante se vivió en los discursos de los premiados, aunque eso es inevitable e incontrolable. Kike Maíllo y su reivindicación de la escuela pública metida con calzador, mientras hacía de padre pesado con Claudia Vega, la niña protagonista de Eva. Una película, que además de dirección novel, se llevó otros dos galardones cantados. El de mejores efectos especiales no tenía discusión, mientras Lluís Homar recogió su Goya como mejor actor de reparto en la primera nominación de su carrera. Increíble que un intérprete de su talla aún no hubiera recibido el reconocimiento de sus compañeros. Muy emocionado, su discurso fue eterno y confuso. Pero se lo perdonamos. Además, tuvo el buen gusto de acordarse de Montxo Armendáriz y No tengas miedo, una de las mejores películas del pasado año, injustamente marginada.

Su única opción era la de Michelle Jenner como mejor actriz revelación, pero ese premio tenía escrito el nombre de María León. La sevillana fue una muy justa vencedora por su trabajo en La voz dormida. Por esta misma película, la gran Ana Wagener consiguió el de mejor actriz de reparto. Era su tercera nominación. La película de Zambrano consiguió otro más de los ocho Goya a los que optaba, el de mejor canción para 'Nana de la hierbabuena'.

Cuatro premios técnicos se llevó a casa Blackthorn, el western boliviano de Mateo Gil. Dirección de fotografía, dirección de producción, dirección artística y vestuario; fueron la justa recompensa para una película de gran factura técnica.

Con cuatro galardones también se quedó La piel que habito. Aunque la sensación es que el film de Almodóvar fue uno de los grandes derrotados de la noche, ya que aspiraba a 16 estatuillas. Elena Anaya y Jan Cornet consiguieron mejor actriz principal y mejor actor revelación interpretando al mismo personaje. El eterno Alberto Iglesias consiguió su décimo Goya. Además, se llevaron maquillaje y peluquería.

Sorprendió mucho que Almodóvar no se llevara el premio a mejor guión adaptado, que fue a parar a una de las grandes triunfadoras de la noche. Arrugas, que se llevó también el premio como mejor película de animación. Un pleno para el primer film animado que consigue un Goya al guión.

Pero si hablamos de triunfadores, hay que hablar de No habrá pazpara los malvados. Enrique Urbizu consigue un merecido reconocimiento, y su trabajo se lleva seis premios: Película, dirección, guión original, montaje, sonido, y actor principal para José Coronado. Una película de género que triunfa de manera incontestable. Aunque los académicos se olvidaran de otro thriller, Mientras duermes, que se encuentra entre lo mejor hecho en España el pasado año.

Previsibles premios para The Artist y Un cuento chino como mejores películas europea e hispana, respectivamente. Y Escuchando al juez Garzón permitió que Isabel Coixet subiera al escenario a recoger el premio al mejor documental, categoría en la que derrotó a la estupenda 30 años de oscuridad.

La entrega del Goya honorífico a la directora Josefina Molina resultó de lo más descafeinada, al encontrarse ausente la homenajeada por culpa de una inoportuna gripe.

El barco pirata (ficción), Bird Boy (animación) y Regreso a Viridiana (documental) completan el palmarés con los premios para cortometrajes. 



Premiados

Mejor película
Blackthorn, sin destino; producida por Eter Pictures A.I.E., Nix Films A.I.E., Arcadia Motion Pictures, Manto Films A.I.E.
*No habrá paz para los malvados; producida por Telecinco Cinema S.A.U., Lazona Films, Manto Films A.I.E.
La piel que habito; producida por El Deseo D.A. S.L.U.

La voz dormida; producida por Maestranza Films S.L., Mirada Sur S.L.

domingo, 19 de febrero de 2012

Taquilla España: 10-12 febrero 2012

El invitado, trepidante thriller protagonizado por Denzel Washington y Ryan Reynolds alcanza el primer puesto en la taquilla, con 1'74 millones de euros. Otros dos estrenos completan el podium. El último Spielberg con su Caballo de batalla (1'3 millones), y George Lucas que sigue explotando la saga de la que vive desde hace más de 30 años. La amenaza fantasma 3D ha conseguido 0'77 millones.

Sobre esa cifra anda también Los descendientes, que baja hasta el cuarto puesto. En el quinto es para Los Muppets, que supera el medio millón. Muy cerca de esa cifra se queda la divertida Promoción fantasma, que se encarga de elevar la cuota de cine español.

En torno a los 0'30 millones se encuentran los cuatros filmes que cierran el Top Ten. La solemnidad del Clint Eastwood de J. Edgar, la acción frenética de Underworld 4, la comedia vulgar de Jack y su gemela...y en décimo lugar, otro estreno. El thriller español Lo mejor de Eva.

viernes, 17 de febrero de 2012

War Horse (Caballo de batalla)

War Horse (USA, 2011).
Dirección: Steven Spierlberg.
Intérpretes: Jeremy irvine, Emily Watson, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston.
Guión: Lee Hall, Richard Curtis; sobre la novela de Michael Morpurgo.
Música original: John Williams.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Montaje: Michael Kahn.
Idioma: Inglés, alemán.
Duración: 146 minutos.



El Spielberg tranquilo

Queda bastante claro tras visionar War Horse que a Steven Spielberg, a estas alturas, le quedan pocos complejos. Ya no tiene nada que demostrar, ni nada de lo que avergonzarse. Hace tiempo que emprendió el camino de vuelta. Y se muestra tal cual. Sin tapujos. Con todo aquello que le mantuvo alejado de la crítica más exigente durante años y con todo aquello que le ha valido un hueco entre los más grandes. El reconocimiento del público (de su público) le ha acompañado y acompañará siempre.

Hubo un Spielberg acusado de empalagar, de azucarar hasta el más horrible de los relatos y de atrapar con forzada sensiblería. Y esa etiqueta le alejó de su buscado reconocimiento. No sería falso decir que el director ansió durante años que Hollywood le engalanase con su oro. Ese mismo Hollywood que le negó hasta el absurdo, que encumbró mediocridad frente a hoy alguna que otra reconocida obra maestra y que sólo se vio forzado a elevar a sus altares a La lista de Schindler cuando ya era simplemente imposible negar la evidencia. Desde entonces poco han cambiado las cosas, tal vez la mayor diferencia sea que, como comentaba al inicio, el cineasta ya no siente la necesidad de disimular lo que algunos etiquetaron como defectos. Simplemente porque Spielberg es así. Es su forma de ver el mundo, el cine, el arte.

Tras firmar prodigios recientes como A.I., Munich, Minority Report o Atrápame si puedes, después de reinventar el cine bélico, después de seguir dando lecciones magistrales sobre cómo rodar una escena de acción o de cómo enganchar a una aventura a cualquier espectador (por ceñirme a su última etapa, toda la anterior forma parte ya del imaginario colectivo), poco queda por hacer. Carta blanca.

Y Steven, que nunca ha engañado declarándose deudor de un tipo de cine ya casi perdido, fue madurando película tras película, refinando su estilo, acercándose hasta superar en ocasiones a aquellos que fueron sus maestros: Lean, Vidor, Huston, Fleming, Curtiz… y, por supuesto, Ford. Ha ido impregnando sus imágenes de nostalgia de un cine eterno e incluso cuando ha inventado mundos alejados ha cuidado mucho que ese aroma le acompañe. Y con más o menos suerte lo ha ido logrando. No siempre con acierto, es evidente, pero con la claridad de quien se sabe ya una autoridad en lo suyo.

En repetidas declaraciones sobre éste su último estreno, War Horse, Spielberg ha reconocido que ha tenido que contenerse, que ha tenido que tirar del freno de mano a la hora de acercarse a la cruda batalla (lo que no le ha impedido, con calculada dureza, volver a desnudar el alma del soldado, para ponerle cara y nombre, despojándole de la armadura de la siempre mal vendida falsa valentía y gloria eterna de mucha de esa gente que nunca hubiese querido dar su vida en ninguna guerra). Lo ha hecho porque lo que Caballo de Batalla pretende ser es un film apto para todos los públicos con un mensaje tan limpio y simple como fácilmente criticable. Y pese a ir a ralentí en algunos aspectos, impecablemente descritos por otro lado, la cinta no tiende a lo concreto (pese a alguna memorable elipsis) a la hora de exponer ni situaciones, ni personajes. Spielberg se recrea en cada imagen, alarga las escenas, simplemente por plasmar algo bello, por regodearse en ese plano perfectamente buscado e iluminado, por intentar que nos deleitemos con una mirada, con una imagen, con el sonido del viento o de la lluvia, o con el olor (a veces casi perceptible) de una pradera y observemos a algunos hombres tranquilos en su cotidianidad.

Y mezclando el tono familiar del Spielberg ochentero más absoluto, con todo lo aprendido y filmado en sus últimos quince años de trayectoria, obtiene el director una película incontenida, incontenible y de difícil descripción. En ocasiones cercana, en otras desbordante; pero siempre con un poso de autenticidad incuestionable. Porque pocos como él pueden lograr transmitir lo que pretenden acercando la cámara a un rostro humano o colándose en la retina de un ser de otra especie.

Historia de una búsqueda imposible (adaptación de la ahora ya conocida novela/obra teatral de Michael Morpurgo) más allá de fronteras, continentes o contiendas, el director nos embarca en una sucesión de pequeños relatos, casi individuales, que van teniendo como protagonista al caballo Joey, que va pasando de mano en mano, hasta convertirse en ejemplo de supervivencia y entrega en medio del horror del que desea escapar. Es en cada una de esas microhistorias donde la cámara que rueda se entrega a la causa de un cine casi olvidado, un cine pretérito que enamoró a espectadores antes de la llegada fulminante de la televisión. Acompañando esa esencia llena de influencias declaradas, el gran John Williams (éste sí alumno aventajadísimo del sinfonismo de uno de sus maestros, Korngold) vuelve a manejar su batuta sobre una partitura que sólo puede calificarse como emocionante y modélica.

Es probable que el conjunto sea disonante, que el crepuscular epílogo sea tan hermoso como calculado, y que se roce el recurrente infantilismo con aroma Disney (que recordemos pone parte del presupuesto de producción) en demasiadas ocasiones; como en ese encuentro entre soldados de ambos bandos. Pero es que ya no hay engaños ni impresiones que ocultar. Todo es transparente. Ya no soporta el liberado brazo del jefe de obra el peso del, hace tiempo, entregado cetro de Rey Midas. Y muchos participarán de lo mostrado y volverán a emocionarse dejando que aparezca la buscada lágrima.

Resulta curioso y digno de reflexión, para alegría de quien esto escribe, que aquel tipo que se colgó la medalla del modernismo cinematográfico y que revolucionó la industria marcando tendencias y vanguardia hace ya más de treinta años sea hoy, posiblemente, el último gran clásico. El último portador del un Hollywood dorado que nunca le ha devuelto lo entregado.


Jorge R.




martes, 14 de febrero de 2012

Estrenos España: 10 febrero 2012

El estreno recomendado de la semana es Declaración de guerra. Película francesa en la que su directora parte de un hecho real (una grave enfermedad de su hijo) para construir una bella historia de amor y vitalidad. Desde Francia también tenemos la comedia romántica adolescente The French Kissers.
El cine made in USA nos trae tres superproducciones. La cinta de acción El invitado es trepidante thriller con sus tintes de denuncia política, protagonizado por Denzel Washington y Ryan Reynolds. Steven Spielberg vuelve al bélico, esta vez con un caballo, en War Horse. Y George Lucas no para de vivir de los réditos. En esta ocasión, con el reestreno en 3D de Star Wars: La amenaza fantasma.

Tras su aventura americana, el alemán Tom Tykwer vuelve a su país con Three (3), que cuenta la historia de un peculiar trío amoroso. Mientras, el mítico Béla Tarr dirige El caballo de Turín, cuyo limitado estreno en las salas dará la oportunidad a unos pocos de disfrutar del último trabajo del reconocido autor húngaro.

Por último, los estrenos españoles. Lo mejor de Eva es un previsible thriller erótico-judicial, con Leonor Watling y Miguel Ángel Silvestre como extraña pareja. Y Papá, soy un zombie, nominada al Goya como mejor película de animación, y con una evidente influencia burtoniana.

Withney Houston: 09-08-1963/11-02-2012

El pasado 11 de febrero fue encontrada muerta en la bañera de un hotel de Los Angeles. Se encontraba en la ciudad californiana para tomar parte en la Ceremonia de los Grammy que se celebraba al día siguiente. Withney Houston murió a los 48 años.

Su paso por el cine fue fugaz, pero su debut no pudo ser más exitoso. Junto a Kevin Costner, protagonizó El guardaespaldas (1992), película de tan baja calidad como altos rendimientos en taquilla (por no hablar de la multivendida banda sonora). En esa misma década se concentran sus apariciones en la pantalla: Esperando un respiro (1995), La mujer del predicador (1996) y la TV-Movie Cinderella (1997).

En post-producción se encuentra Sparkle, musical que protagoniza y que se estrenará este año.

Ben Gazzara: 28-08-1930/03-02-2012

Hijo de padres italianos, Ben Gazzara nació en Nueva York hace más de 81 años. El pasado dos de febrero murió en la ciudad que le vio nacer, a consecuencia de un cáncer de pancreas. El actor jamás dejó de trabajar, habiendo hecho dos películas en 2011, y teniendo otras dos en preparación.

Estudió en el mítico Actor's Studio, y sus primeros pasos fueron en la escena teatral. En los años 50 participó en varios montajes teatrales, destacando La gata sobre el tejado de Zinc. Una década en la que también participó en numerosas series de televisión. Y en la que debutó en el cine, con The Strange One (1957). Poco después fue dirigido por Otto Preminger en Anatomía de un asesinato (1959). Incluso trabajó en Italia, a las órdenes de Mario Monicelli, en Llegan los bribones (1960).

En la década de los 70, llegaría John Cassavetes, para el que trabajó en Husbands (1970) y Opening Night (1977). Los 80 fueron sus años más productivos en Italia. Mientras en los 90, apareció en algunos filmes independientes americanos de gran prestigio, como Buffalo '66, El gran Lebowski o Happiness. En los últimos veinte años no tuvo apariciones muy destacadas, si exceptuamos la llamada de von Trier para aparecer en Dogville (2003)

lunes, 13 de febrero de 2012

Proto Anime Cut

La creación de ambientes futuristas y arquitecturas complejas es una de las características más llamativas de algunos de los animes más famosos de los últimos tiempos como pueden ser Ghost in the Shell o Akira. La exposición “Proto Anime Cut” se adentra en las bases del proceso de la creación animada y echa un vistazo a sus fases iniciales en las que el equipo creativo da una primera forma al universo que luego se animará y veremos en pantalla. Diseños de personajes y de fondos, storyboards, bocetos, fuentes de inspiración y fragmentos de películas se reúnen en esta exposición para dar al visitante una visión global sobre el proceso creativo que implica la realización de un Anime.

Proto Anime Cut en Berlín
La muestra incluye trabajos realizados para algunos de los anime de ciencia ficción más influyentes de estas últimas dos décadas por figuras destacadas como Hideaki Anno (director, Neon Genesis Evangelion), Haruhiko Higami (fotógrafo, Patlabor), Koji Morimoto (director; Dimension Bomb, The Animatrix, Robot Carnival), Hiromasa Ogura (director artístico; Ghost in the Shell, Jin-Roh), Mamoru Oshii (director; Patlabor, Ghost in the Shell) y Takashi Watabe (layouts, Ghost in the Shell). Artistas fundamentales en la evolución y el desarrollo de este género dando una seña distintiva a muchos filmes.
Tras ver la luz en Berlín de la mano de Stefan Riekeles de Les Jardins des Pilotes (Berlin) en cooperación con David d’Heilly de 2dk (Tokyo), “Proto Anime Cut” llega ahora al Espai Cultural Caja Madrid de Barcelona donde estará del 8 de febrero al 8 de abril de 2012 y posteriormente será acogida por La Casa Encendida de Madrid con fechas aún por determinar. Una cita ineludible por cualquier amante de la animación nipona.
Del 8 de febrero al 8 de abril

Espai Cultural Caja Madrid

Plaza Catalunya, 9 (Barcelona)
De lunes a sábado de 10 a 21h
Domingos y Festivos de 10h a 14h
ENTRADA GRATUITA
 
 
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